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View Full Version : Verismo / Giovane Scuola



Schigolch
July 30th, 2012, 10:08 PM
Aunque hoy en día no es desde luego la época más "in" de la ópera, podemos encontrar un gran número de autores y obras que merecen escuchas y reconocimiento.

Vamos a empezar con L'oracolo de Franco Leoni.



http://ecx.images-amazon.com/images/I/517V85MRFKL._SL500_AA300_.jpg


Leoni (1864-1949) fue uno de esos músicos italianos de la época, aunque la mayor parte de su carrera transcurrió en Inglaterra. Sin duda, L'Oracolo es su obra más recordada. Se estrenó en Londres, en el Covent Garden, en 1905, con el barítono Antonio Scotti como protagonista, que más adelante llevó la obra al Metropolitan de Nueva York, donde tuvo bastante éxito y se escenificó en varias ocasiones entre 1915 y 1933.


http://www.gutenberg.org/files/15446/15446-h/images/0100-1.png
Antonio Scotti

Con libreto de Camillo Zanoni, L'Oracolo es una ópera en un acto, de apenas una hora de duración, que transcurre en el barrio chino de San Francisco, en 1900. Sus personajes son chinos emigrados a América. Vamos a familiarizarnos un poco con el argumento:

En el día del año nuevo chino, los últimos clientes de una casa de opio vuelven a sus casas, mientras los devotos dirigen sus pasos al templo. El propietario de la casa de opio, Chin-Fen, pretende estar enamorado de Hua-Qui, la nodriza de Hoo-Chi, hijo del rico comerciante Hu-Tsin. Sin embargo, lo que pretende es que Hua-Qui le ayude a robar en la casa de Hu-Tsin.

Win-San es el hijo del maestro Win-Shi, y esta enamorado de la sobrina de Hu-Tsin, Ah-Yoe. Los enamorados se encuentran y se confiesan su amor. Desde el templo nos llega el eco de un himno sagrado, mientras las calles se llenan de voces de alegría.



http://www.jmucci.com/opera/Leoni_Program_sm.jpg
Cartel del estreno de L'Oracolo en el MET.


El maestro Win-Shi lee en el libro de las estrellas que grandes males se ciernen sobre el hijo de Hu-Tsin (el Oráculo). Chin-Fen, aprovechando un momento de distracción de la nodriza, secuestra al pequeño y lo oculta. A continuación, se dirige al agobiado Hu-Tsin para pedir la mano de la bella Ah-Yoe si consigue rescatar al niño.

Win-San sospecha de Chin-Fen,registra la casa de opio y consigue encontrar al pequeño, pero Chin-Fen le persigue, y le da muerte con un hacha antes de que pueda llegar a la casa de Hu-Tsin. Como se acercan unos transeuntes, se ve forzado a tirar al niño a un sótano.

Cuando Ah-Yoe ve el cadáver de su amado, no puede mantener la cordura. Win-Shi también se siente hundido por la muerte de su hijo, pero decide encontrar a su asesino.

Paseando por las calles, Win-Shi oye llorar un niño en un sótano, descubre al hijo de Hu-Tsin y lo devuelve a su padre. Win-Shi, que sospecha de Chin-Fen, se acerca a hablar con él, y descubre que esta borracho. Le hace confesar el crimen, y le estrangula. Un policía pasa, mientras Win-Shi simula conversar con Chin-Fen. Tan pronto como el policía se pierde de vista, el cuerpo sin vida de Chin-Fen cae a tierra.



http://www.operatoday.com/oracolo_HQ_18.png
Producción de L'Oracolo en Frankfurt


Hace tiempo tuve la ocasión de asistir a una función de L'Oracolo en la ópera de Frankfurt. Aunque los intérpretes no eran los mejores posibles (Peter Sidhom, Carlo Ventre, Annalisa Raspagliosi....), y la producción pecaba de una cierta sensación de comedia bufa, como si el regista realmente no se creyera el material, fue una experiencia de cierto interés.

Musicalmente, la verdad es que la obra merece la pena, tanto el principio de la ópera, que consigue en unos segundos transportar al oyente a esa Chinatown finisecular, como en algunas arias de bastante vuelo.

Sin duda, la versión de referencia (aunque los de Frankfurt han publicado un CD obtenido en las funciones comentadas) es la que grabaron Joan Sutherland, Gobbi, Davies, van Allan, Grant,...

Vamos a escuchar algunos pasajes en youtube:


http://www.youtube.com/watch?v=swwbgp4ejbs


http://www.youtube.com/watch?v=74OTGvob3fg


http://www.youtube.com/watch?v=ZHTfuTK59Y4

Schigolch
July 31st, 2012, 09:38 PM
Aunque la obra mas importante de Cilea es sin duda Adriana Lecouvreur, personalmente creo que L'Arlesiana, estrenada en 1897, es una ópera a la misma altura que su hermana, o incluso superior, pero que es mucho más difícil ver representada.

Y es curioso, porque tiene páginas muy célebres, sobre todo la de tenor (papel que fue estrenado nada menos que por Enrico Caruso), que se han convertido en verdadera piedra de toque para infinidad de cantantes en recitales y discos:

Lamento de Federico


http://www.youtube.com/watch?v=rYXPMmmmbwE

Come due tizzi accesi, aria para barítono del Acto I


http://www.youtube.com/watch?v=2zIxi0ntqFE

Esser madre è un inferno


http://www.youtube.com/watch?v=h6Hqfam-Psw

Las arias que más me gustan de esta ópera son las de Rosa Mamai: "Era un giorno di festa" y esa estupenda "Esser madre è un inferno" (que, por cierto, fue añadida por Cilea un año después del estreno), maravillosamente interpretada por Muzio.

La versión más interesante en disco, es la de Tagliavini y Tassinari en los años 50, pero no contiene la revisión que Cilea completó en 1937. Para este menester, se puede acudir al registro de Bongiovanni.

http://ecx.images-amazon.com/images/I/51wWC0N9WxL._SL500_AA300_.jpg

Schigolch
August 1st, 2012, 11:21 AM
¿Por qué es cada vez menos apreciado el verismo italiano?. Se quiera o no, la reputación del movimiento en determinados círculos críticos no es muy alta.

En mi opinión, algunas óperas veristas y post-veristas pecan de un exceso de sensacionalismo, de sentimientos desaforados vividos a flor de piel, sin distanciamiento, con causas acaso triviales....

Pero a mi entender las verdaderas razones son dos, musicales, y están relacionadas: en primer lugar, se trata de una música "popular", evolución directa de la tradición Romántica italiana y llena de referencias a formas populares, y aunque formalmente respeta el totem de la continuidad dramática, sigue teniendo arias identificables. En segundo lugar y sobre todo, es la última etapa de la historia de la ópera donde los estrenos eran esperados con tanta o más expectación que las obras de repertorio, algo que se fue perdiendo y desapareció por completo tras la segunda guerra mundial.

A muchos críticos, especialmente franceses, centroeuropeos y anglosajones, les repugnan estas características. Ciertamente, esta visión ha ido cambiando de unos años a esta parte, pero algunos críticos veteranos, educados en los años 50 y 60, siguen anclados en los dogmas que adquirieron durante su etapa de formación.



Hablemos de otra ópera italiana, estrenada en 1934, Cecilia del sacerdote Licinio Refice:


http://www.youtube.com/watch?v=vsowfmvcqnQ


http://www.youtube.com/watch?v=GwqVmc-pCwM


http://www.youtube.com/watch?v=lFZZzchln3A

El argumento es sencillo, la vida de Santa Cecilia desde su matrimonio hasta el martirio por la Fe.

Tras su première en Roma, su protagonista, Claudia Muzio, utilizó la ópera para despedirse del Teatro Colón, donde tuvo un enorme éxito y de cuyo reestreno en el 2008 proceden los youtubazos anteriores (hay más disponibles). Escuchamos también su aria principal, "Grazie Sorelle" en la inolvidable voz de Renata Tebaldi:



http://www.youtube.com/watch?v=ogJUZJ4gMbw

Schigolch
August 2nd, 2012, 07:16 AM
Vamos con otra ópera italiana de la época. Aunque se puede debatir si es realmente verismo. Probablemente, no, pero en el hilo, a pesar del título, queremos disfrutar de la ópera italiana, más o menos desde el comienzo del verismo, hasta la Segunda Guerra Mundial..

Se trata de Loreley, la última ópera compuesta por Alfredo Catalani antes de su único éxito que todavía permanece en repertorio, La Wally. Estrenada en Turín en 1890, gozó de un cierto éxito hasta los años 30, y se representó en Milán, Buenos Aires, Londres, Nueva York, ...



http://img185.imageshack.us/img185/3210/giglimuzioqn7.jpg
Estreno de Loreley en el MET, 1922, con Gigli y Muzio


El argumento es simple, en un castillo junto al Rhin el conde Walter (tenor) ha organizado una fiesta en honor a su prometida, Ana (soprano), sobrina del margrave Rodolfo (bajo). Su amigo Hermann (barítono), que ama en secreto a Ana, recibe la confidencia del conde quién en realidad está enamorado de la bella Loreley, a quién debe abandonar para casarse con Ana. Loreley se encuentra con Walter, quien la confirma que piensa abandonarla, y despechada ofrece su vida a Alberich, el dios del Rhin, y se arroja a la corriente, reapareciendo transfigurada y aún más hermosa.

Hermann intenta convencer a Ana de la traición de Walter, pero la joven se muestra decidida a casarse. Durante la ceremonia nupcial, se presenta una imagen de Loreley, y Walter, lleno de amor, abandona a Ana, quién muere transida de dolor.

Los remordimientos atormentan a Walter, pero encuentra consuelo en los brazos de Loreley. La muchacha, atada por el pacto con Alberich, debe retornar al Rhin, y Walter también se arroja desesperado al río, en su busca.



http://ecx.images-amazon.com/images/I/51SxmNDFifL._SS400_.jpg


Vamos a escuchar algunos de los mejores pasajes de la ópera, en youtube:

Aria de Walter, Nel verde Maggio:


http://www.youtube.com/watch?v=byi8fwn7oqM

La bellísima aria de Ana, Amor, celeste ebbrezza:


http://www.youtube.com/watch?v=9yG_EZiDHOA

El aria de Loreley, Dove son?:


http://www.youtube.com/watch?v=FQ_z8r5kSDA

Schigolch
August 3rd, 2012, 10:09 AM
Sin duda, Pietro Mascagni es un compositor totalmente asociado con el movimiento verista, pero curiosamente, su reputación descansa casi en exclusiva sobre su primera ópera, Cavalleria Rusticana, con momentos que todo aficionado a la ópera reconoce, como el famoso "Intermezzo" o la memorable aria de Santuzza: "Voi lo sapete, o mamma".

Ya en su segunda obra, la deliciosa L'amico Fritz, Mascagni da cumplida cuenta de su verdadero talento como compositor. Estrenada en Roma en 1891, con Fernando de Lucia y Emma Calvé como protagonistas, tuvo un discreto éxito en su momento, y todavía recibe algunas producciones aisladas, aunque nunca ha conseguido instalarse plenamente en el repertorio.

La historia es muy sencilla, casi una versión de finales del siglo XIX de una novela pastoral: Un rico propietario, Fritz, se encuentra satisfecho de su soltería y no tiene planes para contraer matrimonio. Apuesta con su amigo, el rabino David, que nunca se casará. Conoce a la joven Suzel, hija de uno de sus arrendatarios, y se siente atraído por la muchacha. Cuando el rabino David le comenta que ha encontrado la persona adecuada para marido de Suzel, monta en cólera, y se da cuenta que está enamorado. Todo es una treta de David para que Fritz dé el paso de declararse a Suzel, quién a su vez también está enamorada de Fritz. David da a Suzel el importe de la apuesta ganada a Fritz, como regalo de bodas.

Existen varias versiones en CD y DVD, pero la mejor es sin duda la de 1968 con Luciano Pavarotti y Mirella Freni, dirigidos por Gianandrea Gavazzeni.

El "Duetto delle ciliegie", una pieza muy conocida, con Tito Schipa y Mafalda Favero:


http://www.youtube.com/watch?v=CZSewl5wT4k

"Tutto ho tentato, tutto" cantada por Pavarotti:


http://www.youtube.com/watch?v=ssJD4A8R2zs

"Son pochi fiori", con Pia Tassinari:


http://www.youtube.com/watch?v=3yD3HD7kPHM

Schigolch
August 4th, 2012, 09:06 AM
Sin duda, Umberto Giordano es otro de los compositores mas conocidos del verismo.

Aunque solo dos obras suyas han conseguido entrar en el repertorio, Andrea Chenier y Fedora (esta ultima, por los pelos), compuso nada menos que 14 operas, 13 de ellas estrenadas.

La mas infravalorada de todas es a mi juicio Siberia. Estrenada en 1903 en la Scala, con un exito mas bien discreto, a pesar de contar con De Luca, Zenatello y Storchio, Giordano la rehizo en 1927 y volvio a programar su reestreno en Milan.


Stephana (soprano) es la protegida de un principe ruso, Alessi (tenor) en San Petersburgo tras ser seducida y entregada al principe por un rufian llamado Gleby (baritono). La joven Stephana se ha enamorado del teniente Vassili (tenor), que ignora la condicion de mantenida de su amada. Al descubrirlo antes de marchar a la guerra, desafia en duelo al principe y le asesta una cuchillada mortal.

El teniente es juzgado y deportado a Siberia. Stephana abandona San Petersburgo y le sigue al exilio. Vassili le pide que vuelva a la ciudad, pero la joven se niega y decide afrontar con su amado el destierro.

Ambos amantes planean escapar, cuando llega tambien deportado Gleby que reconoce a Stephana y quiere aprovecharse de ella, lo que impide Vassili. Cuando los dos jovenes se fugan, Gleby los denuncia a las autoridades. Son capturados, y Stephana recibe un disparo y muere mientras se despide para siempre de Vassili.


Los toques de atmosfera "rusa" no acaban de estar conseguidos del todo, pero la escritura vocal es buena, y en la linea que todos esperamos del verismo. Dynamic tiene un CD en el mercado que se escucha con agrado, y muy bien presentado. Merece la pena una escucha.

http://ecx.images-amazon.com/images/I/41N27FNGMKL._SL500_AA300_.jpg

Algunos ejemplos:


http://www.youtube.com/watch?v=RXnyxVBrNNQ


http://www.youtube.com/watch?v=A9mwimS9shs


http://www.youtube.com/watch?v=Y5Y-_DKI4GM

Schigolch
August 5th, 2012, 08:39 AM
Zazà es una de las mejores óperas de Ruggero Leoncavallo. Tal vez por el tema en si, que siempre interesó sobremanera a Leoncavallo, quién adaptó personalmente el libreto, y estreóo la obra en Milan, en 1900. Tuvo cierto éxito durante los siguientes veinte años.

Zazà (soprano), hija de la alcoholizada Anaide (mezzo) se gana la vida como soubrette en Saint-Etienne, con la ayuda de Cascart (barítono). Cascart está enamorado de Zazà, pero como es natural la muchacha ama a Milio (tenor). Tras conseguir los favores de Zazà, Milio anuncia su partida hacia America, pero Cascart dice haberle visto en París del brazo de una joven.

En realidad, Milio tiene esposa e hija en París, y ha decidido abandonar a Zazà. La muchacha llega a Paris, y pronto descubre el engaño de Milio y conoce a su hija, Totó (tal vez la mejor escena de la ópera). Zazà se enfrenta a Milio, y le hace creer que ha contado a su esposa todo sobre su affaire amoroso. Milio entra en cólera, Zazà comprende que todo está perdido, confiesa su mentira, se despide de Milio y decide emprender una carrera en el music-hall en Paris.

Se trata de una ópera fresca, que plasma muy bien el ambiente del París finisecular y el mundo del music-hall, que el compositor conocía de primera mano.

Esta es una interesante grabación:

http://ecx.images-amazon.com/images/I/41R9N8M6MCL._SL500_AA300_.jpg

También ésta, aunque tiene importantes cortes:

http://img837.imageshack.us/img837/4862/zazg.jpg


Algunas páginas famosas de la ópera son el aria de Cascart, "Zazà, piccola zingara":


http://www.youtube.com/watch?v=wlHKQb34A3Q


El aria de Milio, "O mio piccolo tavolo":


http://www.youtube.com/watch?v=vY_K4zwEBlU


La protagonista, Zazà:


http://www.youtube.com/watch?v=Kq9hr3fQ3n0


y el duetto final:


http://www.youtube.com/watch?v=tbdT6SbPY5s


La ópera puede resultar interesante, aunque no se valore particularmente el verismo, o Leoncavallo.

Schigolch
August 6th, 2012, 08:10 AM
Aunque muchos aficionados conocen a Franco Alfano por su trabajo de completar la Turandot, de Puccini, y el Cyrano, fue un compositor muy activo en el terreno operístico.

Tal vez su mejor obra fuera Risurrezione, estrenada a principios del siglo XX, y basada en la novela homónima de Tolstoi. Tuvo mucho éxito, especialmente en Italia. El papel de la protagonista, Katiusha, tiene mucho encanto y puede dar un enorme juego en manos de una cantante apropiada, su escena en la estación "Giunse il treno... Dio pietoso" es memorable. La música, impetuosa, sentimental, es apropiadamente verista.

El aria de Katiusha, "Dio pietoso":


http://www.youtube.com/watch?v=e4cfXU03Lpw

El dueto de Katiusha y Dimitri:


http://www.youtube.com/watch?v=S1xZAlbMbg4

El aria de Simonson, el barítono:


http://www.youtube.com/watch?v=0vcQAswLJ7Y


La versión en CD con Magda Olivero, es una buena opción para conocer esta ópera.

http://cover7.cduniverse.com/MuzeAudioArt/Large/37/1160337.jpg

Schigolch
August 7th, 2012, 07:23 AM
Alberto Franchetti, hombre de querencias wagnerianas, es tambien un compositor italiano del periodo "verista". Más en la línea de un Cilea, que de un Giordano.

Sin duda, su mayor éxito fue Germania, estrenada en 1902 en Milan con guión de Giuseppe Illica, y que gozó de cierta fama hasta que la Gran Guerra hizo incómodo representar una ópera italiana que presenta bajo una luz favorable al nacionalismo alemán.

En el libreto, se nos ofrece una historia de jóvenes nacionalistas alemanes que pretenden la unificación, en tiempos de la ocupación de muchos territorios germánicos por el ejército de Napoleón. El idealista Carlo Worms (barítono) es el líder del ala moderada del movimiento, mientras que el cabecilla del sector radical es Federico Loewe (tenor). Como era de esperar, ambos están enamorados de la misma mujer, Ricke (soprano), la prometida de Loewe.

Worms consigue seducir a la joven, y la hace prometer que no dirá nada a su novio. Debido a un revés de la fortuna, Loewe, Ricke, la hermana de Ricke, Jane (mezzo) y otros militantes, deben huir y refugiarse en la Selva Negra. Ambos jóvenes van a casarse, cuando aparece Worms, herido. Ricke huye y confiesa por carta su desliz a Loewe, quien jura vengarse de Worms.

Años después, en una reunión clandestina del movimiento pangermánico, Loewe se encuentra con Worms y le desafía a un duelo. Sin embargo, ¿qué importancia tienen rencillas personales cuando el destino de Alemania está en juego?. Ambos deciden aparcar su conflicto y todos se apresuran a unirse a la Batalla de las Naciones, que se va a celebrar en las afueras de Leipzig.

Tras la batalla y la derrota napoleónica, Ricke encuentra muerto a Worms y gravemente herido a Loewe. Ricke se acurruca junto a su prometido, mientras el joven expira, y pasan así su única noche juntos.

Existe un DVD de la opera:

http://ecx.images-amazon.com/images/I/51D3Za%2BRtKL._SS400_.jpg



Franchetti abusa ciertamente de elementos coloristas "alemanes" y presenta una orquestación un tanto excesiva y ampulosa. Pero algunas arias son ciertamente disfrutables, y hasta tiene un Intermezzo antes de la última escena, representando la Batalla de las Naciones.

El tenor del estreno fue nada menos que Enrico Caruso, en el papel de Federico Loewe:


http://www.youtube.com/watch?v=IHxyQsvZ1Ys


http://www.youtube.com/watch?v=nkRlO6qnidk


http://www.youtube.com/watch?v=JfTbGyTaC9U

Una funcion del 2006:


http://www.youtube.com/watch?v=QgZj80m5ros

Schigolch
August 8th, 2012, 09:59 AM
Pietro Mascagni siempre mantenía que su mejor ópera no era otra que Guglielmo Ratcliff , basada en una tragedia de Heine, traducida al italiano por Andrea Maffei, cuya traducción es básicamente el libreto que usó Mascagni.

http://www.jmucci.com/opera/operamusic/ratcliff/ratclifposter.jpg

Obra finisecular, tiene un argumento realmente truculento, apropiadamente verista. El conde Douglas (barítono) va a casarse con la bella Maria (soprano), y viaja para ello al castillo de su padre MacGregor (bajo). Es atacado por dos bandidos, y salva la vida merced a la intervención de un desconocido.

MacGregor cuenta a Douglas su desesperación pues todos los prometidos de Maria son muertos en duelo, a manos de su antiguo pretendiente, Guglielmo Ratcliff (tenor). Inmediatamente, como orquestado por el destino, llega una nota de Ratcliff desafiando a Douglas a un duelo.

Ratcliff tiene pesadillas con los fantasmas de los hombres que ha matado, pero aún así se enfrenta a Douglas. Ratcliff es vencido, pero Douglas reconoce al caballero que le salvó de los bandidos, y le perdona la vida.

Maria se prepara para su boda con Douglas, y su doncella Maria (mezzo) le cuenta como Elisa, la madre de Maria, estaba enamorada de Edward, el padre de Guillermo, pero se casó con MacGregor. Elisa y Edward se convirtieron en amantes, y MacGregor mató a Edward, mientras Elisa se suicidó.

Ratcliff entra en la habitación y pide a Maria huir juntos. La joven, aunque siente piedad por Ratcliff, se niega y el enloquecido Guglielmo asesina a Maria, y a MacGregor, para acabar después con su propia vida.

La ópera se estrenó en Milán a finales del siglo XIX, dirigida por el propio Mascagni, tras haber trabajado en ella durante una docena de años, pero nunca tuvo un gran éxito de público.

Hay una grabación clásica, con Pier Miranda Ferraro en el papel de Ratcliff:

http://cover7.cduniverse.com/MuzeAudioArt/Large/03/1230203.jpg

como también esta otra:

http://1.bp.blogspot.com/_iixfKHFiTZc/SqcsB_DYViI/AAAAAAAAALc/zhRmnC8eero/s320/capa.jpg


Se trata de una ópera con una estupenda vena melódica, y de un dramatismo bien expuesto, aunque tal vez un pelín excesivo. Contiene poca acción, casi todo es narrativa, y la atmósfera es bastante sombría. Merece la pena una audición, y ver si estamos de acuerdo con la opinión de su autor.


Algunas paginas en youtube:


http://www.youtube.com/watch?v=fZfq9D1vrEA


http://www.youtube.com/watch?v=DgUuGqRm26k


http://www.youtube.com/watch?v=2VlA2f4Fj70


http://www.youtube.com/watch?v=w1lH7G4U-dc

Schigolch
August 9th, 2012, 05:06 PM
Curiosamente Chatterton, de Ruggero Leoncavallo, fue una de las primeras óperas que se grabaron completas.

http://1.bp.blogspot.com/_7_aZpQb7lKM/TEjEpRxRsFI/AAAAAAAAC68/0Ua5DC2wbKM/s320/capa.jpg

En 1908, dirigida por el propio Leoncavallo, y con todos los problemas inherentes a las tecnicas de grabación de la época. Con Granados y Signorini alternándose en el rol titular.

El registro de Bongiovanni, mucho más reciente, y que tiene un nivel razonablemente bueno para conocer la ópera, aunque los cantantes, evidentemente, no son de primer nivel. Ni siquiera de segundo:

http://ecx.images-amazon.com/images/I/61RJS95VP0L._SL500_AA300_.jpg

La obra, con un libreto del propio Leoncavallo, adapta el drama de Alfred de Vigny sobre el poeta ingles Thomas Chatterton, muerto por su propia mano a los dieciocho años de edad. Fue la primera composición de Leoncavallo, y se estrenó en 1896 después del éxito de Pagliacci, pero nunca consiguió siquiera aproximarse a ese nivel de reconocimiento popular.

En esta ocasión, si escuchan el CD de Bongiovanni, pienso que convendrán en que tal vez este relativo fracaso esté justificado.


El aria principal, "Tu sola a me rimani, o Poesia":


http://www.youtube.com/watch?v=WUznhpkGJv8

y algunos otros ejemplos:


http://www.youtube.com/watch?v=-gqd6SZL2XA


http://www.youtube.com/watch?v=idcPQMOXraY

Schigolch
August 10th, 2012, 09:51 AM
Turno para comentar brevemente Iris.




http://omaggiopuccini.altervista.org/_altervista_ht/Affiches/Iris1898.jpg



Estrenada en Roma, en 1898, con libreto de Luigi Illica, transcurre en un Japón idealizado.

Iris (soprano) es una bella joven que vive con su padre, el Ciego (bajo), y es pretendida por un hombre de dudosa reputación, Osaka (tenor, nada menos que Fernando de Lucia en el estreno). El propietario de un establecimiento de placer, Kyoto (barítono), rapta a Iris aprovechando la ausencia del padre, a quién a su vuelta comunica Osaka que Iris ha decidido unirse a las geishas que trabajan para Kyoto.

Osaka intenta seducir a la joven Iris, que en su inocencia le confunde con un dios, pero rechaza sus avances. Kyoto la viste con espléndidos ropajes y la expone en un balcón, con la intención de conseguir que Osaka finalmente la compre. Al ver a su padre pasar bajo el balcón, Iris le llama, pero el Ciego, creyendo que su hija está voluntariamente en el establecimiento de Kyoto, le tira una pella de barro a la cara, y la joven se arroja desde el balcón.

Creyéndola muerta, unos mendigos comienzan a robar las joyas y los vestidos con que Kyoto la había adornado. Iris despierta, y contempla la luz del monte Fuji hendir el cielo. La joven se hunde para siempre en esa luz.



Dramáticamente, la ópera no es gran cosa (fue descrita como "A tale of veristic horror Mongolized", en su estreno en el MET; aunque en realidad es mucho más simbolista, que verista), pero la música es por momentos irresistible.

Una buena versión:

http://cover7.cduniverse.com/MuzeAudioArt/Large/18/481718.jpg



Y algunos highlights:



Inno al sole


http://www.youtube.com/watch?v=88M-yzBzq4k


Aprì la tua finestra


http://www.youtube.com/watch?v=0_Vy1cvQ5jg


Un dì, ero piccina:


http://www.youtube.com/watch?v=QcAEsp-0FoQ


Final


http://www.youtube.com/watch?v=0X_5a2CPBsA

Schigolch
August 11th, 2012, 10:04 AM
No todos los enemigos del verismo procedian del Norte de Europa, o de Estados Unidos.

En la propia Italia, habia criticos y compositores que consideraban la opera verista un callejon sin salida, un peso muerto que amenazaba con asfixiar la musica italiana.

Uno de los mas destacados era Francesco Balilla Pratella, autor del manifiesto Musica Futurista, en 1911:

http://www.hotel-rimini.com/var/news/storage/images/eventi/francesco-balilla-pratella/189417-1-ita-IT/francesco-balilla-pratella_articolo.jpg

http://www.copia-di-arte.com/kunst/umberto_boccioni/design_cover_musica_futurista_hi.jpg

Pratella elogia las figuras de Strauss o Wagner, mientras deplora la degeneracion de la musica italiana, incapaz de producir nada mas enjundioso que "vulgares melodramas". Pratella considera toda la produccion musical de Umberto Giordano como "llena de pobres melodias, y un canto atroz, una basura", y de sus aceradas opiniones no se libraba ni Puccini.

El unico compositor italiano que le merecia algun respeto era su maestro, Mascagni, a quien elogiaba por intentar romper las barreras que impedian crecer, que estrangulaban, a la opera italiana, a traves de su interes por dotar a su orquesta de una personalidad fuerte, que impidiera al "canto desaforado" arrollarla.

Algunos de sus puntos fundacionales:


Evitar que los jovenes musicos italianos sean corrompidos por las enseñanzas de los Conservatorios y su insistencia en las recetas tradicionales italianas, ya superadas e incapaces de evolucionar.

Ningun compositor de opera puede llamarse tal, sin escribir sus propios libretos.

Acabar con el predominio de los cantantes, y que sean una parte mas del tejido orquestal

Olvidar el pasado, crear nueva musica, libre del corse del gusto decimononico

.

Vamos a escuchar en que quedaban al final las recetas teoricas de Pratella:


http://www.youtube.com/watch?v=-QdIHMrLWQ4

Schigolch
August 12th, 2012, 09:14 AM
En Nueva York, al inicio de Riverside Drive y representando las obras en el Alice Tully Hall, se encuentra el Teatro Grattacielo, una iniciativa dedicada a cantar una vez al año versiones en concierto de operas veristas.

http://www.grattacielo.org/img/Logo_200.gif

Desde el año 1997, se han ofrecido las siguientes funciones:

L'amore dei tre re

Iris

L'arlesiana

I cavalieri di Ekebu

Risurrrezione

La Wally

Guglielmo Ratcliff

La cena delle beffe

Zaza

La farsa amorosa

L'incantesimo

L'oracolo

Il piccolo Marat

I gioielli della Madonna

I compagnacci

Il Re


Admirable labor de esta compañia de entusiastas estadounidenses, que mantienen viva una de las principales tradiciones de la opera italiana, en estos albores del siglo XXI. Para este año, el plan es cantar "La nave" de Italo Montemezzi, el proximo mes de Octubre.

Luiz Gazzola (Almaviva)
August 12th, 2012, 09:22 AM
Teatro Grattacielo: http://www.grattacielo.org/
La Nave: 29 de Octubre, a las 8 de la noche. Rose Theater (la casa de Jazz at Lincoln Center)

Schigolch
August 13th, 2012, 08:33 AM
http://ecx.images-amazon.com/images/I/51sYRDfokXL._SS500_.jpg

Marcella es otra de las óperas compuestas por Umberto Giordano.

Estrenada en Milan, en 1907, (nada menos que por Gemma Bellincioni y Fernando de Lucia; también la cantaron Magda Olivero y Tito Schipa) la ópera, como tantas otras, conoció un moderado éxito hasta la Segunda Guerra Mundial, y ha desaparecido prácticamente desde entonces.

El primer acto, "Trovata", nos cuenta como la joven y desgraciada Marcella (soprano) conoce en un restaurante al apuesto Giorgio (tenor), y ambos caen rendidamente enamorados. En el segundo, "Amata", encontramos a los dos jóvenes viviendo felices en una casa en el campo; Marcella confía a su amiga Clara (soprano) su preocupación, sin embargo, pues nota a Giorgio cada vez mas distraído, como si algo le preocupara. La muchacha escucha una conversación entre Giorgio y su amigo Drasco (barítono), y descubre que Giorgio es en realidad un príncipe de algún pequeño país del Este de Europa. La última parte, "Abbandonata", nos relata la partida de Giorgio ante problemas y rebeliones en su patria, la despedida de los amantes, y la tristeza y soledad de Marcella ante su cruel destino.

El argumento, a primera vista, suena un poco banal y antiguo, pero la única diferencia con la actualidad es que la cantante se hubiera casado con el presidente de la Republica, o la presentadora de televisión con el príncipe.

La ópera es corta, y se pasa un rato agradable; tal vez algo más que eso, para los más aficionados al verismo. Pero en cualquier caso, no pasará a la historia de la música, ni es comparable a otras obras de su autor o de la época que estamos comentando.

Algunos highlights:


http://www.youtube.com/watch?v=ExTODOVufDM


http://www.youtube.com/watch?v=24_0KQUBzNA


http://www.youtube.com/watch?v=lhM_RFSWn2g


http://www.youtube.com/watch?v=2fTtCU4PTJc


http://www.youtube.com/watch?v=ajwnCYB1co8

Schigolch
August 15th, 2012, 04:20 PM
¿Qué supuso el verismo para el canto?. ¿Se necesitaban intérpretes con mas inmediatez, de un canto menos abstracto y refinado que para el melodramma italiano?.

Teniendo en cuenta que cantaban con éxito óperas veristas tenores tan distintos como De Lucia, Caruso, Gigli o Schipa, mi opinión personal es que no hay una única forma correcta de cantar verismo. Con respecto al bel canto y la ópera verdiana, tal vez se haga necesario un cierto naturalismo, un canto algo más "declamado" y, por supuesto, las voces, además de un timbre bello, deben tener un tamaño que les permita hacer los papeles creíbles (y audibles).

Tal vez sea interesante echar una mirada a los cantantes que "estrenaban" el verismo. A la generación que estaba presente en los escenarios italianos a finales del siglo XIX y principios del XX, y que también es la primera generación de la que se guarda registro fonográfico.

http://www.historicopera.com/images/singers-p/psinger-pandolfini.jpg

Una de esos cantantes era Angelica Pandolfini, que debutó con 23 años cantando Pagliacci y Cavalleria Rusticana, fue intérprete destacada de Tosca y estrenó Adriana Lecouvreur con Caruso y De Luca; aquí la tenemos cantando "Io son l'umile ancella" en 1903:


http://www.youtube.com/watch?v=uHl06ZowVoU

Schigolch
August 16th, 2012, 08:43 AM
El compositor griego Spyridon Samaras (conocido también como Spiro Samara), autor del himno olímpico, pasó más de 25 años en Italia, donde compuso algunas óperas encuadradas en la estética del verismo.

Una de ellas, La Martire, se estrenó en Nápoles en 1893 con libreto de Luigi Illica, y posteriormente tuvo una cierta difusión en otras ciudades italianas, Francia y Alemania.

El argumento es simple: en una pequeña ciudad rumana a orillas del Danubio, Natalia vive con su marido, el descargador de muelles Tristano, y su hija, una niña que padece una grave enfermedad. El matrimonio de Natalia es muy desgraciado, pues su marido es infiel, alcohólico y la maltrata de palabra y obra. Tras la muerte de la niña, una desesperada Natalia recibe la visita de su antiguo novio, Mikael, que la ofrece huir juntos y empezar una nueva vida. Pero Natalia no puede ya encontrar la fuerza necesaria en su interior, y decide suicidarse.

Pues resulta que la ópera se puede ver en youtube, procedente de unas representaciones en Corfú, ciudad natal del compositor:


http://www.youtube.com/watch?v=570MIrr28SI

Schigolch
August 17th, 2012, 12:12 PM
En un ranking de óperas ordenadas por su grado de "verismo", una seria candidata al primer puesto seria I Gioielli della Madonna, del compositor italo-alemán Ermanno Wolf-Ferrari.

http://ecx.images-amazon.com/images/I/518GF77KqgL._SS500_.jpg

Estrenada en Berlin en 1911, en versión alemana con el titulo de Der Schmuck der Madonna, tuvo que esperar nada menos que a 1953, ya fallecido Wolf-Ferrari, para ser estrenada en Italia. Sin embargo, en su versión original (Wolf-Ferrari eligio el tema del libreto, escrito en italiano, e inspirado en un hecho real acaecido a finales del siglo XIX en Nápoles) italiana tuvo un notable exito en USA, en Chicago, donde fue vehículo de grandes sopranos como Rosa Raisa o Claudia Muzio, y también en Nueva York, donde la cantó Maria Jeritza, y es famosa una producción de 1926 que arrancó las quejas del Times sobre el excesivo peso de la "cheap opera" italiana en la programacion, poniendo como ejemplos junto a Gioielli a Cavalleria y Tosca.... Como ven, nada nuevo bajo el Sol.



http://www.grattacielo.org/img/Jewels/Maliella2.jpg
Rosa Raisa como Maliella


En una bella tarde napolitana, se celebra el festival de la Madonna. Maliella (soprano), sale apresuradamente de la casa de su madre adoptiva, Carmela (mezzo) para presenciar la procesión. Su hermano, Gennaro (tenor), desesperadamente enamorado de la joven Maliella, la contempla mientras funde un candelabro en su herrería. Carmela explica a Gennaro como adoptó a Maliella, en cumplimiento de una promesa para salvar la vida del propio Gennaro, que había caído enfermo de gravedad. Maliella es cortejada por el jefe de una banda de la Camorra, Rafaele (barítono), que para conmover a la joven, dice estar dispuesto a robar las propias joyas del manto de la Madonna. Gennaro, que esta escuchando el intercambio amoroso, alerta a Maliella de la condición de delincuente de Rafaele.

La muchacha desprecia el consejo de Gennaro, y sale alegramente a la calle en busca de diversión. Más tarde, Rafaele y sus amigos de la Camorra cantan una serenata en la ventana de Maliella, que promete a su enamorado reunirse al día siguiente. Gennaro, desesperado, entra subrepticiamente en la Iglesia y roba las joyas de la Madonna, que presenta a una alucinada Maliellla, quién le toma por el propio Rafaele, y acaba cediendo a su requerimiento amoroso.

En una fiesta en el almacén donde se reunen los camorristas, Rafaele explica a sus compañeros que sólo está interesado en tomar la virginidad de Maliella, en ser el primer hombre en gozar de sus encantos. Cuando llega Maliella y explica, entre llantos, la confusión de la noche anterior, y como se entregó a Gennaro, Rafaele empuja a la muchacha y, al caer, se revelan las joyas de la Madonna que lleva escondidas en sus ropajes. Gennaro, que llega en ese momento, es insultado por la muchacha, a pesar de haber robado las joyas para ella. Rafaele y los camorristas, horrorizados ante el sacrilegio, se retiran. Maliella se arroja al mar, y perece ahogada, mientras que Gennaro, tras despedirse de su madre y solicitar el perdón de la Madonna, recoge un cuchillo del suelo, y se lo clava con salvaje abandono en el corazón.

Algunos highlights:

Intermezzo:


http://www.youtube.com/watch?v=a7OcDfspgZM

La serenata de Rafaele, "Aprila o bella":


http://www.youtube.com/watch?v=lPEpZUTP26Q

El aria de Gennaro, "Madonna, con sospiri"

Madonna con sospiri (http://www.divshare.com/download/13416379-490)

Maliella nos canta "Diceva Cannetella"

Diceva Cannetella vedendosi inserata (http://www.divshare.com/download/13416401-d2e)

El final de la opera

Final (http://www.divshare.com/download/13416424-528)

Sólo existe una version discográfica de la ópera, así que no tiene pérdida

Schigolch
August 18th, 2012, 09:35 PM
http://www.grattacielo.org/img/Ekebu_1_400.jpg

Riccardo Zandonai estrena en La Scala en 1925 la opera I Cavalieri di Ekebu. Con libreto de Arturo Rossato, esta basada en la leyenda de Gosta Berling, de la escritora sueca Selma Lagerlof.

Por esas mismas fechas, se estreno tambien la famosa pelicula de Mauritz Stiller, con Greta Garbo, sobre el mismo tema:


http://www.youtube.com/watch?v=q3hyvMSItrM

En una Suecia tan helada que da frio solo pensarlo, Gosta Berling (tenor) es un clerigo expulsado de la Iglesia debido a sus malas costumbres. Esta enamorado de una muchacha, Anna (soprano), que siente rechazo hacia el debido a su apariencia torva y descuidada. La castellana de Ekebu (mezzo) le ofrece trabajo con sus "Cavalieri", un grupo de soldados de fortuna, y aventureros, dedicados a desfacer entuertos. Gosta se recupera moral y fisicamente, y en una fiesta besa a Anna y le declara su amor. Mientras, Sintram (bajo), uno de los "Cavalieri", acusa a la castellana de haber vendido su alma al diablo y es expulsada. Gosta consigue que reflexionen, y reclamen la vuelta de su antigua comandante, que, ya muy enferma, perdona a todos y deja su cargo y posesiones a Gosta y Anna.

Aunque el estreno, bajo la direccion de Toscanini, tuvo cierto exito, como tantas otras veces la opera acabo desapareciendo del repertorio con el paso de los años. Podemos escuchar una vocalidad heredera directa del verismo de finales del XIX y principios del XX.

Existe una grabacion comercial:

http://cover7.cduniverse.com/PhantomArt/Large/49/1615349.jpg


Escuchamos algunos fragmentos en youtube, con intervenciones de Gosta y Anna:


http://www.youtube.com/watch?v=q1nRoFIgNFU


http://www.youtube.com/watch?v=I03P8UfwMx4

Schigolch
August 19th, 2012, 08:53 AM
Tras firmar el oportuno contrato, Alfredo Catalani estrena en La Scala su opera Dejanice, en 1883.

Personajes

Dardano - Anciano Triunviro de Siracusa - Baritono
Argelia - Su sobrina - Soprano
Amdeto - Aventurero proscrito, enamorado de Argelia - Tenor
Dejanice - Antigua Patricia, ahora hetaira y amante de Amdeto - Soprano
Labdaco - Corsario cartagines, esclavo de los griegos - Bajo

La trama

Siracusa, siglo IV antes de Cristo. El capitan y aventurero Amdeto ha derrotado a la armada cartaginesa, y reclama la mano de Argelia, sobrina del triunviro Dardano. El anciano dirigente rechaza indignado la peticion, y Labdaco, un antiguo corsario cartagines prisionero de los griegos, convence a Amdeto para huir de Siracusa y emprender una carrera como pirata.

Admeto tiene exito en la pirateria, y tiene como amante a la bella Dejanice, antigua patricia de Siracusa, ahora reconvetirda en hetaira. En una incursion, los piratas toman a Argelia como prisionera, pero Admeto ordena a Labdaco que la devuelva a su tio.

Admeto decide volver tambien a Siracusa, y la sorprendida Argelia le jura tambien amor eterno. Dejanice, entretanto, desvela a Labdaco que era una espia de Dardano.

Dardano sigue resuelto a evitar la union de Admeto y Argelia, pero Dejanice le envenena e impide el suicidio de los jovenes amantes, que pueden al fin ser felices, mientras Dejanice se apuñala y acaba con su vida.

http://www.freecodesource.com/album-cover/51RAne3xJWL/Rene-Massis-Catalani:-Dejanice.jpg

La opera, pre-verismo, tiene mucho que ver con una Gioconda, tanto musical como argumentalmente, y tiene momentos de bastante interes. En su momento fue un fracaso su estreno en Milan, pero tuvo exito en otras ciudades italianas.

Escuchamos la obertura y un aria de Dardano:

Dejanice - Obertura (http://www.goear.com/listen/00c9590/dejanice-catalani)



http://www.youtube.com/watch?v=Lj1jSa0IfQQ

Schigolch
August 20th, 2012, 09:32 AM
Pietro Mascagni estrenó Isabeau en Buenos Aires, dirigiendo él mismo la orquesta, hace algo más de un siglo. El mes de marzo del 2011, hubo unas representaciones de la ópera, en Brunswick.

Con libreto de Luigi Illica, la historia se inspira en la leyenda de Lady Godiva. Siglo XIII, la joven Isabeau (soprano), hija del rey Raimondo (barítono), se niega a contraer matrimonio y su padre prepara un torneo para que el ganador la despose. Folco (tenor) es un muchacho que acaba de entrar al servicio del rey como halconero. El caballero Faidit (baritono) gana el torneo, pero Isabeau insiste en permanecer soltera, y el consejero Cornelius (bajo) convence al rey para que la castigue a pasear desnuda por la ciudad, montada a caballo. El pueblo, que ama profundamente a la princesa, obliga al rey a publicar un decreto por el que todo el mundo debe permanecer en su casa, y si alguien la mira, sus ojos serán arrancados. Folco no se puede contener, y le lanza unas flores. La muchedumbre le lleva a prisión, e Isabeau descubre que ama a Folco y pide al rey que sea su esposo. Pero Cornelius abre la puerta de la prisión al pueblo, que ciega y mata a Folco, mientras Isabeau expira a su lado.

El estreno en Buenos Aires fue un gran éxito. La soprano Maria Farneti recibió una ovación de varios minutos, aunque no acabó de convencer del todo a Mascagni. Desgraciadamente, no tenemos una grabación de la Isabeau de Farneti, aunque sí la podemos escuchar cantando Mascagni:

Maria Farneti - Io pingo - Iris (http://www.youtube.com/watch?v=dj7r5WXyzYw)

También fue de la partida Carlo Galeffi, en el papel de rey Raimondo, a quién podemos escuchar en otra ópera de Mascagni:

Carlo Galeffi - E sempre il vecchio andazzo - Guglielmo Ratcliff (http://www.youtube.com/watch?v=w1lH7G4U-dc)

La obra se llevo posteriormente a Italia, a la Scala, donde tuvo un recibimiento caluroso, pero no entusiasta. Isabeau nunca alcanzó mucha popularidad, y prácticamente desapareció de los teatros durante los años 30.

Todo esto a pesar de ser una ópera de gran calidad, tanto en el apartado orquestal como en el vocal (este último, como siempre en Mascagni, requiere de un elenco protagonista al que se le exige mucho, en volumen pero tambien matizando, interpretando).

Existen un par de grabaciones fácilmente obtenibles:

http://g-ecx.images-amazon.com/images/G/01/ciu/7a/b9/26e64310fca00a2de38f1010.L._SL500_AA300_.jpg

Una incompleta, con Marcella Pobbe y Pier Miranda Ferraro, dirigidos por Serafin. Interesante, sin más.

http://g-ecx.images-amazon.com/images/G/01/ciu/64/0f/18b67220eca057dca38f1010.L._SL500_AA300_.jpg

y esta que, musicalmente, es muy correcta aunque las voces no son precisamente las que hubiera soñado Mascagni.


Algunos highlights:

Bernardo de Muro (E passerá la viva creatura, 1912) - Carmelo Alabiso (Tu ch'odi lo mio grido, 1926) (http://www.youtube.com/watch?v=mQejcdUcmBM)

Pier Miranda Ferraro & Marcella Pobbe - Fu vile l`editto..... I tuoi occhi! - 1962 (http://www.youtube.com/watch?v=baPOXtWgAJ4)

Intermezzo (http://www.youtube.com/watch?v=t_oYDtxThYg)

Maria Billeri - Questo mio bianco manto - 2007 (http://www.youtube.com/watch?v=UutSF9fUvlI)

Mario del Monaco - O popolo di vili! - 1964 (http://www.youtube.com/watch?v=w3s69JosgdQ)

Denia Mazzola Gavazzeni - Venne una Vecchiarella - 1999 (http://www.youtube.com/watch?v=1tfNZY8VViY)

Beniamino Gigli - Non colombelle - 1941 (http://www.youtube.com/watch?v=geFil_UYV0A)

Schigolch
August 21st, 2012, 08:28 AM
Hoy en día nadie recordaría a Romano Romani si no fuera por su larga relación con Rosa Ponselle, en funciones de profesor, consejero artístico, amigo... e, incluso, compositor.

Sí, el señor Romani compuso una opera, Fedra, que Rosa Ponselle cantó en el Covent Garden de Londres en 1931 (con Antonio Cortis, Cesare Formichi y Elvira Casazza). Aunque un grupo de entusiastas de la artista les envió un mensaje de ánimo envuelto en un enorme adorno floral: "To Rosa, Fedra, and Romani from the Ponsellites in New York", la ópera nunca acabó de despegar.

Fedra no era un veíiculo para Ponselle. De hecho, Romani escribió el papel con Rosa Raisa en mente, y la ópera se estrenó en Italia. Pero Ponselle ofreció las únicas funciones en Londres, y el complaciente Romani escribió un aria especial para la diva americana durante su viaje en transatlántico, "O divina Afrodite", que no estaba en la obra original.

Esta aria es lo único que ha sobrevivido, gracias a la voz de Rosa Ponselle, grabada en 1937, en el último recital radiofónico ofrecido por la gran soprano:

Ponselle - Fedra - 1937 (http://www.youtube.com/watch?v=gGd3EoBJ-LI)

Schigolch
August 22nd, 2012, 09:47 AM
Vamos a dar un salto en el tiempo hasta 1927, cuando Wolf-Ferrari estrenaba en La Scala, Sly, con Aureliano Pertile como protagonista.

La opera tuvo un cierto exito, y se canto en varios teatros italianos y alemanas, para despues desaparecer hasta los años 50, donde se repuso en Alemania, y mas recientemente como vehiculo para Carreras, en el Liceu, y tambien para Domingo.

http://2.bp.blogspot.com/_SPQLQBfHYVg/SX3_6WfdrqI/AAAAAAAAAZA/UFfEvYY_Xkk/s400/c_sly_barcelona_00_18.jpg

Inspirada en un personaje de Shakespeare, la historia comienza en una taberna donde Dolly (soprano) y su amante, el conde de Westmoreland (baritono), estan sentados en una mesa cuando aparece el poeta Christopher Sly (tenor), que pronto cae desmayado bajo los efluvios del alcohol. Westmoreland decide gastarle una broma pesada, y lo llevan a su palacio, vistiendolo de gala, mientras sigue inconsciente.

Al despertar, Westmoreland trata de convencer a Sly que es su sirviente, que ha estado durmiendo durante un largo tiempo y que Dolly es su prometida. Cuando Sly ve a Dolly, cae perdidamente enamorado y la jura amor eterno. Westmoreland y sus sirvientes, muertos de risa, descubren la trama y arrojan a Sly a la bodega.

Sly sigue pensando en Dolly y, al imaginarla en los brazos de Westmoreland, se abre las venas. Mientras la muchacha, que tambien se ha enamorado de Sly, entra en la bodega, y confiesa su amor al poeta que ya solo puede escucharla mientras se desangra y cae, exanime, en sus brazos.

http://ecx.images-amazon.com/images/I/41D591B0HJL._SL500_AA300_.jpg

Hay grabados un par de CDs con Carreras (Dessi y Pons) y Domingo (Guleghina y, otra vez, Pons) que se pueden utilizar para escuchar la opera.

El primer acto de la opera tiene tono de comedia bufa, pero en el segundo y tercer acto el componente verista, inconfundible, sale a la superficie y reclama todo el protagonismo.

Nino Piccaluga y Francesco Merli cantaron la opera en los años 20:

http://www.youtube.com/watch?v=-RZY2DEIy9Y

http://www.youtube.com/watch?v=-saYlCikt_k

y tambien podemos escuchar a Carreras y Domingo:


http://www.youtube.com/watch?v=Q7nyh7oa_wg

http://www.youtube.com/watch?v=P67W5RNyjIw

Schigolch
August 23rd, 2012, 08:44 AM
En su momento comentamos en el hilo una opera verista, en italiano, de un autor griego, Samaras.

No fue el unico caso. Un compositor enormemente popular en la epoca, y aun muy representado hoy en dia en su Brasil natal, Antonio Carlos Gomes, autor de la conocida Il Guarany, recibio en 1890 el encargo de La Scala para estrenar una opera.

Gomes se puso manos a la obra con la ayuda de su libretista, un tal Canti, y el 21 de Febrero de 1891 tenia lugar la premiere de Condor, cantando el rol de Odalea, la protagonista femenina (nombre por el que tambien se conoce la opera), la gran diva rumana Hariclea Darclee. Tuvo cierto exito en sus nueve representaciones, pero hoy en dia practicamente no se conocen funciones fuera de Brasil.

http://www.opera-connection.com/uploads/media/condor.jpg

La accion transcurre en una irreal Samarcanda, en el siglo XVII. Odalea, la reina, debe permanecer casta, ante la vigilancia de su paje Adin. Una banda de forajidos, conocidos como la Horda Negra, dirigidos por un misterioso personaje llamado el Condor, asola los territorios de Samarcanda. Cuando Condor conoce a Odalea.... si, se enamora de ella, y es correspondido. La madre de Condor, Zuleida, confiesa a la reina que Condor es en realidad el hijo del sultan Amurath. A partir de ese momento, la pasion de la reina no conoce freno, y nombra a Condor visir. El pueblo, molesto con la reina, se revuelve inquieto y Almanzor, una especie de adivino, lanza una maldicion contra Odalea. Solo un sacrificio por amor podria salvarla.... afortunadamente, Condor se encuentra disponible, por lo que se clava un cuchillo y muere ante la desesperacion de la reina, que ofrece la daga al populacho y pide que arranquen tambien su propio corazon.

El argumento es verista y la musica, tambien. Como podemos comprobar facilmente, pues la opera se escucha completa en youtube:

http://www.youtube.com/watch?v=9y9EMr8tWXE

Schigolch
August 24th, 2012, 08:39 AM
http://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/c/cc/Cristoforo_Colombo_Premiere_Poster.jpg

Como era de esperar, las peripecias de Cristóbal Colón han sido narradas en varias óperas, desde el siglo XVII hasta nuestros días.

También hubo, entre los fastos del V Centenario, la presencia de algun estreno operístico. Pues bien, para el IV Centenario, en 1892, el Teatro Carlo Felice de Genova encargó a Alberto Franchetti, con libreto de Luigi Illica, una ópera sobre el marino genovés, que, de forma previsible, acabó estrenándose con el título de Cristoforo Colombo.

Tuvo cierto éxito, varias representaciones en distintas ciudades italianas, en Buenos Aires, y en Estados Unidos. La cantaron primeras figuras como Giuseppe Kaschmann, Titta Ruffo, Rosa Raisa,... Incluso, Franchetti la revisó en 1923 para eliminar parte de la historia original, que transcurría en el continente americano, y aligerar las representaciones. Pero nada pudo evitar que desapareciera del repertorio, aunque la opera ofrece unas estupendas melodías y un buen compromiso entre la tradición italiana y el protagonismo orquestal de la práctica centroeuropea, siendo tal vez la mejor obra de Franchetti.

Existe una correcta grabación:

http://cd.sacdstatic.com/l/07/3207/6083207.jpg

Escuchamos en youtube un fragmento de la ópera, interpretado en la NBC bajo la dirección de Toscanini (un enamorado de Cristoforo Colombo), en 1940:

http://www.youtube.com/watch?v=NLDIFQTX5NE

Otro fragmento del acto II:

http://www.youtube.com/watch?v=bgHEUUCnOcw

El final del acto I:

http://www.goear.com/listen/f4a79bc/cristoforo-colombo-franchetti

y a Titta Ruffo, cantando el aria "Aman lassu le stelle":

http://www.goear.com/listen/2dfa61a/aman-lassu-le-stelle-ruffo

Schigolch
August 25th, 2012, 10:58 AM
Teniendo en cuenta la preferencia de los actuales gestores del Teatro Real por recuperar operas escritas o estrenadas en Madrid, tipo I Due Figaro, de Mercadante, esta seria una propuesta viable.

Luigi Mancinelli, el compositor y director de orquesta italiano, estrenaba en Madrid Ero e Leandro, el año 1897, con libreto de Tobia Gorrio (si, Arrigo Boito; que curiosamente completaria una opera del mismo nombre, basada en su propio libreto, pero que acabo por destruir, tras no quedar satisfecho con el resultado).

Ero (soprano), sacerdotisa de Afrodita, esta enamorada de Leandro (tenor), el ganador de los juegos en honor de la diosa. Como era de esperar, Ariofarne (bajo), arconte de la ciudad, tambien ama a Ero. Leandro trata de convencer a Ero para que se fugue con el, pero la joven sacerdotisa decide cumplir su deber y apaciguar la ira de la diosa. Sin embargo, debe evitar las atenciones de Ariofarne, quien trata de aprovechar su autoridad para gozar los favores de Ero. Leandro, que habia sido desterrado a las costas de Asia, vuelve justo a tiempo para proteger a Ero del avance final de Ariofarne, pero una tormenta acaba por arrastrarle al mar y ahogarle, junto a su amada Ero, ante la ira del malvado Ariofarne.

Tras el estreno en Madrid, con Hariclea Darclee, se llevo a Italia y USA, donde la premiere en el MET tuvo como protagonistas a Johanna Gadski, Emilio De Marchi y Edouard De Reszke.

No existe grabacion completa de Ero e Leandro, aunque si algunos fragmentos procedentes de la RAI, en 1969, con Margherita Rinaldi como Ero.

Escuchamos el prologo y un duo del acto III:

Prologo (http://www.goear.com/listen/6f9ae41/ero-e-leandro-prologo-mancinelli)

Vieni al giaciglio (http://www.goear.com/listen/3b58c0d/vienialgiaciglio-mancinelli)

Schigolch
August 26th, 2012, 10:06 AM
Escuchen este aria:


http://www.youtube.com/watch?v=kZUilbHiF4c

Realmente verista, ¿verdad?.

Pertenece a Giuliano, opera de Riccardo Zandonai estrenada en 1928 basada en la leyenda de Saint Julien l'Hospitalier.

No, no existe ninguna grabacion de esta opera. Tan solo, ademas del aria de Merli, tenemos otra de Pampanini y un dueto entre ambos (que estrenaron en su momento los respectivos roles). Eso es todo.

Schigolch
August 27th, 2012, 10:16 AM
Creo que después de hablar de varias óperas veristas, ya es hora que dediquemos algo de atención a Cavalleria Rusticana.

Empecemos entonces por la adaptación que el compositor Stanislao Gastaldon hizo del relato de Verga, llamada Mala Pasqua!, y que fue vencida en el famoso concurso convocado por Sonzogno precisamente por otra versión del mismo relato, la Cavalleria Rusticana de Mascagni.

De la opera de Gastaldon ha sobrevivido un aria, Musica Proibita:

http://www.youtube.com/watch?v=_82HA_Z9O5I

Por otra parte, Domenico Monleone tambien se inspiró en Verga para componer en 1907 la "otra" Cavalleria Rusticana.

Escuchemos el inicio de la opera:

http://www.goear.com/listen/37cac48/cavalleria-monteleone

y el duetto entre Santuzza y Turiddu:

http://www.youtube.com/watch?v=rhQldCMCPII

Bardamu
August 27th, 2012, 08:56 PM
Verismo o Giovane Scuola? :-)


Algunos highlights:


Isabeau es una de las mejores obras de Mascagni.
Mis canciones favoritas:
Sulla fida chinea (http://www.youtube.com/watch?v=Inung9kKHbM)

Onde di polve si elevano (http://www.youtube.com/watch?v=Ez1a4LM0m0o)


Creo que después de hablar de varias óperas veristas, ya es hora que dediquemos algo de atención a Cavalleria Rusticana.

Empecemos entonces por la adaptación que el compositor Stanislao Gastaldon hizo del relato de Verga, llamada Mala Pasqua!, y que fue vencida en el famoso concurso convocado por Sonzogno precisamente por otra versión del mismo relato, la Cavalleria Rusticana de Mascagni.

De la opera de Gastaldon ha sobrevivido un aria, Musica Proibita:

http://www.youtube.com/watch?v=_82HA_Z9O5I

Por otra parte, Domenico Monleone tambien se inspiró en Verga para componer en 1907 la "otra" Cavalleria Rusticana.

Escuchemos el inicio de la opera:

http://www.goear.com/listen/37cac48/cavalleria-monteleone

y el duetto entre Santuzza y Turiddu:

http://www.youtube.com/watch?v=rhQldCMCPII
También hay Santuzza escrito por Bimboni.

Schigolch
August 27th, 2012, 09:03 PM
Una mezcla de ambos, pero Verismo es un titulo que atrae mas miradas. :)

Schigolch
August 28th, 2012, 07:34 AM
El compositor Antonio Smareglia fue autor de una decena de óperas, la antepenúltima, Falena, estrenada en 1897, será la que nos ocupe aquí.

El joven rey Stellio se encuentra paseando con su prometida, Albina, que le hace perdonar a un ladrón capturado por sus guardias. En ese momento, sale del bosque una muchacha misteriosa, morena, que pronuncia un encantamiento y desaparece. Stellio, embebido por la aparición, deja a Albina y se adentra en el bosque hasta encontrar a la maga, Falena. Uberto, el padre de Albina, inquieto por la desaparición del rey, decide buscarlo, pero Falena obliga a Stellio a matar a su futuro suegro. Cuando terminan los efectos del encantamiento, Stellio se entrega a sus hombres, y Albina le perdona, pero muere abrazando el cadáver de su padre.

¿Suena apropiadamente verista, no es cierto?. Comprobemos hasta que punto:


http://www.youtube.com/watch?v=fg4wOfwzsCI

http://www.youtube.com/watch?v=bAwENRpJhUs

http://www.youtube.com/watch?v=A5p_zznYnHM

Schigolch
August 29th, 2012, 06:57 AM
Francisco Viñas cantando un aria verista: "Ecco mia giovinezza", procedente de la opera Lorenza, de Edoardo Mascheroni.

http://www.youtube.com/watch?v=shFzkQ0Q7xs

Mascheroni era un famoso director de orquesta (participo en el estreno de obras como Falstaff o La Wally), que compuso tambien un par de operas, entre ellas esta Lorenza con libreto de Luigi Illica. No consta ninguna grabacion, pero ademas del aria cantada por Viñas, existen otras dos, registradas por Emma Carelli y Mario Sammarco.

Schigolch
August 30th, 2012, 11:05 AM
Entre los compositores italianos, Giacomo Orefice ocupa una posición modestísima.

A pesar de tener algún reconocimiento en su Vicenza natal, y haber estrenado una decena de óperas, ninguna tuvo realmente éxito.

En 1901, en una idea realmente genial, compuso Chopin, con un libreto de Angiolo Orvieto, poeta florentino de cierto prestigio. Al parecer, Orvieto se tomo bastantes libertades a la hora de escribir el 'biopic', pero Orefice no se quedó atrás, adaptando la propia música de Chopin para melodías y arias de la ópera, que se estrenó en Milán, con el éxito acostumbrado.

Realmente curioso.

Escuchemos a Pia Tassinari y Ferruccio Tagliavini, en Chopin:

Sera ineffabile (http://www.youtube.com/watch?v=CjOnMHSxfmE)

Aria del Acto II (http://www.goear.com/listen/dbf2484/uno-uno)

Entreacto (http://www.goear.com/listen/93ffd89/dos-dos)

Schigolch
August 31st, 2012, 09:28 AM
Al empezar la era verista había en Italia más de mil teatros que ofrecían funciones líricas.

Los más importantes eran los llamados "teatri massimi": la Scala, el Comunale de Bolonia, el Carlo Felice de Génova, el Argentina de Roma, el Regio de Turín, la Fenice de Venecia, el San Carlo de Nápoles,...

Pero otros teatros en las ciudades grandes, y el único teatro de las pequeñas, hacían que se pudiera disfrutar de la Opera en casi ochocientas ciudades en toda Italia.

Por ejemplo, en Milán había nada menos que diez teatros durante la época, donde se ofrecía al menos una ópera, aunque la mayoría ofrecía cinco o seis espectáculos por temporada. Una temporada que iba generalmente desde Navidad a Pascua.

El Teatro Dal Verme, el más importante tras la Scala, presumía además de una programación abierta, menos tradicional que la del templo milanés. Pero más aficionado al verismo era el Teatro Lirico Internazionale, donde tuvieron lugar premières como las de Adriana Lecouvreur, Fedora o Zazà.

El resto de teatros ofrecía una programación tradicional basada en Rossini, Donizetti, Bellini, Verdi... o las óperas de los años 70, 80...

Vamos a escuchar una de esas óperas 'pre-veristas'; se trata de I Promessi Sposi, pero en lugar de la versión de Ponchielli, se trata de la Errico Petrella, estrenada en 1869, con la presencia de Manzoni, y que fue un gran éxito en su momento.

http://www.youtube.com/watch?v=cIreOTM8rb4

Este youtube se completa con unos fragmentos donde podemos escuchar también a Magda Olivero o Giuseppe Campora.

http://www.goear.com/listen/871e520/i-promessi-sposi-petrella

Schigolch
September 1st, 2012, 08:50 AM
http://ecx.images-amazon.com/images/I/51EMGH9wuXL._SL500_AA300_.jpg

Mirra, de Domenico Alaleona.

Es la unica opera de Alaleona, cuyo prestigio en Italia es mas como musicologo, que como compositor. Alaleona completo Mirra en 1913, dedicada a su amigo Arturo Toscanini, aunque la obra no pudo estrenarse hasta 1920, en Roma.

El libreto esta basado en un drama del siglo XVIII, del Conde Alfieri, inspirado a su vez en Ovidio. Mirra (soprano), es la hija del rey de Chipre, Cirino (baritono), y esta prometida al principe Pereo (tenor).

En la Escena 1, la nodriza de Mirra, Euriclea (mezzo) expresa du tristeza por la proxima partida de la princesa, tras su boda, mientras la propia Mirra parece poseida por una inefable tristeza.

En la Escena 2, el enamorado Pereo declara con gran lirismo sus sentimientos a Mirra, que espera poder ser digna de semejante amor.

Sin embargo, en la escena 3, al pie del altar, Mirra no puede contenerse y huye ante el estupor y la desesperacion de Pereo.

En las dos siguiente escenas, Cirino anula furioso la ceremonia, mientras Mirra expresa su deseo de morir.

El Primer Acto termina con un dialogo entre la reina Cecri (mezzo), la madre de Mirra, y la propia joven, donde descubrimos que la princesa considera que el origen de todos sus males esta en su progenitora.

Un inevitable, pero esplendido Intermezzo, nos asoma al Segundo Acto, una larga escena entre Cirino y Mirra, donde ante las preguntas de su padre, la muchacha acaba por confesar que un deseo culpable la inflama, que todo su cuerpo grita de amor hacia el propio Cirino. Tras reconocer su incestuosa pasion, Mirra expira en brazos de Euriclea.

Reconoceran en la opera no solo rastros veristas tambien reminiscencias de Wagner, Debussy y hasta Verdi.




Intermezzo (http://www.goear.com/listen/1e9317c/mirra-alaleona)

Cirino y Mirra (http://www.goear.com/listen/cd7791b/mirra-alaleona)

Schigolch
September 2nd, 2012, 06:51 AM
Hector (Ettore) Panizza no era italiano, sino argentino. Aunque sus padres si que venian de Italia.

Fue uno de los directores mas populares de su epoca, llegando a dirigir la primera funcion completa de Turandot, con el final de Alfano, ademas de ser un habitual del Teatro Colon, que se inauguro con una opera suya, Aurora, en 1908. El libreto de Luigi Illica y Hector Quesada estaba en italiano, aunque luego la obra se ha interpretado con mas asiduidad en castellano. La opera es totalmente verista, a la manera de un Giordano.

Amadeo Bassi biso en el estreno el aria titulada 'El himno a la bandera', que se ha convertido despues, en su version castellana, en todo un hito nacional en Argentina.

Aqui escuchamos a Bassi, en 1912, en la version original italiana:

http://www.youtube.com/watch?v=x4S39CpQgeg

Schigolch
September 3rd, 2012, 08:16 AM
Durante la larga etapa del fascismo italiano, que se mantuvo en el poder más de veinte años, algunos músicos se significaron especialmente por su colaboración con el régimen.

Por ejemplo, nuestros dos protagonistas de hoy: Giuseppe Mulè y Adriano Lualdi, nacidos el mismo año de 1885.

Ambos escribieron varias óperas, y tuvieron éxito antes de la llegada de Mussolini al poder. Por ejemplo, Mulè estrenó en 1912 La Baronessa di Carini, para la que tenía amables palabras Claudia Muzio, que la cantó varias veces en escena y alababa sus melodías y la belleza de sus cantabiles. Por su parte, Lualdi tuvo un notable éxito con Le furie di Arlecchino, estrenada en Milán en 1915.

Ambos fueron diputados, tuvieron cargos oficiales, aparentemente fueron fascistas sinceros, convencidos, y tras la derrota de Italia se perdieron discretamente de vista, aunque Mulè vivió hasta el 51, y Lualdi veinte años más.

¿Su olvido se debe a la falta de calidad de su música, o a otras circunstancias?... Tal vez una mezcla de ambos factores. Escuchemos el fragmento que representa su memoria en nuestros días, el Largo escrito por Mulè en 1903, en una transcripción para viola y piano:

http://www.youtube.com/watch?v=zxi_Ag3VFYs

Schigolch
September 4th, 2012, 07:38 AM
Corría el año 1905, cuando se estrenó en Bolonia la ópera Cassandra, de Vittorio Gnecchi, con libreto de Luigi Illica.

Parece ser que Gnecchi envió a Strauss una copia del libreto y la reducción a piano de la partitura, para pedir su opinión. El año 1909, en Dresde, tuvo lugar la primera función de Elektra. El musicólogo italiano Giovanni Tebaldini publicó un aríiculo titulado "Telepatía Musical", recalcando la semejanza entre ambas óperas.

Cassandra, aunque tiene sin duda un componente "germánico", no deja de ser una ópera italiana de principios del siglo XX. Tenemos una grabación comercial:

http://ecx.images-amazon.com/images/I/515hgts9twL._SS500_.jpg

que merece la pena escuchar, aunque desde luego no debemos esperar ni mucho menos otra Elektra.

Escuchemos el Prólogo, donde el Coro y el Destino nos profetizan la muerte de Agamenón, y la terrible venganza que la seguirá.

http://www.youtube.com/watch?v=ihDRm42dO4o

Schigolch
September 5th, 2012, 07:52 AM
Alfredo Casella, además de compositor, fue afamado pianista, y compuso siete óperas a lo largo de unos treinta años entre vísperas de la Primera Guerra Mundial y postrimerías de la Segunda.

Una de ellas es La Favola d'Orfeo, basada en el drama renacentista de Poliziano, y estrenada en Venecia, en 1932.

El planteamiento es antiverista, intelectualizado, sobrio.... pero, en definitiva, italiano. :)


Escuchemos un fragmento:

La Favola d'Orfeo - Casella (http://www.goear.com/listen/f838d5e/orfeo-casella)

Schigolch
September 6th, 2012, 07:32 AM
Franco Margola fue alumno de Pizzetti y Casella y compuso un par de óperas justo antes de la Segunda Guerra Mundial, entre las que tuvo un cierto éxito esta Il Mito di Caino:

http://www.youtube.com/watch?v=XCwCDKIwEk4

Schigolch
September 7th, 2012, 07:28 AM
http://bp0.blogger.com/_WSxSLAKwqnM/SHs_sas-_gI/AAAAAAAAAU4/tYK_VOT4xQU/s400/555.jpg

Una de las más destacadas, y tal vez menos conocidas, cantantes del verismo fue Cesira Ferrani, que estrenó nada menos que La Bohème y Manon Lescaut, además de cantar obras de Franchetti, Mascagni, Orefice, Catalani, Leoncavallo,...

Cesira Ferrani - Mimi (http://www.youtube.com/watch?v=91L2TIEP8FQ)

Cesira Ferrani - Manon Lescaut (http://www.youtube.com/watch?v=XZtGzAUsUsY)

Schigolch
September 8th, 2012, 09:35 PM
L'amore dei tre re es un melodrama romántico, compuesto por Italo Montemezzi en pleno auge del verismo, que en algo influye en su estilo. Pero el tratamiento del drama debe más a Verdi y el tratamiento musical, además del gran maestro italiano, es deudor de Debussy. Hay estupendas arias para cada uno de los 4 protagonistas, pero también espléndidos pasajes instrumentales y una precisa y ornamentada orquestación. A los muchos amantes del Tristan wagneriano el Acto II de esta ópera no les dejara indiferentes.

Se trata de una de las mejores óperas italianas del siglo XX. La obra fue tremendamente popular hasta la Segunda Guerra Mundial, especialmente en USA e Italia. Como tantas otras, luego cayó en desgracia.

La versión con Moffo, Domingo, Siepi y Pablo Elvira, dirigidos por Nello Santi es muy buena y puede ser recomendada sin reservas.


http://www.youtube.com/watch?v=3TEmNNtgEGA

Schigolch
September 9th, 2012, 06:11 PM
Conchita es una opera en 4 actos con música de Riccardo Zandonai y libreto de Maurizio Vaucaire y Carlo Zangarini, basado en la novela de Pierre Louÿs "La femme et le pantin", cuya adaptación fue propuesta anteriormente a Luigi Illica para ser musicada por Puccini, pero el tema no cuajó.

La obra fue estrenada en 1911 con Tarquinia Tarquini (mas tarde esposa de Zandonai) en el rol principal. Como en tantas otras ocasiones, tras un exito inicial durante los primeros años, donde fue representada en Londres y Nueva York, termino por caer en el olvido.

Existe una interesante grabacion:

http://c3.cduniverse.ws/MuzeAudioArt/Large/03/1247903.jpg

Conchita - Riccardo Zandonai Mario Rossi (1969)

Conchita: Antonietta Stella
Mateo: Aldo Bottion
La Madre di Conchita: Anna Maria Rota
Dolores: Giovanna di Rocco
Rufina: Rosina Cavicchioli
La Sorvegliante: Rosetta Arena
Estella: Lorenza Canepa Verra
Una Donna: Emma de Santis
Una Madre: Angela Rocco

Orquesta: RAI de Turín
Coro: RAI de Turín



http://www.youtube.com/watch?v=AMN0j1oWo3A

Loge
September 11th, 2012, 05:31 AM
Me sumo al encomiable esfuerzo de Schigolch por dar a conocer el verismo y la giovanne scuola, y empiezo con un autor, Arrigo Boito, famoso por su ópera “Mefistofele”. Pero de la que voy a hablar aquí es de "la otra": NERONE

Arrigo Boito (Padua, 1842 - Milán, 1918) fue miembro de la Scapigliatura, movimiento literario y artístico que se desarrolló tras la proclamación del reino de Italia (1861). Los scapigliati adoptaron posiciones bastante críticas frente a la literatura y la cultura italianas de su tiempo, admirando sobre todo a autores extranjeros, lo que determinó un positivo efecto de apertura y rejuvenecimiento de la cultura literaria italiana.


http://img217.imageshack.us/img217/9043/arrigoboito.jpg (http://img217.imageshack.us/i/arrigoboito.jpg/)

“Nerone” fue una obra de una amplísima gestación: ¡56 años! La primera noticia sobre este proyecto ya aparece en una carta de Boito de 1862, y murió sin haber acabado la orquestación. Y es que, llevando al extremo lo de la “obra de arte total”, Boito se empleó a fondo con ella, documentándose hasta la obsesión sobre iconografía y vestuario, léxico y métrica, y llegando hasta a concebir un tratado de armonía ad hoc. El libreto lo dio a conocer en 1901, pero de la orquestación hubieron de ocuparse Arturo Toscanini y Vincenzo Tommasini para estrenarla póstumamente en La Scala el 1 de mayo de 1924. Este fue el primer reparto:

Nerón (Tenor) Aureliano Pertile
Simón Mago (Barítono) Marcel Journet
Fanuel (Barítono) Carlo Galeffi
Asteria (Soprano) Rosa Raisa
Rubria (Mezzosoprano) Luisa Bertana


Argumento:

ACTO I
Encontramos a Nerón en la Via Apia, quemando las cenizas de su madre Agripina, a la que acaba de asesinar. En lugar de eso, los romanos lo devuelven en triunfo a Roma. Poco después, el rezo de la joven Rubria es interrumpido por el apóstol cristiano Fanuel, que la exhorta a confesar el pecado que la oprime.

ACTO II
Simón Mago intenta impresionar a Nerón con diversos trucos (entre otros, disfrazando de diosa a Asteria, que está enamorada del Emperador) para ganar su favor. Pero Nerón descubre las estratagemas y devasta el templo, haciendo arrestar a Simón y condenándole a morir en el circo.

ACTO III
Los cristianos están reunidos para rezar bajo la guía de Fanuel, cuando llega Asteria, que ha escapado de Nerón, y les advierte que han sido condenados por el Emperador. Llegan los soldados romanos. Fanuel, arrestado, pide a sus hermanos que recen por él mientras es conducido fuera.

ACTO IV
Circo Maximo. Simón Mago es advertido del inminente incendio de la ciudad, provocado para favorecer su fuga. También Nerón lo sabe, y está encantado con ello: “Lo que muere, resucita”. Cuando los cristianos son sacados a la fuerza a la arena, una vestal, velada, suplica piedad para ellos, pero Nerón hace que le quiten el velo y reconoce a Rubria, firmando con ello su condena. El anuncio del incendio provoca una desbandada.

En el subterráneo del circo, Fanuel y Asteria rodean a Rubria. La joven, a punto de expirar, confiesa finalmente a Fanuel su pecado: haber servido a un falso dios como vestal. Y al mismo tiempo, le declara su amor. Fanuel le da el perdón cristiano y la declara su esposa. Rubria muere y Fanuel huye con Asteria entre las llamas del circo.


Escuchemos un par de fragmentos de esta ópera:

El aria inicial de Nerón “Queste ad un lido fatal”, por Aureliano Pertile en un registro de 1925:



http://www.youtube.com/watch?v=RrU_UttheAo


Y el final del Acto III, grabación de 1975, de una representación en vivo con Bruno Prevedi, Alessandro Cassis, Ilva Ligabue y Ruza Baldani, dirigida por Gianandrea Gavazzeni.



http://www.youtube.com/watch?v=UJJlZxcD9UI


http://www.youtube.com/watch?v=hRPdMKuEfkk


“Para mi desgracia, he estudiado demasiado mi época (...) Puede que termine “Nerón” o puede que no, pero lo que es cierto es que no lo abandonaré nunca por otro trabajo, y si al final no tengo fuerzas para terminarlo, no me quejaré por ello y viviré, ni alegre ni triste, con ese sueño en el pensamiento.”

Con estas palabras, escritas en una carta a Verdi el 1884, el propio Boito bosquejaba con sorprendente lucidez el destino de su segunda y última ópera. El maniático cuidado puesto en el trabajo de documentación, acreditado por miles de fichas y diversos cuadernos, acabó siendo un obstáculo para la labor del compositor. Por otro lado, el enorme lapso de tiempo transcurrido desde el inicio del proyecto hasta la efectiva realización de la música tuvo como consecuencia el que la ópera estuviera desfasada ya antes de su estreno, pues, nacida para ser contemporánea de “Otelo” y de “Cavalleria rusticana”, se acabó encontrando con “Pelleas” y con “Salomé”, y aquí puede radicar una de las razones de su fallida terminación.

Schigolch
September 15th, 2012, 10:30 AM
http://ceolte.org/images/pic_c/d0fd55c4d5ef22da9a10fad5a8a034c6_001a7dab_medium__ .jpeg

La Bohème de Leoncavallo se estreno en Venecia, un año despues que la de Puccini. Aparte de hacer que Rodolfo sea baritono, Marcello tenor y Musetta, mezzo, Leoncavallo escribio su propio libreto, tambien basado en "Scènes de la vie de bohème" de Henri Murger.

Algunos numeros son realmente muy buenos:

"Testa adorata", cantada por Caruso:


http://www.youtube.com/watch?v=sXLz3VMxYb8

"Musetta svaria sulla bocca viva" cantada por Caballe:


http://www.youtube.com/watch?v=SXhUnhX7dX4

"Mimi Pison la biondinetta" cantada por Fleming:


http://www.youtube.com/watch?v=Y7jFO9ZtwQ8


Pero el tono general de la opera es mas bien sombrio, de una alegria forzada, con personajes mas maduros, y realistas, que en la "otra" Boheme, pero con mucho menos encanto.

La opera entera en youtube:


http://www.youtube.com/watch?v=R6OoCNMBbr8

Schigolch
September 16th, 2012, 10:29 AM
http://img190.imageshack.us/img190/4062/amicacarteloriginal.jpg

Amica de Pietro Mascagni es una opera en dos actos con libreto original en lengua francesa a cargo de Paul de Choudens estrenada en Monte-Carlo en 1905, con Geraldine Farrar como Amica.

http://img801.imageshack.us/img801/3379/farrar2.jpg

El estreno de Amica con versión italiana del libreto, se produjo en Roma unos meses despues.

Como la mayoria de operas de Mascagni, Amica cayo al ostracismo después de la segunda guerra mundial. En 2008 se represento en la Opera de Roma en un doble reparto con las sopranos Amarilli Nizza y Patricia Orciani.


http://www.youtube.com/watch?v=lNgJjozDIzo

La ópera es muy cortita y narra como el amor fraterno entre Giorgio (tenor) y Rinaldo (baritono) se ve comprometido por Amica (soprano), que ama apasionadamente a éste último, a pesar de que el tiránico tutor de los tres, Maitre Camoine, pretende casarla con Giorgio, el tenor. Amica y Rinaldo huyen y Giorgio corre a seguir a la pareja. Rinaldo pretende sacrificarse en favor de su hermano y se retira a las montañas, pero Amica le sigue e intenta ascender por las rocas escarpadas. Cae por un barranco y es arrastrada por un torrente ante los ojos horrorizados de los dos hermanos.

Los tres papeles principales son muy dificiles de cantar por su tesitura (de hecho la Farrar sustituyó en el estreno a la gran Emma Calvè que renunció a causa de la ardua tesitura del papel), y deben además de luchar con una orquesta densa y exuberante.

Grabación en audio

http://img510.imageshack.us/img510/9530/amicacd.jpg

Katia Ricciarelli muestra belleza en el centro y su expresión es sincera y entregada.

Grabación en DVD procedente del Festival Valle D'Itria

http://img683.imageshack.us/img683/8580/amicadvd.jpg

Que es mas bien flojo, vocal y escenicamente, pero funciona como introduccion a la opera, es estupendo. Es del original en frances.*



http://www.youtube.com/watch?v=FaAK5HYCgVg&feature=related

Tal vez lo mas inspirado de la obra sea el Intermezzo escrito por Mascagni:


http://www.youtube.com/watch?v=4CwdlrDvvE0

Loge
September 17th, 2012, 02:28 PM
LA WALLY

"La Wally", estrenada en Milán en enero de 1892, fue la quinta y última ópera de Alfredo Catalani, que moriría de tuberculosis al año siguiente, a la edad de 39 años. Luigi Illica escribió el libreto, basándose en un cuento folklórico alemán. Consta de cuatro actos, y es una de esas óperas cuyo título recuerda la mayoría de los aficionados sólo por una célebre aria: “Ebben? Nè andrò lontana”.


ACTO I

La acción transcurre en torno a 1800 y empieza en el pueblecito tirolés de Hochstoff. Hay un concurso de tiro que gana Gellner, un cazador. Otro cazador, Hagenbach, llega desde el pueblo vecino de Sölden por el puente que une ambas poblaciones. Hagenbach, acompañado por los cazadores de Sölden, se pavonea contando su pelea con un oso. Las ínfulas de los de Sölden provocan una batalla campal entre los oriundos de ambos pueblos.

Wally pone fin a la algarada y demuestra con sus miradas que le gusta Hagenbach. Pero el padre de Wally no piensa consentir que se vaya con uno de otro pueblo, y menos si es de Sölden, por lo que la compromete con Gellner. Wally se niega e intenta convencer a Gellner para que renuncie, pero lo que consigue es lo contrario: que el joven decida, por fin, declarársele abiertamente: “T’amo ben io!”



http://www.youtube.com/watch?v=zMkpI4rCkG8


WALLY (calma a Gellner)
Sei tu che domandata hai la mia man?

GELLNER (cogli occhi a terra)
Ei mi lesse nel core il mio desio …

WALLY (avvicinandoglisi)
Gellner ti prego …

GELLNER (immobile)
Parla! …

WALLY
Tu sei buono e un amico ti credo …

GELLNER
Ebben? …

WALLY
Rinunzia a me! …

GELLNER
Perchè?

WALLY
Perchè non t'amo!

GELLNER
T'amo ben io! … E sei dentro al mio core
Così che tutto tuo è il mio pensiero!

(quasi piangendo)

Mi avvolge come un'onda,
Un'onda affannosa, Wally, l'amor!
Tutto fremo d'intorno
un'ebbrezza profonda!
A questa voce ardente che ci chiama,
O Wally, o Wally, rispondi ed ama!
E una lunga carezza
E un'ebrezza infinita
D'eterna giovinezza
Sarà la nostra vita!
Wally!

WALLY (lo guarda negli occhi, fredda,
altera, spiccano dele parole)
Non t'amo, nè t'amerò giammai,
comprendi?

GELLNER(stendendo le braccia a lei
e con voce piena di larsinghiozzi)
Vedi, Wally … m'ascolta …
ancor ti prego …

WALLY
No, non pregar! Non t'odo più!

GELLNER
Ti voglio! Devi esser mia!

WALLY
Non lo sperar!
Son libera come la luce e il vento.
Le tue minaccie, o Gellner,
non mi fanno spavento!
Come le rupi d'Oetz è fermo il mio voler!

WALLY (tranquilamente, a Gellner)
¿Eres tú el que ha pedido mi mano?

GELLNER (regardant à terre)
El ha leído mi deseo en mi corazón...

WALLY (s’approchant de lui)
Gellner, te lo ruego...

GELLNER (immobile)
¡Habla!

WALLY
Eres bueno, y te considero un amigo...

GELLNER
¿Y?

WALLY
¡Renuncia a mí!

GELLNER
¿Por qué?

WALLY
¡Porque yo no te quiero!

GELLNER
¡Te amo tanto!...Tú estás en mi corazón
y mi pensamiento siempre es para ti.

(Casi llorando)

El amor me envuelve como una ola,
¡como una ola febril, Wally, el amor!
¡Todo tiembla a mi alrededor
con una embriaguez profunda!
A esta ardiente voz que nos llama,
¡oh Wally, oh Wally, responde y ama!
Y nuestra vida será
una larga caricia,
una ebriedad sin fin,
una eterna juventud.
¡Wally!

WALLY
(mirándole a los ojos, fría, marcando las palabras)
No te quiero y no te querré nunca.
¿Lo entiendes?

GELLNER
(tendiendo los brazos hacia ella y con voz dolorida)
Mira, Wally, escúchame...
Te lo suplico...

WALLY
¡Ah, no insistas! ¡No te escucho!

GELLNER
¡Yo te quiero! ¡Has de ser mía!

WALLY
¡No lo esperes!
Soy libre como la luz y el viento.
¡Tus amenazas, Gellner,
no me dan miedo!
Mi voluntad es firme como las rocas de Oetz!

Ante la negativa de Wally a casarse con Gellner, su padre le amenaza con echarla de casa. Wally replica que no hará falta tal cosa, pues se va por propia voluntad. Aquí es donde canta esa aria tan famosa, “Ebben? Ne andro lontana”, tras lo cual se va del pueblo, acompañada tan sólo por Walter, un joven poeta.

Maria Callas con la Philarmonia Orchestra, dirigida por Tulio Serafin. Londres, septiembre 1954


http://www.youtube.com/watch?v=uUMTqG-MGO8


Ebben? Ne andro lontana,
Come va l'eco della pia campana,
La, fra la neve bianca;
La, fra le nubi d'ôr;
Laddove la speranza, la speranza
E rimpianto, e rimpianto, e dolor!

O della madre mia casa gioconda,
La Wally ne andra da te, da te
Lontana assai, e forse a te,
E forse a te, non farà mai più ritorno,
Ne piu la rivedrai!
Mai piu, mai piu!

Ne andro sola e lontana,
Come l'eco e della pia campana,
La, fra la neve bianca;
Ne andro, ne andro sola e lontana!
E fra le nubi d'or!
Ma fermo è il piè! N’andiam,
che lunga è la via, n’andiam!

¿Y qué? Me iré lejos.
Como el eco de la piadosa campana,
allá, entre la nieve blanca,
allá, entre las nubes de oro,
la esperanza
¡es llanto, es dolor!

¡Oh, casa alegre de mi madre,
la Wally se irá muy lejos de ti,
y tal vez no vuelva jamás!
¡Tal vez no vuelva nunca!
¡No te volveré a ver!
¡Jamás, jamás!

Me iré sola y lejos,
como el eco de la piadosa campana,
allá, entre la nieve blanca;
me iré sola y lejos,
y entre las nubes de oro...
¡Pero firme es mi pie! ¡Vamos!
¡El camino es largo! ¡Vamos!




ACTO II

Un año después. Estamos en la plaza mayor del otro pueblo: Sölden. Es el día del Corpus Christi y hay baile en la plaza. Gellner ha venido a la fiesta, pero no la disfruta, pues está solo y taciturno. Wally, que ha heredado mucho dinero (pues su padre ha fallecido durante el año transcurrido), se presenta con aires de superioridad y con un collar de perlas en el cuello. Un viejo soldado le propone que practique con alguno de los presentes el baile del beso, pero ella rechaza la oferta: no acepta besos de ningún hombre.

El padre de Wally ha fallecido y ella ha regresado para hacer suya la sustanciosa herencia. Durante ese año en que ha estado ausente, Hagenbach se ha prometido a Afra, la posadera de Sölden. Como es día de fiesta, hay baile en la plaza. Llega Wally, dándose aires de reina y con un collar de perlas en el cuello.

Llaman a misa. Del escenario se va todo el mundo menos Wally y Gellner. Este, lleno de celos y de rencor, le informa de que Hagenbach no ha perdido el tiempo durante el año de ausencia de Wally: se ha prometido a Afra, la posadera de Sölden, y ya tienen hasta día para la boda. Ahora la celosa es Wally: llama a Afra y la humilla. Al verlo, Hagenbach decide devolverle lahumillación y apuesta con los aldeanos a que logrará arrancar un beso a la orgullosa Wally. La saca a bailar y, ante su insistencia, la chica termina dándole el beso. Las risas y aplausos de los aldeanos bastan para que se dé cuenta de que ha sido objeto de un engaño: Hagenbach no le pedía el beso porque la amase, sino para ganar la apuesta. Despechada, Wally manifiesta ante Gellner su deseo de ver muerto a Hagenbach, lo que el muchacho entiende como una orden de asesinato.

Aquí va la escena, en la versión de Violeta Urmana, Dan P. Dumitrescu, Francesco Hong, Ambrogio Maestri y Carlo Franci como director, Viena 2005. Es un fragmento largo; por ello, sólo traduzco la parte más interesante: el diálogo entre Hagenbach y Wally, cuando ya han empezado a bailar, desde 1.26 hasta 5.40.

La Wally - Final Acto 2 (http://www.divshare.com/download/12868679-6ef)

HAGENBACH
(ad un tratto eccitato da alcune parole della Wally,
cessa di danzare, e turbato le dice):
No! Parla! Vuò saper! Dicevi?

WALLY
Posar sovra il tuo petto …
Scordar il mondo e Dio …
Sempre al tuo cor vicina …
Questo era il sogno mio …

HAGENBACH
(sorpreso e commosso)
Ed io nel tuo cuor, fanciulla,
Sempre ho creduto il nulla!

WALLY
Ma un giorno m'hanno detto
Ch'ero odiata da te …

HAGENBACH
Non t'ho odiata mai …
Lo giuro … Credi a me!

(Riprendo la danza.)

IL PEDONE
Arte è malva già,
Il bacio adescar colla parola.

VECCHIE
No, non è ver!

GIOVANOTTI
Al dolce giuoco
vincer dee la danza sola!

HAGENBACH
(ad un tratto si arresta nuovamente;
questa volta egli cerca di scioglersi
dalle braccia della Wally;
è pallidissimo, con stanchezza)
No! Non vuò più danzar!

WALLY
(trattendolo e continuando a parlargli,
scherzosa, eccitandolo):
Al mio labbro di rosa
Non giunge il labbro timido
di bocca paurosa …

HAGENBACH
(ancora più turbato e tremante)
Cessiam! Da te son vinto!

WALLY
Ah! ah! ah!
Perchè allor, m'hai sfidata?

HAGENBACH
(con impeto, stringendosi alla Wally)
Perchè? … Perchè domandi? …

IL PEDONE
(ai giovanotti)
Attenti! S'avvicina il momento!

HAGENBACH
Perchè Wally sei bella ...

VECCHIE
Diritto d'ognun è la favella!

GIOVANOTTI
Non è ver!

HAGENBACH
Perchè hai profondi sguardi …
Soave la favella …

VECCHIE
È l'arma più cortese
che fa la lotta bella!

FANCIULLE
(nel fondo)
Sì, danziam!

HAGENBACH
Nei candidi tuoi denti
v'è una malia ascosa …
V'è la vita e l'amor sul tuo labbro di rosa!

IL PEDONE
Attenti! Attenti!

HAGENBACH
In nodo ferreo l'anima allaccia …
Questa tua chioma morbida,
Che a te stretto mi abbraccia!

FANCIULLE
Agili, rapide, le corde fremon.

(A questo punto il Pedone si stacca dal gruppo
dei giovanotti che si interessano alla lotta fra
l'Hagenbach e la Wally, e portandosi nel fondo
stuzzica anche la curiosità delle donne narrando
loro la scommessa. A poco a poco tutto si
avvicinano ai due amanti circondandoli.)

WALLY
Ah! taci! taci!
Udir più non ti vo' …
Tu menti! tu menti!

HAGENBACH
(arrestandosi bruscamente,
colle lagrime agli occhi)
Lo giuro!

WALLY
Non giurar!

HAGENBACH
Credimi è il ver! …

WALLY
(livida in viso)
No, ad altra fanciulla
il tuo amore hai giurato …

HAGENBACH
Ah, tu, da un'ora, con tormenti d'inferno
Ah, Wally, mi torturi! m'uccidi!
Di me tu prendi scherno!
Wally! Wally!

WALLY
(colle lagrime agli occhi)
Scherno di te?
Non vedi che t'amo e in te rapita
Vivo una nuova vita …

HAGENBACH
Ma allor … perchè mi nieghi
d'un bacio tuo l'ebbrezza?

WALLY
(con un lamento)
Ohimè!

HAGENBACH
(abbracciandola con violenza)
Così! Così ti voglio! Ah! sempre mia!

WALLY
(con un sospiro si abbandona a lui)
Prendimi!

(L'Hagenbach la bacia sulla bocca. Un urlo confuso di applausi, di gride beffarde, di risa scoppiano come un uragano intorno.)

IL PEDONE, DONNE, GIOVANOTTI E BORGHESI
Ah! ah! ah!
La Wally fu baciata!
Ed Afra è vendicata!

HAGENBACH
(Como ofendido de pronto por alguna palabra de Wally,
deja de bailar y, turbado, le dice):
¡No! ¡Habla! ¡Quiero saberlo! ¿Decías?

WALLY
Apoyarme en tu pecho...
Olvidar el mundo y a Dios...
Siempre cerca de tu corazón...
Este era mi sueño....

HAGENBACH
(Sorprendido y emocionado)
¡Y yo, pequeña, que siempre creí
que no había nada en tu corazón!

WALLY
Pero un día me dijiste
que me odiabas...

HAGENBACH
Yo no te he odiado nunca...
Lo juro … ¡Créeme!

(Retoma el baile)

EL VIEJO SOLDADO
Arte maléfico es
el de arrancar un beso con palabras.

LOS VIEJOS
¡No, no es verdad!

LOS JÓVENES
¡En este dulce juego
sólo debe vencer la danza!

HAGENBACH
(Vuelve a pararse de pronto,
y esta vez trata de soltarse
de los brazos de Wally;
está muy pálido, con cansancio)
¡No! ¡No quiero bailar más!

WALLY
(Reteniéndole, sigue hablándole,
burlona y excitante)
A mis labios de rosa
no acercas los tímidos labios
de tu boca miedosa...

HAGENBACH
(Aún más turbado y temblando)
¡Basta! ¡Me has vencido!

WALLY
Ah! ah! ah!
Entonces, ¿por qué me has retado?

HAGENBACH
(Impetuoso, estrechándose contra Wally)
¿Por qué? ¿Tú me preguntas por qué?

EL VIEJO SOLDADO
(A los jóvenes)
¡Atentos! ¡Se acerca el momento!

HAGENBACH
Porque, Wally, eres tan bella...

LOS VIEJOS
¡Cada uno tiene derecho a hablar!

LOS JÓVENES
¡No es verdad!

HAGENBACH
Porque tienes una mirada profunda...
Una dulce conversación...

LOS VIEJOS
¡Es el arma más galante
que hace bella la lucha!

JÓVENES
(Al fondo)
¡Sí, bailemos!

HAGENBACH
Porque hay un delicioso secreto
en tus blancos dientes...
¡Hay vida y amor en tus labios de rosa!

EL VIEJO SOLDADO
¡Atención! ¡Atención!

HAGENBACH
Un férreo lazo ata mi alma...
¡Tu dulce cabellera,
que a tí me une!

JÓVENES
Agiles, rápidas, las cuerdas se estremecen.

(En este momento, el soldado se aparta del grupo
de jóvenes que se interesan por la lucha entre
Hagenbach y la Wally, y, dirigiéndose hacia el fondo,
va a excitar también la curiosidad de las mujeres
contándoles la apuesta. Poco a poco, se van
acercando a los amantes rodeándolos)

WALLY
¡Ah! ¡Calla, calla!
¡No puedo escucharte más!
¡Mientes! ¡Mientes!

HAGENBACH
(Parándose bruscamente,
con lágrimas en los ojos)
¡Lo juro!

WALLY
¡No jures!

HAGENBACH
¡Créeme, es verdad! …

WALLY
(Lívida)
No, has jurado amor
a otra chica...

HAGENBACH
¡Ah, Wally, desde hace una hora,
me matas con tormentos del infierno!
¡Te burlas de mí!
¡Wally! ¡Wally!

WALLY
(Con lágrimas en los ojos
¿Que me burlo de ti?
¿No ves que te amo
y que en ti alcanzo una nueva vida?

HAGENBACH
Entonces, ¿por qué me niegas
la embriaguez de un beso tuyo?

WALLY
(Con un suspiro)
¡Oh!

HAGENBACH
(Abrazándola con violencia)
¡Así, así te quiero! ¡Ah! ¡Siempre mia!

WALLY
(Con un suspiro se abandona a él)
¡Tómame!

(Hagenbach la besa en la boca. Un confuso ruido de aplausos, gritos sarcásticos y un estallido de risas se alza en torno a ellos como un huracán.)

EL SOLDADO, MUJERES, JÓVENES Y CIUDADANOS
Ah! ah! ah!
¡La Wally ha sido besada!
¡Afra está vengada!




ACTO III

Volvemos a Hochstoff. Es de noche. Ha terminado la fiesta en el pueblo vecino y los aldeanos de Hochstoff vuelven a casa por el puente. Entre ellos va Wally. Antes de acostarse, le asaltan los remordimientos por haber ordenado la muerte de Hagenbach, pero como cree que Gellner no actuará hasta el día siguiente, se tranquiliza pensando que tiene tiempo para darle la contraorden.

De este pasaje tenemos varios youtubes disponibles. Escuchemos la interpretación de Gina Cigna:


http://www.youtube.com/watch?v=cojYW6IZkGA


Né mai dunque avrò pace?
E da pensieri tristi
ognor sarò turbata?
Ohimè! solo una celia io fui per lui,
e del mio ardente bacio egli si rise?
Ebbene, morrai, crudel!
Ah! misera me, chè l'amo!

La giovinezza coi suoi sogni ardenti,
or crudeli tormenti,
tutta sola mi lascia;
e già s'accascia
nel triste ricordare la persona,
e la speranza fugge e m'abbandona!

In un suo bacio v'era la mia vita,
in un suo bacio la speranza tutta!
E m'ha quel bacio la vita infranta!
Misera me! Ei m'ha la vita
con quel suo bacio infranta!
Ohimè! Ohimè!

Pur gli perdono; io non vo' la sua vita
A Gellner voglio dir che pazza fui.

(apre la porta)

Che tetra notte! Come fischia il vento!
Spento è il lume laggiù!
Giuseppe certo a Sölden è rimasto;
per stanotte non ha nulla a temer.
Doman l'avvertirò!

¿Nunca más tendré paz?
¿Me atormentarán
horribles pensamientos?
¡Ay de mí! Sólo fui un juguete para él.
¡Se burlo de mi ardiente beso!
Pues bien, ¡morirás, cruel!
¡Ah! ¡Desgraciada de mí, que lo amo!

La juventud, con sus sueños ardientes,
ahora convertidos en crueles tormentos,
me abandona.
Todo mi ser está invadido
por un triste recuerdo.
¡La esperanza huye y me abandona!

En su beso estaba mi vida,
¡En su beso toda mi esperanza!
¡Con ese beso me ha roto la vida!
¡Desgraciada de mí!
¡Con su beso me ha partido la vida!
¡Ay de mí! ¡Ay de mí!

Sin embargo, le perdono, no quiero su vida.
A Gellner debo decirle que fui una loca.

(abre la puerta y mira en la oscuridad)

¡Qué tétrica noche! ¡Cómo sopla el viento!
¡Aquella luz se ha apagado!
Giuseppe en Sölden se ha quedado,
por esta noche no hay nada que temer.
¡Mañana le advertiré!


Ahora bien, Wally se equivoca: Gellner se dispone a cumplir su orden de inmediato. Se esconde junto al puente, y cuando pasa Hagenbach se abalanza sobre él y lo tira al barranco. A continuación, acude a casa de Wally para dar cuenta del éxito de la empresa. Cuál será su asombro cuando ve que, al contárselo, la joven sale corriendo hacia el barranco. Un lamento que llega desde las profundidades indica que Hagenbach aún está vivo. Con ayuda de los aldeanos logran izarlo. Se ha salvado, aunque sigue inconsciente. Entonces, Wally, que lo ama más que nunca, decide renunciar a él para que sea feliz: dona sus posesiones a Afra, para que viva sin estrecheces junto a Hagenbach, y se dirige a la montaña para iniciar un nuevo exilio.




ACTO IV

La cima del monte Murzoll en Navidad. La nieve, el hielo y las brumas crean un ambiente gélido y fantasmagórico. Wally está como en trance, sentada delante de una cabaña. Aparece Hagenbach, que no se ha resignado a perder a Wally. Hagenbach canta un aria, “M’hai salvato”, con breves intervenciones de Wally. Pero en la versión de Mario del Monaco (grabación de 1969) que vamos a escuchar sólo canta él, pues se han suprimido las frases de Wally:


http://www.youtube.com/watch?v=Vlu8cTg4qVA


HAGENBACH
M'hai salvato,
hai voluto obliar l'offesa mia,
e tu mi chiedi perchè son tornato?
A te ne vengo come a un santo altar!

WALLY
(fra sè)
È la sua voce!...
... è la sua voce!

HAGENBACH
A te ne vengo...
...come a un santo altar!

Oh! come furon lunghi i di lontan da te,
e come mi struggeva il desio di rivederti!
Tu nel tormento dell'ore infinite
a me apparivi bella e innamorata!
Poi, la dolce vision si mutava...
e come la Madonna del Dolore
ai miei pie' ti vedevo addolorata,
mentre a lavarvi l'oltraggio del bacio,
dagli occhi tuoi sulla tua scarna gota
vi sgorgava un'amara onda di pianto.

WALLY
(fra se)
Ah! L'armonia delle sue parole m'uccide!

HAGENBACH
Poi m'han detto un dì:
Wally non è più qui, nè più la rivedrai,
Ma la speranza non m'ha mai lasciato,
e t'ho, fanciulla mia, ritrovata.
Io t'amo, Wally!

HAGENBACH
Me has salvado,
has querido olvidar mi ofensa,
¿Y tú me preguntas a qué vengo?
¡Vengo a ti como a un santo altar!

WALLY
(para sí)
¡Es su voz...
es su voz!

HAGENBACH
¡A ti vengo...
como a un santo altar!

¡Qué largos fueron los días lejos de ti, cómo
me consumía el deseo de volverte a ver!
¡Tú, en el tormento de las horas infinitas,
ante mí aparecías bella y enamorada!
Después, la dulce visión cambiaba...
Y como a la Virgen de los Dolores,
a tus pies me veía adorándote.
Mientras te lavaba el ultraje del beso,
de tus ojos, por las pálidas mejillas,
manaba una amarga ola de llanto.

WALLY
(para sí)
¡Ah, la armonía de sus palabras me mata!

HAGENBACH
Después, un día me dijeron:
Wally no está, no la volverás a ver más.
Pero la esperanza no me ha dejado nunca,
te he vuelto a encontrar, muchacha mía.
¡Yo te amo, Wally!



Hagenbach reconoce que, aunque al principio creyó odiarla, en realidad la amó siempre, y que el beso que le dio en el baile no era fingido. Se reconcilian. Pero mientras tanto, se ha ido formando una tormenta que estalla en ese momento. Tratando de ponerse a cubierto, Hagenbach se adelanta buscando la senda, pero el temporal la ha borrado. Una repentina avalancha envía a Hagenbach al fondo del abismo. Wally se arroja tras él gritando: “¡He aquí la esposa de Giuseppe! ¡Alma querida, ábreme tus brazos!”


FIN

Schigolch
September 17th, 2012, 05:45 PM
Una copia completa en youtube de "La Wally", con subtitulos en castellano.


http://www.youtube.com/watch?v=MMmPr-OiFlQ

Nervous Gentleman
September 17th, 2012, 06:02 PM
Esta es una vista previa. Acto I solamente.

Más por venir...


Paul

Loge
September 20th, 2012, 06:15 AM
La octava ópera de Giordano, “MESE MARIANO” (“El mes de María”), es tan corta (no se necesitan ni 40 minutos para oirla entera) que el propio autor la calificó como “boceto lírico”. El compositor había asistido en Milán a la representación de un drama de Salvatore Di Giacomo, escrito en dialecto napolitano y titulado prácticamente igual (“O mese mariano”), que a su vez provenía de una novela del propio Di Giacomo titulada “Senza vederlo” (“Sin verlo”), un título que me parece más definitorio del drama que ocurre.

Giordano comprendió enseguida las posibilidades dramáticas que le brindaba aquella historia sobre una madre que abandona a su hijo en un hospicio y convenció al dramaturgo para convertir la obra teatral en un libreto de ópera. El 17 de marzo de 1910 la presentó en el Teatro Massimo de Palermo. Dirigió Leopoldo Mugnone y cantaron Livia Berlendi, Maria De Loris, Rosa Garavaglia y otras, ya que el plantel, salvedad hecha de los niños del coro, es exclusivamente femenino.

Mascagni, que la consideraba una de las mejores óperas de su autor, la dirigió un mes después en el Teatro Costanzi de Roma, con Emma Carelli como protagonista. El éxito obtenido en estas dos ciudades no se vio confirmado en Nápoles, donde se representó el 10 de abril de 1911, dirigida por Vittorio Gui, y Elvira Magliulo en el rol de Carmela. Los autores la revisaron en 1913, pero la ópera nunca igualó el éxito de la pieza teatral, que fue incluso llevada al cine (mudo) en 1929 por el director Ubaldo Pittei.

“Mese Mariano” no ha llegado a caer nunca en un olvido absoluto, pero sus representaciones han sido bastante esporádicas. En Turín se estrenó en 1937 y en Venecia en 1949. Siempre como acompañante de otra ópera, dada su brevedad. En Estados Unidos fue estrenada en 1955 en el Carnegie Hall. Más próximos en el tiempo están los revivals de Lucca y Jesi (ambos en 1992) y del Festival del Valle de Itria (1998), donde hizo pareja con otra ópera de Giordano, “Il re”. Esas funciones se grabaron y ambas óperas se comercializaron juntas en un disco de Dynamic, del que proceden los fragmentos que podremos escuchar. Patricia Ciofi asume el rol de Carmela, Maria Miccoli el de la Madre Superiora, Monica Sesto el de Suor Pazienzia y Rosella Ressa el de la Condesa. Dirige Renato Palumbo.


http://imageshack.us/a/img194/8930/disco1998.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/194/disco1998.jpg/)

Aparte de la citada grabación, sólo me consta otra, de Colosseum, cuarenta años más antigua, con la Orquesta y Coros de la Scala y las siguientes cantantes principales: Vittoria Calma (Carmela), Vittoria Palombini (Madre Superiora), Margherita Elias Casals (Suor Pazienzia) y Renata Villani (Condesa). Director: Gianfranco Rivoli. (1952)

El rol de Carmela ha sido cantado por sopranos como Clara Petrella, Magda Olivero o Patricia Ciofi.

La ausencia de voces masculinas adultas, el desarrollo de la acción en una institución regentada por monjas, la visita a la misma de una representante de la nobleza, la existencia de un hijo ilegítimo, incluso la propia brevedad de la obra, recuerdan inevitablemente a “Suor Angelica” de Puccini, a la cual se anticipa en ocho años.

La acción transcurre en el siglo XIX, en el orfanato anexo al Real Albergue de los Pobres de Nápoles. Es Domingo de Pascua. Ante la visita de la Condesa, benefactora del orfanato, los niños se reúnen en el patio del edificio y cantan en su honor. Uno de ellos lee unos versos laudatorios, tras lo cual la Condesa se marcha y los infantes vuelven a sus habitaciones.

Ese momento lo aprovecha una joven, Carmela Battimelli, para introducirse en el patio. Con un pastel bajo el brazo, viene a ver a su hijo, que está internado en la institución. Quiere la casualidad que la primera monja que sale al patio sea Sor Paciencia, una amiga de la niñez de Carmela. Cuando ésta pide ver a su hijo, la monja llama a la Madre Superiora, y a ambas religiosas cuenta la joven su desventura: fue seducida y abandonada, y tuvo un hijo. Tiempo después pudo rehacer su vida casándose con un trabajador, pero éste no quiso acoger al hijo de otro hombre. Por eso lo dejó Carmela en el orfanato. Escuchemos dos momentos de la conversación entre Carmela y las monjas.

E come, ma le pare (http://www.divshare.com/download/19591728-440)

Tremante m’accostai (http://www.divshare.com/download/19591744-ce8)


Van a llamar al niño. Mientras Carmela reza en la iglesia, suena un patético interludio que no anuncia precisamente un feliz reencuentro entre la madre y el hijo.

Interludio (http://www.divshare.com/download/19591810-75d)


En efecto, la Madre Superiora es informada de que el niño ha muerto esa misma noche. Conmovida, decide ahorrarle mientras pueda el dolor a Carmela y ocultarle la verdad. Cuando ésta sale de la iglesia, le dice que, dado que están en el mes de María, su hijo está ensayando cantos a la Virgen en el coro del hospicio. No conviene interrumpir el ensayo, así que le insta a irse sin verlo y volver otro día. La joven empieza a irse, pero cuando está a punto de salir del hospicio se acuerda de un detalle: el pastel. Se lo entrega a la Madre Superiora diciendo: “L’avevo purtato ‘na sfugliatella... S’e fatta fredda” (“Le había traído un pastel... Se ha enfriado”) El dramatismo alcanza su punto culminante en ese doloroso contraste entre la normalidad de esta acción y la enormidad de la muerte del niño. Que la preocupación de Carmela, ignorante de la tragedia, sea el enfriamiento del pastel cuando los demás personajes y el público saben que su hijo acaba de morir, transmite al espectador una fuerte conmocion y piedad hacia esa pobre infeliz que se marcha resignada y sin entender nada.

Final (http://www.divshare.com/download/19591829-33d)

Schigolch
September 20th, 2012, 07:01 AM
Curiosamente, hay un Mese Mariano completo subido a youtube (no lo he escuchado), supuestamente dirigido por Ottavio Ziino:


http://www.youtube.com/watch?v=ORKWuJDpi-s

Loge
September 20th, 2012, 08:51 AM
Pues me sorprende doblemente. Primero, que exista esa grabación. He buscado por internet a ver si encontraba algún dato adicional a los escasos que acompañan al youtube y no he encontrado nada. Y segundo, que estuvieran esos vídeos en youtube. Antes de escribir el artículo busqué "Giordano Mese Mariano" en youtube y no apareció ningún vídeo. Quien los haya subido lo ha hecho hace relativamente poco (2 meses), pero yo busqué la semana pasada. En todo caso, gracias por la información.

Donde sí está "Mese Mariano" es en spotify. Concretamente, está todo el disco del 98, así que van juntos "Mese Mariano" e "Il Re".

Schigolch
September 21st, 2012, 07:12 AM
http://cps-static.rovicorp.com/3/JPG_500/MI0000/985/MI0000985634.jpg?partner=allrovi.com

Zingari es una ópera de Ruggero Leoncavallo basada en el poema de Aleksander Pushkin, "Gli zingari" (en su traducción italiana, obviamente). Es una obra de breve duración, apenas una hora.

La ópera tiene cuatro personajes: Fleana (soprano), Radu (tenor), Tamar (barítono) y El viejo (barítono también), además del Coro. Se estrenó en Londres, en 1912, y fue recibida con bastante frialdad.

Transcurre en un campamento de gitanos a orillas del Danubio. Tamar, enamorado de Fleana, revela a su padre, el viejo jefe de los gitanos, que la muchacha se encuentra todas las noches con un extraño. El joven extranjero es capturado por los gitanos, pero Fleana exige que le liberen pues ha prometido unirse a los gitanos y no existe ley que se lo prohiba. Como es lógico, el extranjero resulta ser el príncipe Radu, que se casa con Fleana, bajo su disfraz de zíngaro, esa misma noche.

Con el tiempo Tamar es el jefe de la tribu, y Fleana ya no quiere a Radu. Se ha enamorado de Tamar. Radu sorprende a los amantes en una cabaña apartada, y los asesina, prendiendo fuego a la cabaña, cerrando las puertas y ventanas.

C’è uno straniero …. Ah, taci dunque! Ogni sospetto (Tamar) (http://www.youtube.com/watch?v=Q9Si8LZBV9s&feature=related)

Intermezzo (http://www.youtube.com/watch?v=MOLz7FIxtE0)

Ho perduto la pace vagabunda (Radu) (http://www.youtube.com/watch?v=Mz4YxYZxWl4)

Bella! Bella! Sei qui tutta fremente! (Tamar/Fleana) (http://www.youtube.com/watch?v=G6Jeel_22D0)

Final de la ópera (http://www.youtube.com/watch?v=L7j_ZdmeiYA)

Loge
September 26th, 2012, 10:57 AM
GLORIA
de Francesco Cilea

Con el estreno de “Adriana Lecouvreur” (1902) Cilea llegó a lo más alto de su carrera operística. Ya estaba en la cresta de la ola, y debió de pensar que con su siguiente producción, “Gloria”, esa ola se haría aún mayor. “Más grande será la caída”, dice un proverbio de algún sitio, y así le sucedió a Cilea: estrenada el 15 de abril de 1907 en la Scala, con la dirección musical de Toscanini, resultó un fiasco y tuvo que retirarse al cabo de… ¡dos! representaciones. :beaten: Y eso que el libreto era de Arturo Colautti (el mismo de “Adriana Lecouvreur” y “Fedora”) y que la estrenaron Solomiia Krushelnytska, Giovanni Zenatello y Pasquale Amato. En cuanto a grabaciones, éstas son las dos que conozco:


http://img710.imageshack.us/img710/2539/cileagloria.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/710/cileagloria.jpg/)

http://img545.imageshack.us/img545/6580/caratuladegloria.jpg (http://img545.imageshack.us/i/caratuladegloria.jpg/)

Para Cilea, la decepción fue tan grande que se alejó de la ópera; continuó componiendo música instrumental y revisando obras anteriores (de la propia “Gloria” preparó una segunda versión, estrenada en 1932, que no tuvo mejor fortuna que la primera), pero nunca más escribió otra ópera.


ARGUMENTO:

Acto I

Siena, siglo XV. El Acto I comienza con la inauguración de una fuente monumental en la plaza principal de la ciudad, que supongo que será ésta, la Fonte Gaia, en la Piazza dei Campi:


http://img835.imageshack.us/img835/5858/019ya.jpg (http://img835.imageshack.us/i/019ya.jpg/)

En ese momento, Siena está sitiada por un ejército de exiliados, pero la ocasión es tan festiva que las autoridades sienesas han autorizado a entrar en la ciudad a los sitiadores (desarmados, claro) para que celebren la inauguración junto con los paisanos, debiendo retirarse al atardecer. Acogiéndose al permiso, entran los sitiadores, entre los que se encuentra Lionetto De’ Ricci. En el otro bando, el de los sieneses sitiados, destaca Aquilante De’ Bardi, uno de los notables de la ciudad. Aquilante ha venido al evento acompañado por sus hijos, Bardo y Gloria, y es mirar ésta a Lionetto, y que Lionetto la mire a ella y… Flechazo.

Ella le ofrece una bebida pero Bardo, viendo a su hermana hablar con un extranjero, viene a informarse y le pregunta quién es, de dónde viene y otros datos personales. Lionetto contesta con una triste historia sobre su familia, que podremos escuchar a Flaviano Labò en una grabación de 1969. “Storia ho di sangue!”:



http://www.youtube.com/watch?v=B4_wtZgYic0


Al oirla, Aquilante, que también se ha acercado, reconoce al hijo del cabecilla que hace algún tiempo había entregado Montalcino (un pueblo cercano). Los nobles le insultan, pero Lionetto jura que su padre fue solamente una víctima del odio entre facciones. Después de su alegato, Gloria canta este bello pasaje:

Vergine d'astri (http://www.divshare.com/download/12980193-45b)

Aquilante restaura el orden, pero cuando llega el momento en que los exiliados tienen que irse, Lionetto se niega, a menos que el patricio acceda a entregarle a Gloria en matrimonio, como precio por la paz. Aquilante, Bardo, y los demás nobles protestan indignados, mientras que los plebeyos defienden a Lionetto. En el momento de máxima tensión, Lionetto deja caer su capa, revelando que va armado y que lleva la insignia imperial: en realidad, su nombre es Fortebrando, el famoso capitán de los Gibelinos. Los anfitriones se disponen a detenerlo, pero en ese momento, todos los compañeros de Lionetto-Fortebrando desenvainan la espada que llevaban oculta (se ve que no les habían registrado muy bien al entrar) y se organiza una refriega en la que el sitiador consigue secuestrar a Gloria y escapar. Bardo resulta herido, aunque no de gravedad.



Acto II

Vemos a Gloria en las habitaciones en que Lionetto, que continúa el sitio de Siena, la ha dejado recluida como rehén. Gloria es despertada por el estruendo de la batalla y teme por su familia y su ciudad. La vigilante que le han asignado le recuerda que está en su mano el acabar con el conflicto aceptando el amor de Lionetto. Gloria se siente atraída por él, pero sus sentimientos están divididos a causa de la lealtad hacia su pueblo. Ocasión estupenda para recordar lo feliz que era de niña en el aria que tal vez sea lo más conocido de la ópera:

O mia cuna fiorita (http://www.divshare.com/download/12980245-16d)


Entra Bardo, el hermano de Gloria, quien disfrazado de mercader ha logrado infiltrarse en los aposentos del enemigo. La acusa de traición y de ser responsable de la muerte de su padre, que ha caído en la batalla. Gloria proclama su inocencia y su intención de sacrificarse para salvar a Siena. Bardo le tiende un puñal, urgiéndole a vengar al padre matando a Fortebrando. Ella, horrorizada con la idea de la sangre, rechaza el puñal pero accede al asesinato mediante un veneno que verterá en una copa de vino. Escuchemos el dúo y así oímos la voz del tercer papel importante, el del barítono:

Dúo de Gloria y Bardo.mp3 (http://www.divshare.com/download/12980288-a3b)

Sale Bardo y entra Lionetto (no se cruzan en la puerta gracias a que Cilea encaja aquí un fragmento instrumental de minuto y medio entre la marcha de uno y la llegada del otro). Respetuosamente, se arrodilla ante ella y rompe su espada: a causa de su amor, ha ordenado levantar el sitio. Gloria le corresponde, pero recordando la promesa hecha al hermano, amaga con tomar ella misma la copa envenenada. Lionetto se anticipa, tira la copa y la obliga a admitir que le ama.



Acto III

Tras un interesante intermezzo, el Acto III empieza con la boda de Gloria y Lionetto en la capilla familiar de los Bardi. Bardo se queda en segundo plano, junto a la tumba de su padre, donde se le van uniendo otros nobles mientras se canta el Magnificat. Tras la ceremonia, Lionetto se aproxima para abrazar a su cuñado. De repente, éste saca una daga de debajo de la capa (qué manía) y apuñala a Lionetto, tras lo cual intenta arrastrar a Gloria con él. Gloria está fuera de sí, desesperada por lo sucedido. Sólo el sonido de la reavivada batalla que llega desde fuera hace salir a Bardo, dejando solos a los recién casados.

Magnificat (http://www.divshare.com/download/12980329-7fb)


Lionetto agoniza pero todavía canta un aria de despedida. Gloria levanta el puñal, se lo clava en el pecho, y cae muerta sobre el cuerpo de su marido. Sobre el tema del Magnificat, lenta, dulcemente, la música se extingue poco a poco...

Final (http://www.divshare.com/download/12980450-cc1)

Schigolch
September 26th, 2012, 11:16 AM
Gloria no es lo mejor de Cilea, pero tampoco es para que se suspendiera tras solamente dos representaciones.... :)

Loge
September 26th, 2012, 11:49 AM
Desde luego que no (a ambas afirmaciones) Aunque, teniendo en cuenta que sólo compuso dos óperas, si "Gloria" no es la mejor habrá que concluir que es la peor. :)

Schigolch
September 26th, 2012, 12:00 PM
¿Dos operas, Cilea?. Creo que compuso alguna mas, estimado Loge... Concretamente, mi preferida es L'Arlesiana.

Loge
September 26th, 2012, 03:28 PM
Cierto. Disculpe: me había liado con Boito, no sé por qué.

Schigolch
September 28th, 2012, 09:37 AM
Pagliacci es tan conocida que no necesita realmente reseña.

Nos podemos limitar a enlazar esta representación en Tokio, el 25 de Octubre de 1961, con Mario del Monaco, Gabriella Tucci, Aldo Protti, Antonino Pirino y Attilio Dorazi. Dirigidos por Giuseppe Morelli:


http://www.youtube.com/watch?v=nMT9nBzxGIc

Schigolch
September 29th, 2012, 11:06 AM
Adriana Lecouvreur no es tan popular como Pagliacci,... pero casi.

De nuevo otra funcion desde Tokio, en 1976, con Montserrat Caballé, José Carreras y Fiorenza Cossotto:


http://www.youtube.com/watch?v=CanP_5IFygE

Loge
October 1st, 2012, 08:23 AM
SAKÙNTALA
de Franco Alfano

Franco Alfano (1876-1954) es conocido, fundamentalmente, por haber terminado “Turandot”. Pero en sus 78 años de vida tuvo tiempo de hacer alguna cosa más que ponerle el broche a la última obra de Puccini, como componer doce óperas, dos sinfonías, ballets, cuartetos y varios ciclos de canciones. Una de sus óperas más conocidas es “Sakùntala”, cuya primera versión se estrenó en el Teatro Comunale de Bolonia el 10 de diciembre de 1921. Durante la II Guerra Mundial se perdió la partitura al caer una bomba aliada sobre los archivos de la casa Ricordi. Alfano reescribió la ópera, estrenándose en su versión reconstruida el 5 de enero de 1952 en el Teatro dell’Opera de Roma. Para esta segunda versión, Alfano abrevió el título y le puso simplemente “Sakùntala”. En la “Sakùntala” reconstruida existen fuertes influencias de Puccini, de Richard Strauss y del impresionismo. Todo ello, impregnado de un toque orientalizante bien conseguido puesto que con anterioridad Alfano se había familiarizado con la temática indica poniendo música a varios poemas de Tagore.

El libreto lo escribió el propio Alfano, basándose en el drama indio del siglo V a. C. Abhijñānaśākuntalam. Esta leyenda ya había sido motivo de inspiración para numerosos compositores durante el siglo anterior: óperas de Schubert (1820) y de Karl Perfall (1853), un ballet de Ernest Reyer (1858), un oratorio de Philipp Scharwenka y un drama musical de Felix Weingartner (1884.)

La obra gozó de cierto éxito, sobre todo en interpretaciones radiofónicas entre 1952 y 1979, con sopranos como Magda Olivero, Anna de Cavalieri y Celestina Casapietra en el rol principal. Fue recuperada para las representaciones en vivo en el Festival de Opera de Wexford en 1982. También se había programado en Roma para 2006, y durante los ensayos hubo la gran suerte de descubrir una copia del original de 1921 en los archivos de Ricordi. Así, la de Roma 2006 fue la primera representación en la época actual de la obra tal y como Alfano la concibió al principio.

Los principales intérpretes de los respectivos estrenos fueron:

En el del 10-12-1921:
Sakúntala: Augusta Concato-Piccaluga (Soprano)
El Rey: Nico Piccaluga (Tenor)
Priyamvada : Anna Manarini (Mezzo)
Anusuya: Gina Pedroni (Soprano)
Kanva: Bruno Karmassi (Bajo)
Durvasas: Enrico Spada (Bajo)
Director: Tulio Serafin

En el de la versión reconstruida, de 5-1-1952:
Sakúntala: V. P. Aguero (Soprano)
El Rey: Roberto Turrini (Tenor)
Priyamvada : Fernanda Cadoni (Mezzo)
Anusuya: Mafalda Micheluzzi (Soprano)
Kanva: Giulio Neri (Bajo)
Durvasas: Bruno Sbalchiero (Bajo)
Director: Gianandrea Gavazzeni

Hay un par de grabaciones completas:
Anna de Cavalieri (Sakùntala), Antonio Annaloro (Tenor), Plinio Clabassi (Kanva), Amodeo, Cadoni, Gianna Galli (Anusuya). Orquesta Sinfónica y Coro de Milán de la RAI. Director: Arturo Basile. Grabado el 24 de septiembre de 1955

Celestina Casapietra (Sakùntala), Michele Molese (The King), Laura Didier Gambardella (Priyamvada), Adriana Baldiseri (Anusuya), Aurio Tomicich (Kanva) Orquesta de la RAI de Roma, dirigida por Ottavio Ziino. (Transmisión en vivo, febrero de 1979)


Argumento:

Acto I

La acción tiene lugar en la India, en los tiempos antiguos. Al subir el telón vemos un bosque con un monasterio cercano, desde el cual llegan los cánticos de los monjes a la luz y a los dioses. Apenas terminan éstos cuando se oyen, fuera de escena, los gritos de una partida de caza.

Ya en este primer número se pueden apreciar las influencias impresionistas de las que hablaba antes:
Comienzo (http://www.divshare.com/download/13071018-7d4)

VOCI INTERNI
Luce! Luce dei cuori!
Fiori ed incensi,
Fuoco offriamo a te!
Benedetto! Benedetto!
Sette Fiamme hai nella Bocca!

[Il Vecchio Durvasas avanza dal fondo Batte alla e porta dell'eremo.]

VOCI INTERNI
Cingi l'anima nostra
Col nimbo dei tuoi Pensier!

DURVASAS
Sakùntala, apri!

[La porta s'apre. Entra Durvasas.]

VOCI INTERNI
Sette mari hai por tuo letto!
Sette monti sotto il piè!

SAKÙNTALA e DONNE
Vittorioso tu splendi!

[Il Mattino si fa radioso.]

VOCI DI CACCIA LONTANA
Oh-oh! Oh-oh! Oh-oh! Oh-oh!

[Alcuni mendichi, ansimanti, si affretteranno verso l'eremo.]

ALCUNI MENDICHI
Eremiti, salvate le sacre gazzelle!
E' la caccia del Re!


Entra el Rey, que, persiguiendo una gacela, se ha separado de los demás cazadores. Unos monjes bendicen al Rey con la promesa de un hijo que será tan virtuoso como él y que gobernará el Universo. Los monjes se retiran. El Rey oye ruido de gente y se esconde. Es Sakùntala, que pasea por el bosque con dos amigas, Priyamvada y Anusuya. Detrás de los matorrales, el Rey queda prendado de la belleza de Sakùntala y sale de su escondite. Las amigas le cuentan que Sakuntala fue encontrada en el bosque por Kanva, el director del monasterio, y criada por él, tras lo cual se retiran para dejar a Sakuntala a solas con el Rey.

Sigue un dúo de amor, hasta que se hace de noche. Como si despertasen de un sueño, los amantes se separan, pero antes el Rey le entrega a Sakùntala un anillo como prenda de amor. Escuchemos ese dúo que cierra el Acto:

Final Acto I (http://www.divshare.com/download/13071038-26b)

IL RE
Oh! Il tuo braccio è puro
Come il cielo più puro!...
Guarda! Guarda!
Sul tuo braccio il monile riluce
Come arco di luna sul ciel!

SAKÙNTALA
Non so... Non vedo...
Il polline dei fiori
M'ha velato le ciglia!

IL RE
Dolce mal, pena soave!
Non senti salire dal cuor
Un tepore d'effluvio febbril?
Non vedi sfiorar tra nimbi dorati
Un'onda di fiamma che abbaglia?...
E' il soffio dell'anima mia...
E' l'ansia di tutti I miei sogni...
Che anela guarirti...

[Supplichevole, accennando a volerla baciare]

Così... Così...

[La fanciulla si difende ritraendosi, ma sempre più debolmente.]

IL RE
Un bacio... un solo bacio!...

[E accostando lentamente le sue labbra al volto della fanciulla, la bacia lungamente sugli occhi. Sakùntala si leva. Con le mani si terge le palpebre: appare trasfigurata. E come muove qualche passo, il Re la segue con le braccia protese.]

SAKÙNTALA
Io vedo! Io vedo! ¡Oh! Meraviglia!
Strani raggi sfavillan!
Gemme ed ori nell'aria...
Tutto splende!
Io mi sento librata...
Circonfusa d'incanti...
E un palpito di canto
Mi solleva... M'inebria!...
La liana è fiorita...
Brillano nuovi fiori...
Il musco odoroso
Emana un profumo più vivo...

IL RE
Dolce cuor!

SAKÙNTALA
E fiori, e fiori intorno
Mi ridono... m'invitano...

IL RE
[Subitamente appassionato]
Solo mio fiore... solo sospiro...
Tutta mia!

SAKÙNTALA
[Perdutamente]
Stringimi a te! Chiudimi in te!

IL RE e SAKÙNTALA
Sempre in un bacio,
Tutta in un bacio...
La vita in ebbrezza infinita!
Più oltre, più oltre nel sogno!

[Un lungo bacio li unisce. Una pausa. Poi si sentirà la voce dolcemente ammonitrice di Priyàmvada.]

LA VOCE DI PRIYAMVADA
[Dall'interno]
Usignuoli, separatevi!...
La notte scende!

[Come risvegliandosi, gli amanti si sciolgono dall'abbraccio, tenendosi sempre per mano. Il Re piegherà un ginocchio davanti alla fanciulla, e togliendosi dal dito un ricco anello, lo lasciarà passare nell'anulare di lei. Gli amanti si guarderanno ancora, trasognati: quindi entrambi retrocederanno, come per ubbidire al richiamo ineluttabile.]


Acto II

Algún tiempo después, en el interior del monasterio. El ermitaño Durvasas quiere entrar. Sólo Sakùntala está autorizada para abrir la puerta, pues Kanva está de viaje. Pero la joven no atiende su obligación pues está como ausente, triste y melancólica, pensando en el Rey que la enamoró, que se fue y que ya no ha vuelto. El ermitaño, en vista de que no acude a abrirle, la maldice: “¡Que el amor te pierda! ¡Que aquél que ocupa tus sueños te olvide! ¡Que cuando vuelva a verte no se acuerde de ti ni del amor que compartisteis!” Priyamvada y Anusuya, aterradas, acaban abriendo aunque sea una transgresión de las ordenanzas.

Una vez dentro, Durvasas se calma un poco. No puede retirar la maldición pero la atempera un poco: “Si Sakùntala muestra un anillo al esposo, se salvará”. Aparece Sakùntala, triste y lánguida, y expresa su dolor por no haber vuelto a ver al Rey. Lo escuchamos a Anna de Cavalieri, en una de esas grabaciones que se hicieron para la RAI en la década de los 50, concretamente el 24-9-55.



http://www.youtube.com/watch?v=rbw7EeTyrKA


SAKÙNTALA
O nuvola... nuvola leggera,
Che vaghi pei cieli, sul mar...
Nuvola... o candido soffio divino,
Respiro dei monti di là...
Buona sorella che sola a piacer
Puoi mutar di destino...
Sii messaggera pietosa di tutto il dolor
Che mi piange nel cuore!...
Va! Vola verso lo sposo,
Verso il dolce mio sposo
Che dorme in oblio d'amor!

VOCI LONTANE
Ah!

SAKÙNTALA
Va! Va!
Il vento propizio ti aiuti
Sì come il cor ti addita il cammin!
Non esser mai stanca...
Ed allor sentirai d'improvviso
Dov'è la mia mèta, sorella!
Nel ricco giardino,
Uccelli dai vaghi colori
S'inseguono in corse brillanti,
Tra le aiuole fiorite...
Marmoree fontane
Vi sprizzan più alto nell'aria
Zampilli di gemme raggianti...
Sui prati muscosi
Cortei d'iridate fanciulle vedrai
Ondeggiar tra vapori di mille profumi,
In languide danze
Al ritmo di musiche blande...
Volteggiano i piccoli piè tintinnanti...
Balenano vividi sguardi,
E bocche vermiglie
Si cercan nell'ombra,
Desiose, anelanti...
Ah! Tu librati piano, con ansia repressa,
Con brivido lieve...
T'inchina, t'appressa, poi t'abbandona
E l'inonda del pianto
Che tutta mi strazia!

VOCI
Ah!... Ah!...

PRIYAMVADA
Sakùntala, tuo padre ritorna!...

ANUSUYA
Il maestro!

CORO DEGLI EREMITI
Gloria! Gloria a Kanva! Gloria!

SAKÙNTALA
Padre! Padre!


Unas voces a lo lejos anuncian el regreso de Kanva. Ha sido informado de todo, incluso de que Sakùntala está embarazada, y sabe que el niño que espera será el heredero real, futuro gobernante glorioso del mundo. Kanva le anima a ir en busca del Rey y le proporciona un acompañante: el monje Harita, al que se sumará un joven ermitaño. Sakùntala emprende el viaje hacia el palacio real. El bosque resuena con los cantos mágicos de los espíritus de las montañas y el sol se pone con un resplandor de fuego.



Acto III

En el palacio del Rey. El monarca está abatido, melancólico. Un escudero anuncia la llegada de dos ermitaños, que escoltan a una mujer con velo. Pero el Rey está bajo la influencia de la maldición de Durvasas, por lo que no reconoce a Sakùntala, ni siquiera cuando ésta se levanta el velo. Sakùntala decide entonces mostrarle el anillo, pero descubre con horror que lo ha perdido por el camino. Convencida de que el destino se opone a que el Rey la reconozca, huye desesperada del palacio.

Al poco, los guardias traen a un pescador, que ha encontrado el anillo a la orilla del río y al momento, el Rey recupera la memoria. Corre a buscar a Sakùntala, pero ya es tarde. A lo lejos se oye un estruendo. Un escudero informa al Rey de que la muchacha se ha arrojado al estanque de las ninfas, elevando los brazos como si invocase la ayuda divina, y que en ese momento la ha envuelto una nube de fuego. El soberano se derrumba de dolor mientras el escenario se oscurece. De repente, se oye la voz de Sakùntala, como si sonase en el corazón del Rey: “No te aflijas, Rey. Estaba escrito que tu glorioso hijo tenía que nacer de mi sacrificio”. Al mismo tiempo, entran los ermitaños llevando en brazos al hijo recién nacido. El Rey y todos se arrodillan ante el niño, sobre el cual cae un haz de luz. A lo lejos, suenan campanas de celebración.

Final (http://www.divshare.com/download/13081020-238)

[Un rombo lontano interrompe bruscamente l'estasi del Re, che si volge istintivamente verso il fondo. E come egli resta attonito, ecco giungere
trafelato lo scudiero.]

IL RE
[Con agitazione]
Ebbene?...

LO SCUDIERO
[Ansante]
Un prodigio!... Un prodigio!...
La fanciulla fu vista lanciarsi
Verso lo stagno delle ninfe,
Le braccia tese al cielo
Come per invocar un aiuto divino!
A un tratto una nube di fiamma
L'avvolse, la ghermì...

IL RE
[Affannosamente]
E poi?!

LO SCUDIERO
Poi... più nulla! Tutto era scomparso...
Solo... vedemmo gli eremiti,
Chinarsi sul suo velo
E adorarlo come cosa sacra!...

IL RE
[Annientato, in preda alla più cupa ambascia, con voce di pianto]
¡Ah! Sortilegio iniquo! Maledizion!

[Un tremito convulso lo scuote all'improvviso... arretra e cade
riverso come tramortito. La scena subitamente si oscura.
E la lontana dolcissima voce di Sakùntala, da prima sola,
poi dominante un mormorio diffuso di voci minori, risuonerà
sull'animo del Re.]

VOCI FEMMINILI
[Interne]
Ah!...

LA VOCE DI SAKÙNTALA
¡No! Re! Non disperar! Era scritto...
Che una vita di luce... nascesse
Dal più profondo martirio d’amor:
Tuo figlio!... Giovine eroe del Mondo!...
Prendilo e ricorda Sakùntala,
Sakùntala Immortale!

Schigolch
October 1st, 2012, 10:45 AM
Bonita ópera, y grande como casi siempre Anna de Cavalieri.

Entre las obras inspiradas en la leyenda de Sakùntala, mencionar también la obertura de Goldmark, bastante resultona:

http://www.youtube.com/watch?v=XUvPcUz53AU

Schigolch
October 3rd, 2012, 09:00 AM
Andrea Chenier es otro de esos iconos del Verismo. Siguiendo la pequeña tradicion de este hilo, podemos ver una funcion completa desde Tokio:


http://www.youtube.com/watch?v=q3FSQjOGrhM

Loge
October 3rd, 2012, 05:32 PM
Francesco Paolo Frontini es un compositor prácticamente desconocido, aunque no para sus paisanos. Si algún forero ha estado en la ciudad de Catania antes del 2007 o después del 23 de septiembre de 2010, habrá tenido la oportunidad de visitar el Jardín Bellini, reabierto al público tras cuatro años de trabajos de restauración entre las fechas citadas. En dicho jardín existe, desde 1880, el llamado “Viale degli uomini illustri” por el cual uno puede pasear entre bustos de personajes como Luigi Capuana, Mario Rapisardi, Giovanni Verga, Francesco Pastura, etc, nombres que a la mayoría de los extranjeros no nos dicen nada, pero que los catanienses veneran en su condición de autóctonos ilustres. En todo caso, llama la atención que entre tanto pedestal con busto haya uno, y sólo uno, al que le falta la figura. Es el de Frontini, cuya imagen fue robada en los años 80 y no ha sido repuesta. En youtube existe un breve vídeo denuncia, sencillo y sentido, al final del cual se puede ver cómo era el busto.



http://www.youtube.com/watch?v=uBf2jZ50Q8U

En sus 79 años de vida (1860-1939) Frontini compuso un ramillete de obras entre las que destacan unas cincuenta canciones sicilianas, dos cuartetos, una misa de Réquiem, la serenata “Araba” y media docena de óperas: Nella, Sansone, Aleramo, Malía, Il falconiere, Fatalità.

Hoy hablaré de “Malìa”, ópera de la cual tenemos el libreto

http://frontini.altervista.org/HTMLobj-2269/malia_libretto_.pdf

pero de la que apenas hay nada grabado.


“Malìa” significa “Seducción”, título que ya es una declaración de verismo truculento: ambiente rústico, seducción, traición, remordimiento y muerte. “Malìa” se estrenó en Bolonia el 30 de mayo de 1893. Los intérpretes del estreno fueron Antonio Bardossi (bajo), Clotilde Malatesta (mezzo), Leonilde Gabbi (soprano), Ettore Marchi (tenor) y Michele Wigley (barítono). Dirigía la orquesta Vittorio Podesti.

La acción tiene lugar en un pueblo siciliano, a comienzos del siglo XIX.

ACTO I
En la hacienda del granjero Paolo se está preparando una fiesta. Una de sus hijas, Nedda, se casa hoy con el apuesto Cola. Entre las muchachas que esperan la llegada desde la iglesia de los recién casados se encuentra Jana, hermana de Nedda. Jana oculta a duras penas su nerviosismo, pues aunque está prometida a Nino, de quien se ha enamorado de verdad es precisamente de Cola, el que en ese mismo momento se está convirtiendo en su cuñado. Y este pensamiento no hace sino aguzar su tormento y exacerbar su pasión.

Al llegar el cortejo nupcial se canta, se baila, se bebe y se brinda en honor a los nuevos esposos. Todo el mundo está contento, excepto Jana. Esto no le pasa desapercibido a Cola, que trata de hacerla reír. Y tampoco a Nino, su prometido, que, malinterpretando la causa de su tristeza, la colma de atenciones y le susurra tiernamente que también ellos, dentro de poco, serán marido y mujer. Jana, que esperaba poder resistir a la tentación, sabe desde ese momento que su suerte está ligada a la de Cola. Cuando éste se va con Nedda a inaugurar su nueva casa, Jana se abandona a un llanto desesperado.


ACTO II
Es la fiesta de la Inmaculada. La procesión va a pasar frente a la casa de Jana. Su padre le exhorta para que reciba a los invitados que vendrán dentro de poco, pero ella está encerrada en su tormento íntimo y actúa como un autómata. Paolo, preocupado, no acierta a explicarse el origen de la extraña “enfermedad” que aqueja a su hija. Confiando en un milagro de la Virgen, invita a Jana a rezar.

Pero la oración no hace efecto. Su tormento no le da paz. Llegan los invitados, entre ellos el irresistible Cola. Jana se queda a solas con él y, no pudiendo ya más, se desfoga y confiesa: “Eres la causa de mi mal y de mi perdición”. Le ama y le odia. La declaración le hincha el ego a Cola, que ve que ha conseguido una nueva conquista, y le promete cambiar de amores: Nedda por Jana. Esta, en vez de aplacarse, se agita cada vez más. Pero ahora es por el sentimiento de culpa: lleva en el alma el dolor por el pecado. y cuando la imagen de la Virgen pasa ante la casa, en vez de invocar la gracia de la curación como le aconsejan las vecinas, Jana se maldice a sí misma y declara que no tiene salvación. Todos creen que la joven está endemoniada.


ACTO III
La época de la vendimia. Ante las constantes muestras de afecto de Nino, Jana se siente obligada a contarle la verdad. Si no, no conseguirá expiar el pecado. Nino, pedazo de pan, la perdona y le promete que se casará con ella igualmente, y que se irán lejos a iniciar una nueva vida. Pero Cola no piensa permitirlo. Ha sucumbido a su propia pasión pecaminosa y quiere que la situación siga como está. De lo contrario, amenaza a Jana con una atroz venganza. Nino, indignado, le dice que está al tanto de todo, y que quiere reparar el error. Pero ya, cuando se ve insultado en el honor y en su propia aspiración a la redención, se abalanza sobre Cola y lo mata a cuchilladas.


Sólo he podido encontrar un fragmento cantado, y no con orquesta, sino con acompañamiento de piano: la oración de Jana del Acto II



http://www.youtube.com/watch?v=dXsL6MLu5Rw

Ah, non mi sente! Non mi ascolta!
Signora del cielo, perdono!
La stanca mia mente delira!
Son come una paglia che il turbin raggira!
Ridàmmi la pace, Signora del ciel!
Tu, Vergine pura, disperdi
le impure mie ansie crescenti!
O Madre pietosa di tutti i dolenti,
ridammi la pace, Signora del ciel!


Además de lo anterior, un entusiasta de Paolo Frontini se ha lanzado a interpretar en lo que parece un órgano casero varios fragmentos de la misma obra y los ha subido a youtube.

Preghiera:
http://www.youtube.com/watch?v=wZeHf7D3x6k&feature=relmfu

Ma tu non m’ami!
http://www.youtube.com/watch?v=kDWI9-Ln558&feature=relmfu

Coro de vendimiadores:
http://www.youtube.com/watch?v=Y4xHLYV8eIU&feature=relmfu


Para arropar un poco a nuestro autor, me parece preferible escuchar una de sus deliciosas canciones sicilianas, “Amuri, amuri”, donde, además, podremos comparar a dos grandes cantantes:

Rosa Ponselle, con piano


http://www.youtube.com/watch?v=sLc-4LF14mU


Toti Dal Monte, con orquesta


http://www.youtube.com/watch?v=eCDtxXS6dk4

Schigolch
October 3rd, 2012, 05:59 PM
El argumento no puede ser mas "verista" desde luego...

Loge
October 3rd, 2012, 06:04 PM
Sí, en la línea de Cavalleria y Mala vita, por ejemplo. Verismo rural, digamos. :)

Schigolch
October 5th, 2012, 10:20 AM
http://img.inkfrog.com/pix/dutch-anton/p063648.jpg

Eugenia Burzio fue una de las indiscutibles reinas del verismo.

Su debut se produjo cantando Santuzza, en 1899, a los 27 años de edad. La mayor parte de su carrera transcurrió en Italia, y buena parte de ella en La Scala, el templo milanés. Allí cantó roles de Mascagni, Leoncavallo, Puccini, Giordano,... aunque también Verdi, y alguna que otra incursión en el Belcanto.

Se retiró en 1919, dejando una serie de grabaciones desde 1905 hasta 1917 que recogen su estilo, un tanto tosco, pero de gran entrega e impacto emocional.

Voi lo sapete, o mamma (http://www.youtube.com/watch?v=3ut1_67lWyo)

Io son l'humile ancella (http://www.youtube.com/watch?v=Plg_DHaP07I)

Laggiù nel Soledad (http://www.youtube.com/watch?v=a9B2eYiqnPU)

Nervous Gentleman
October 5th, 2012, 10:29 PM
http://www.youtube.com/watch?v=kmcJvMLTanM&feature=youtu.be

Nervous Gentleman
October 7th, 2012, 12:36 AM
Alfredo Catalani - Loreley (1993) Acto Primero

con subtitulos en castellano.

:tiphat:


http://www.youtube.com/watch?v=_B3Y5hW_Wig

Nervous Gentleman
October 10th, 2012, 04:22 AM
Alfredo Catalani - Loreley (1993) Acto Segundo

con subtitulos en castellano.

:biggrin:


https://www.youtube.com/watch?v=ASK2hyTefGU

Loge
October 10th, 2012, 06:19 AM
Muchas gracias por ese enorme trabajo de subtitular en castellano. Espero ansioso el final.

Loge
October 11th, 2012, 07:44 AM
“Edipo Re” es la última y póstuma ópera de Leoncavallo, pues murió en 1919 antes de terminarla La labor de completarla le correspondió a Giovanni Pennacchio. Escrita para el barítono Titta Ruffo, el compositor le hizo jurar en el lecho de muerte que estrenaría la obra. Ruffo cumplió, y el 13 de diciembre de 1920 “Edipo, Re” se estrenaba en Chicago con gran éxito, según un telegrama que el propio cantante envió a la viuda de Leoncavallo. (Y que se puede consultar, junto con otros, en el Sistema bibliotecario ticinese – Fondo Leoncavallo Locarno (http://www.sbt.ti.ch/leoncavallo) El libreto es de Giovacchino Forzano, más conocido por serlo también del de “Gianni Schicchi”.

Los intérpretes principales del estreno fueron:

Edipo: Ruffo, Titta
Yocasta: Francis, D. [Soprano]
Creonte: Paillard, Albert [Tenor]
Tiresias: Defrère, Désiré [Barítono]
Director: Gino Marinuzzi


Las grabaciones de las que puedo dar razón son las siguientes (Los cantantes aparecen en el orden Edipo-Yocasta-Creonte-Tiresias-Corintio-Pastor):

Linz, 1960
Hugh Beresford , Erika Honnemann, Emil Maijkut, Günther Adam
Director: Joseph Strobl. Linzer Landestheater


Nápoles, 1970
Giulio Fioravanti, Luisa Malagrida, Luigi Infantino, Dino Dondi, Gianpiero Malaspina, Fernando Jacopucci
Director: Armando de la Rosa Parodi. Teatro San Carlo, Nápoles


Roma, 1972
Giorgio Lormi, Linda Vaina, Giuseppe Vertecchi, Maurizio Mazzieri, Saverio Durante
Director Pietro Argento. Orch sinf e coro di Roma della RAI


Hilversum, 1977
Michael Davidson, Paola Barbini, Gianni Bavaglio, Hubert Waber, Willem Laakman, Henk Kreukniet
Director: Kees Bakels. Großer Radio-Chor Radio-Orchester Hilversum


Viena, 1998
Alan Titus, Yvonne Naef, Keith Lewis, Cheyne Davidson, Roland Bracht, Johannes Chum
Director: Dennis Russell Davies. Vienna Radio Symphony Orchestra and Chorus


Turín, 2002
Renato Bruson, Raffaella Angeletti, Ezio Di Cesare, Alfredo Zanazzo, Carlo Morino, Alessandro Casentino
Director: Yoram David. Orchestra e Coro del Teatro Regio di Torino


Los fragmentos con los que seguiremos el argumento pertenecen a la de 1970.


[b]Argumento:
A la hora de escribir el libreto, Forzano siguió el texto de Sófocles con bastante fidelidad. Para quien le interese, la obra original de Sófocles puede leerse aquí: http://www.teatroenmiami.com/biblioteca/edipo.pdf

La historia de Edipo es bien conocida: un oráculo predice que Layo, rey de Tebas, será asesinado por su hijo, quien, después de ello, se casará con su madre. Horrorizado, Layo entrega al hijo recién nacido a un pastor con la orden de que lo mate en el monte, pero el hombre se ve incapaz de cometer un infanticidio y le da el bebé a un mensajero, quien lo lleva a la corte de Corinto, cuyos reyes, Pólibo y Mérope, lo adoptan al carecer de hijos propios. Edipo crece pensando que estos son sus padres, hasta que un día, un invitado borracho le hace dudar. Edipo emprende un viaje para consultar al oráculo de Delfos, y en un cruce de caminos se encuentra con Layo, a quien no conoce, y al que da muerte por una discusión absurda sobre preferencia de paso. Edipo llega a Tebas, sube al trono y se casa con la viuda de Layo, Yocasta, cumpliendo así la terrible predicción.

Pero ni Sófocles ni Leoncavallo nos cuentan esta historia de manera lineal, sino de una forma mucho más moderna: al estilo investigación policíaca. Al comenzar la obra, todos estos hechos han sucedido ya, y ante una epidemia de peste, Edipo hace de policía, interroga a varios testigos hasta que junta todas las piezas del puzzle (tampoco es tan difícil: son tres o cuatro piezas), y acaba descubriendo, horrorizado, que el asesino es él, y que, además, se ha casado con su madre.

La obra empieza la obra con unos acordes que intentan dar un toque dramático, y que, según un artículo de 2009 de Andrea Merli para mundoclasico.com, son acordes del tango “Jalousie”. El pueblo pide a su rey, Edipo, que le libere de la epidemia de peste que asola Tebas. Edipo replica que ya ha enviado a su cuñado, Creonte, a que pregunte al oráculo de Apolo la manera que librarse de la epidemia. Creonte informa de que Apolo ha prometido acabar con la epidemia si se cumple una condición: que se castigue al asesino del anterior rey, Layo, que está en la propia Tebas. Pero como el oráculo no da el nombre, y nadie de los presentes lo sabe, el rey manda llamar a Tiresias, anciano ciego que es adivino.

Mientras van a buscar al adivino, Edipo anuncia terribles castigos para el asesino o sus encubridores, si los hay. Llega Tiresias, pero se resiste a dar el nombre. Al final, ante las amenazas del rey, el anciano revela que el crimen lo cometió el propio Edipo. Este, que no es consciente de haber matado a Layo (pues ni siquiera lo conocía), se indigna ante la acusación, y cree que se trata de una conspiración de Creonte para derrocarle. Hace detener a ambos, Creonte y Tiresias, y los condena a muerte.

Declaración de Tiresias (http://www.divshare.com/download/13589639-7db)

EDIPO
¡Mientras tanto, tebanos, os hablaré!
Si alguno de vosotros sabe
quién asesinó al rey Layo,
¡le exijo que lo revele!
¡Si alguno conoce el nombre, y no lo revela,
sea excluido en los ritos y sacrificios!
¡Le estará prohibido adorar a los dioses!
¡Amor y familia, todo, le será negado en mi reino!
Y si permaneciese oculto en mi morada,
siendo yo reo, caiga sobre mí el castigo
que impuse a otros.
¡Pueblo! ¡Así lo ordena Edipo!

CORO
(murmurando)
¡Ese nombre nos es desconocido, señor!
¡Nadie conoce el nombre del asesino de Layo!
¡Aquí viene Tiresias!...

EDIPO
¡Al fin nos será revelado el misterio!

(Llega el adivino ciego, acompañado por Creonte.
Éste lo hace detenerse frente al palacio)

EDIPO
¡Estás delante del rey!
¡Sacerdote de Apolo,
el rey te pide completar el oráculo!
¡Revela al asesino de Layo y salva a Tebas!
¡Vamos, revela el nombre del asesino de Layo
y salva a Tebas! ¡Salva al rey!

(Pausa)

TIRESIAS
¡Déjame volver a mi hogar!
Permite que no responda a aquello que quieres.

(Se va)

EDIPO
¡Detente!
¿No puedes revelarlo?
¿Conoces al asesino?

TIRESIAS
¡Lo conozco!

EDIPO
¿Y no quieres revelarlo?

TIRESIAS
¡No quiero!

EDIPO
¡Tiresias!
¡Ah! ¿Pero no ves cómo la muerte
avanza inexorable!
¿No ves los lúgubres cuervos descendiendo
sobre la ciudad, convertida en cementerio?
¡Escucha la voz de tu rey que
truena y obliga a obedecer!
Te imploro llorando, ¡ah, salva a Tebas!
¡Revela el nombre del asesino de Layo!

TIRESIAS
Mejor para ti no saberlo nunca.

(Trata de marcharse)

EDIPO
¡La ira de Edipo es un rayo!
¡Revela el nombre!

TIRESIAS
¡No!

EDIPO
¡La flameante espada alzo sobre tu cabeza
cual mensajera de la muerte!

CORO
¡Tiresias!

TIRESIAS
¡Osado! ¿Me obligas a hablar?
¡Caiga la desgracia sobre ti!
¿Condenarás al exilio al asesino de Layo?
Pues bien, Edipo, ¡toma el cayado y márchate!
El asesino de Layo que ha infectado a Tebas,
¡eres tú!

EDIPO
¿Es ésta una trampa, Creonte?

CREONTE
¡Edipo!

EDIPO
¡Calla! ¡Creonte, fuiste un día mi amigo,
pero ahora conjuras para usurpar el trono!
¡Guardias! ¡Encadenadlos!
¡Que mueran ambos!

(los guardias se arrojan sobre ambos y
los encadenan)

CORO
¡Que mueran! ¡Que mueran!
¡La reina! ¡La reina! ¡Yocasta!


Aparece Yocasta entre música de arpas y pregunta a Edipo la razón de que su hermano esté preso. Edipo reitera la acusación de traición, que Creonte niega bajo juramento. Yocasta pregunta en qué se sostiene la acusación, a lo que su marido replica que en la profecía del oráculo. “Los oráculos también se equivocan” –dice Yocasta-. Sin ir más lejos: a Layo, un oráculo le dijo que lo mataría su hijo, pero todo el mundo sabe que murió a manos de unos bandidos en un cruce de caminos. Un sirviente escapó a la matanza pero huyó cuando subiste al trono” ¡Rayos! A Edipo se le enciende una lucecita: ese sirviente ¿está localizable? Sí, lo encontrarían fácilmente. Edipo hace que lo vayan a buscar y, mientras tanto, concede a Creonte y a Tiresias la libertad provisional.

Edipo prosigue el interrogatorio. Cuando se entera de que Yocasta tuvo un hijo con Layo pero que éste, por miedo al oráculo, mandó matarlo, empieza a atar cabos: él mató a alguien, cuyas señas coinciden, en un cruce de caminos, exactamente en el sitio donde se dice que murió Layo. La horrenda sospecha empieza a tomar forma en su mente. Yocasta aún confía en que el sirviente que han ido a buscar exculpe con su declaración a Edipo, al que trata de animar, y ambos cantan un lírico dueto: “¡Paz, serenidad! ¡Paz! ¡Paz!”

Duo de Yocasta y Edipo (http://www.divshare.com/download/13589665-2d3)

YOCASTA
¡Señor! ¡Estás desconcertado!

EDIPO
Habla, ¿tú y Layo tuvisteis algún hijo?

YOCASTA
Sí, pero a los pocos días de nacer,
por temor al oráculo, el rey lo hizo asesinar.

EDIPO
¡Ah, el oráculo profetizó que un príncipe
asesinaría a su padre!
Esa amenaza también recae sobre mí.
¡Negras nubes se forman y ofuscan mi mente!
¿Fueron mis padres Pólibo y Mérope de Corinto?
Un día, a la mesa, un invitado borracho me llamó
"hijo recogido por piedad"... ¡Contuve la ira!
Fui a Delfos a interrogar al oráculo...
¡Mi destino era matar a mi padre
y casarme con mi madre!
Atónito, salí huyendo de las tierras corintias.
Al entrar en la región de Fócida,
donde se cruzan los caminos de Delfos y Daulis,
vi venir una carroza con cinco ocupantes,
entre ellos, un hombre canoso.
Discutimos sobre la preferencia de paso...
¡Peleamos!... ¡El viejo me fustigó con su látigo!
¡De un golpe cayó muerto!
¡Me abalancé sobre los otros, y también los maté!
¡A todos menos a uno, que se dio a la fuga!
¡Oh, mujer! ¿Seré yo el asesino de Layo?
¡Horrendo destino!

YOCASTA
(Cariñosamente)
¡Edipo! ¡Edipo!
¡No temas, el pastor vendrá y dirá que Layo
fue asesinado por ladrones! ¡Oh, Edipo!
Desaparecerán de tu alma las negras nubes
y la dulce paz volverá al doliente rey.
¡Descansa, mi rey, sobre el corazón que te ama!
¡Que entre mis caricias
encuentre tu alma de nuevo la paz!..
¡Paz! ¡Serenidad! ¡Paz! ¡Paz!


Suenan trompetas. Es una embajada de Corinto, que viene a ofrecer el trono de esa ciudad a Edipo, pues ha fallecido Pólibo. Edipo rechaza esa corona, pues teme que, si vuelve, cumpla la parte del oráculo que predecía que se casaría con su madre. El embajador, pensando que va a arreglar la cosa, le informa de que Mérope no era su verdadera madre. Y puede decirlo con seguridad porque él mismo le cogió de manos de un pastor de Tebas y lo entregó a los reyes de Corinto.

De esta forma, Edipo se entera de que los que siempre creyó sus padres sólo lo eran adoptivos. Sólo le queda esperar que llegue el pastor, que es el sirviente que escapó a la matanza en la encrucijada, para que el círculo se cierre. Edipo y Yocasta comprendiendo que el oráculo se ha cumplido implacablemente, rompen con un escalofrío el abrazo en que estaban fundidos hasta ahora. Finalmente, llega el pastor, que lo confirma todo y, para que ya no quede duda alguna, reconoce a Edipo como el asesino de Layo.

Yocasta se suicida colgándose en su alcoba. Horrorizado, y medio loco ya, Edipo se despide de sus hijas, que también son sus hermanas, y, acudiendo a la llamada de Apolo, se sumerge en la noche horrenda, noche eterna, negra y profunda.

Final (http://www.divshare.com/download/13589712-9af)

(El coro se dispersa. El cielo se oscurece
progresivamente. Se ven relámpagos. La furia
de los elementos se desencadena, mientras en el
palacio, el inmenso drama humano, concluye en
su terrible tragedia. Edipo sale, yendo a tientas,
con el rostro ensangrentado y las cuencas de los
ojos vacías.)

EDIPO
(casi sollozando)
¡Oh, noche horrenda! ¡Oh, noche eterna!
¡Negra! ¡Profunda!
¡Borra de mí toda visión!
¡También la última, esa de la reina,
de la madre, de la esposa torturada!
Colgando de una cuerda por el cuello, impura,
balanceándose desde el techo de la alcoba.
¿Cómo volver a ver cualquier cosa humana?
¡Profanador de los amores más sagrados!
¡Engullid todo, tinieblas! ¡No ver nada!
¡No oír nada, salvo el rugido de mi alma!
Pasar entre los vivos como una sombra,
expiando mis culpas en eterno sufrimiento.
¡Oh, Tebas! ¡Adiós! ¡Vuelve la serenidad!

(Salen sus hijas, junto con Creonte)

¡El culpable de las desgracias de la ciudad, Edipo,
huye para siempre en las tinieblas! ¡Adiós!

(Se aleja. Se oyen sollozos)

¿Quién llora? ¿Quién llora en el palacio?
¡Mis hijas! ¿Quién os acompaña? ¡Eres tú!
¡No puedo decir tu nombre sin invocar tu perdón!

(Creonte, con un gesto, envía las niñas junto a
Edipo. Éstas se arrodillan a sus pies llorando.
Edipo las acaricia con sus manos)

¡Mis flores, no habrá más sol para vosotras!
¡Oh, blancas palomas, el cielo se os ha cerrado!
¡Suave Ismena, bella Antígona,
quiero acariciaros una vez más!

(Quiere abrazar a sus hijas pero, aterrado,
se retira bruscamente.)

¿Qué dices, Apolo?... ¡Sí!
¡Te escucho! ¡Te oigo, oh, inexorable!
¡Edipo está condenado a acariciar a sus hijas
con manos fraternas!
¡Horror! ¡Horror! ¡Horror!
Te obedezco ¡oh dios! y me marcho.
¡Creonte! ¡Te dejo toda mi vida!
¡Oh, amadas, olvidad a vuestro padre!
¡Ah!
¡Oh, noche horrenda, noche eterna,
negra, profunda, envuélveme en tu manto!
¡Oh, noche!

(Diciendo estas palabras, se aleja hacia la salida;
cae, se levanta. Creonte, dulcemente, ha tomado a
las niñas, que, estirando el brazo en dirección a
su padre, le dicen adiós. Edipo desaparece. Sus
hijas comienzan a llorar.)


(Traducción del libreto: Ana Paula Martin, para Kareol)

Termino la presentación con las palabras del anteriormente citado Andrea Merli y su escueto análisis de la obra:

"El ambicioso drama en un acto de Ruggero Leoncavallo "Edipo Re", sobre libreto de Giovacchino Forzano sacado de la homónima tragedia de Sofocles, que se estrenó póstumamente el 13 de diciembre de 1920 en Chicago (con el famoso barítono Titta Ruffo, que había prometido al autor en el lecho de muerte que interpretaría la obra) bien podría pertenecer al siglo precedente, pese a los intentos, a menudo conmovedores por su inocencia, de renovación de un lenguaje musical, el del padre del Verismo, completamente arraigado en la época decimonónica. Leoncavallo, en este ultimo trabajo, no resiste a la tentación de reanudar el canto abierto a una melodía mediterránea, espontánea y próxima al mundo de la 'canzonetta' que él con tanto éxito había recorrido.Los primeros acordes, aun intentando dar un toque dramático, son nada menos que los del celebre tango 'Jalousie' y en contados momentos, en el trascurso de la ópera el canto del barítono protagonista recuerda desde muy cerca el fatídico 'prólogo' de I pagliacci en la frase 'un nido di memorie in fondo all'anima'. Con todo, el 'mestiere' (el oficio) del honrado operista que tuvo más ambiciones que aciertos, garantiza un más que honorable resultado teatral y musical y, si la ópera hubiese sido compuesta con antelación a la que resultó su obra insuperada Pagliacci, podríamos considerarlo un halagador primer intento de un joven autor. Lástima que sea su testamento."

Schigolch
October 11th, 2012, 02:04 PM
Bueno, tampoco está tan mal como testamento.... :)

Schigolch
October 13th, 2012, 10:40 AM
Dos grandes cantantes italianos, Francesco Merli y Bianca Scacciati, en Loreley:


http://www.youtube.com/watch?v=esPDvvGuyHI

Nervous Gentleman
October 15th, 2012, 04:56 AM
Alfredo Catalani - Loreley (1993) Acto Tercero

con subtitulos en castellano.

Ghena Dimitrova (Loreley)
Giorgio Merighi (Walter)
John Rawnsley (Hermann)
Maria Pia Jonata (Ana)
Armando Caforio (Margrave)

Director de Orquesta: Gianfranco Masini

:sleeping:


http://www.youtube.com/watch?v=tQI-UoxA9gA

Loge
October 15th, 2012, 02:30 PM
¡Muchas gracias por tus subtítulos! Gracias a tu gran trabajo, es mucho más agradable ver y oir la ópera.

Schigolch
October 15th, 2012, 02:35 PM
Además la Dimitrova está en uno de sus mejores momentos. En cambio, el resto del cast no es nada del otro Jueves.

Schigolch
October 15th, 2012, 07:11 PM
http://ecx.images-amazon.com/images/I/41DV6NG05ZL._SL500_AA300_.jpg

El repertorio le viene un poco grande a la soprano, pero el concepto del album es muy interesante, desde luego:

1. Cecilia, opera: L'Annuncio (Per amore di Gesu porgete il core)
2. Loreley, opera (azione romantica) in 3 acts: Amor celeste ebbrezza
3. Risurrezione, opera: Giunge il treno... Dio pietoso
4. L'amico Fritz, opera (commedia lyrica) in 3 acts: Son pochi fiori
5. I gioielli della Madonna, opera: Intermezzo I
6. Le villi, opera: Se come voi piccina
7. Le villi, opera: Ricordi quel che dicevi
8. Il segreto di Susanna, opera: O gioia la nube leggera...
9. Conchita, opera: A fine di dicembre, l'anno scorso
10. Lodoletta, opera in 3 acts: Flammen, perdonami
11. I gioielli della Madonna, opera: Intermezzo II
12. Edgar, opera: Addio, addio mio dolce amor
13. Edgar, opera: D'ogni dolor... Nel villaggio d'Edgar


http://www.youtube.com/watch?v=NuMxvn8G3Cs

Loge
October 16th, 2012, 08:02 AM
Sí que es interesante el disco. Desde luego, no ha ido a lo más conocido del verismo.

Loge
October 17th, 2012, 05:58 AM
CYRANO DE BERGERAC,
de Franco Alfano

1.- La ficha
Basada en el drama de Edmund Rostand, con libreto de Henri Cain, Alfano compuso a mediados de los años 30 esta ópera que consta de 4 actos y dura unas dos horas y cuarto. El idioma original era el francés, pues estaba prevista estrenarla en Paris. Pero los italianos se adelantaron y la estrenaron, en su propio idioma, el 14 (o el 22, según otras fuentes) de enero de 1936 en Roma. Un crítico contemporáneo, Guido M. Gatti, afirmó que la ópera contenía “una escritura vocal difícil y tortuosa”, aunque también reconoció que “hay momentos de gran efectividad y exquisita poesía”.

Estos fueron los avispados italianos que la cantaron por vez primera:

Cyrano: Jose Luccioni (Tenor) Bueno, en realidad, éste era francés, de origen corso.
Roxane: Maria Caniglia (Soprano)
Christian: Alessio De Paolis (Tenor)
De Guiche: Giuseppe Manacchini (Barítono)
Le Bret: Ernesto Dominici (Bajo-Barítono)
Carbon: Giacomo Vaghi (Bajo)
Ragueneau: Emilio Ghirardini (Bajo)
Director: Tulio Serafin

El 29 de mayo de ese mismo año se pudo oir en francés en la Opera Comique de Paris, pero a continuación se presentó en el Teatro Colón de Buenos Aires, abriendo la temporada de 1937, nuevamente en italiano. Como las siguientes producciones fueron mayoritariamente italianas, (Nápoles 1938, Milán 1954 y grabaciones para la RAI) la obra se interpretó en ese idioma durante décadas. Pero desde la representación en Turín 1975 se ha recuperado el francés, y así es como se viene cantando últimamente, y como se hizo, por ejemplo, en las funciones de mayo de 2012 en el Teatro Real de Madrid con Plácido Domingo, Ainhoa Arteta, Michael Fabiano y Angel Odena.

Discografía:

1947: R. Pigni, J. Magnoni, B. Vizzani, A. Reali. Orquesta de la RAI. Director: Tulio Serafin

Milán, 1954: R. Vinay, A. De Cavalieri, A. Vicentini, R. Panerai, C. Badioli. Orquesta y Coro de La Scala. Director: Antonino Votto

Milán, 1961: A. Lazzari, A. De Cavalieri, P. de Palma, U. Savarese. Orquesta de la RAI de Millán. Director: Armando la Rosa Parodi

Turín, 1975: W. Johns, O. Stapp, E. di Cesare, A. Blancas, C. Strudthoff. Orquesta y Coro de la RAI de Milán. Director: M. Arena

Kiel, 2002: R. Sadnik, M. Uhl, P. McNamara, W. Newerla. Orquesta Filarmónica de Kiel. Director: Marcus Frank

Montpellier, 2003: R. Alagna, N. Manfrino, R. Troxell, N. Rivenq, M. Barrard, J. Azzaretti. Orquesta Nacional de Montpellier. Director: M. Guidarini

Nueva York, 2005/2006: P. Domingo/A. Barasorda, S. Radvanovsky, R. Very, A. Michaels-Moore, R. De Candia, J. Robbins. Orquesta del Met. Dir: M. Armilliato

Nueva York, 2006: P. Domingo, C. Lawrence, F. de la Mora, K. Josephson, J. Robbins. Orquesta del Met. Director: M. Armiliato

Valencia, 2007: P. Domingo, S. Radvanovsky, A. Chacón-Cruz, R. Gilfry, N. di Pierro. Orquesta de la Comunidad de Valencia. Director: P. Fournillier

Milán, 2008: P. Domingo, S. Radvanovsky, G. Villar, P. Spagnoli, C. Sgura, S. Alberghini. Orquesta y Coro de La Scala. Director: P. Fournillier

Valencia, 2009: P. Domingo, S. Radvanovsky, R. Gilfry, C. Caruso, R. Accurso, J. Franco, Orquesta de la Comunidad de Valencia. Director: P. Fournillier

San Francisco, 2010: P. Domingo, A. Arteta, T. Arancam, S. Powell, T. Mix. Orquesta de la Opera de San Francisco. Director: P. Fournillier

Como puede verse, en la última década esta ópera ha conocido un revival bastante notable, con algunos nombres que se repiten en varias versiones: Plácido Domingo y Sondra Radvanovsky le han tomado el gusto a los roles de Cyrano y Roxana respectivamente. La versión de Kiel podría calificarse de “exótica”. Con todo, la más difundida parece ser la de 2003, con Roberto Alagna en el papel protagonista. Es la que voy a utilizar para poner algunos vídeos, y la que se puede escuchar en spotify (http://open.spotify.com/track/2wmupN4zj3f89h5UY2GwN5), donde también tenemos la de 1975 (http://open.spotify.com/album/1Ei6bKSbyjY7wcM9BYrrLz), protagonizada por Williams Johns. Algunas de Plácido Domingo circulan bastante por Youtube.

El libreto está traducido por José Luis Roviaro en http://www.kareol.es/obras/cyranodebergerac/cyrano.htm y de aquí voy a tirar para poner los textos.


2.- Cyrano, el de verdad.
El personaje en el que se inspira es real: Savinien de Cyrano nació en París el 6 de marzo de 1619 y más tarde adoptó el nombre “De Bergerac” por ser la tierra que pertenecía a su padre. A los veinte años entró en una milicia de Cadetes de Gascuña. Rápidamente ganó notoriedad por los muchos duelos en que se vio envuelto, a causa, según las historias modernas, (y, sobre todo, la obra de Edmund Rostand) de los insultos a su enorme e inusual nariz. Al verdadero Cyrano, sin embargo, parecía agradarle su nariz y solía decir: “Una nariz enorme es la marca de un hombre gracioso, cortés, amable, generoso y liberal”. No existen pruebas de que se batiera en duelo alguna vez para defender el honor de su nariz, más allá de lo que hayan sido sus verdaderos sentimientos.

En la obra de Rostand se le representa como un experto esgrimista y un líder militar. Sin embargo, el verdadero Cyrano le dedicó poco tiempo a las fuerzas armadas. Fue enviado a la guerra dos veces y fue herido al principio de ambos conflictos. Después de que lo hirieran seriamente por segunda vez en el Sitio de Arras en 1640, Cyrano se retiró del servicio militar. Estudió filosofía y escribió varias tragedias y comedias. También algunas novelas, como « Voyage dans la Lune » (1657) y « L´historie des États et Empires du Soleil » (1662), en las que se narran viajes fantásticos al espacio exterior, y en la actualidad son consideradas como las primeras obras de ciencia-ficción en el mundo. Los textos combinaban observaciones de las ciencias naturales con una mirada satírica a la naturaleza humana. Muchos de sus escritos los tuvo que censurar su amigo cercano y editor Henri Le Bret, inmortalizado como el mejor amigo de Cyrano en la obra de Rostand. Falleció en 1655.

(Fuente: Todoperaweb.com)


3.- El argumento.

Acto I
Borgoña, 1640. Durante una función teatral, nos enteramos de que la hermosa Roxana es pretendida por el señor De Guiche y por dos cadetes del Cuerpo de Gascuña: Christian, que es un joven noble recién ingresado en el cuerpo; y Cyrano, veterano soldado que, al par que consumado espadachín, es un delicado poeta, y que se presenta musicalmente con la “Balada del duelo”:


http://www.youtube.com/watch?v=p3mBd5-WfdQ


EL VIZCONDE
¿Qué significa eso?...

CYRANO
¡Es el título!...

LOS PARROQUIANOS
¡Dejad espacio!... ¡ Esto es muy divertido!
¡Apartaros!... ¡No estorbéis!...

Balada

CYRANO
¡Arrojo al aire mi sombrero,
lentamente me desprendo
de esta capa que me abriga,
y desenvaino mi espada!
¡Elegante como Céladon,
ágil como Scaramouche,
se lo advierto, estimado Mirmidon,
que al final del duelo el que tocará seré yo!
(cruzan ceremoniosamente sus floretes)

Hubiera sido mejor para vos, quedar al margen...
¿Dónde trincharé al pavo?
¿En el costado, bajo la axila?
¿En el corazón, bajo su medalla? ¡Ah!
Los floretes resuenan... ¡Ding! ¡Don!
¡La punta de mi acero zumba como una mosca!
¡Definitivamente será en la panza...
donde al final del duelo lo tocaré!
Pero... aún me falta una rima más...
¡Usted ofrece más blanco que el almidón!
¡Por fin encontré la rima, mequetrefe!
¡Tac! Detengo la punta del florete,
que vos esperabais regalarme.
Abro la línea... paro la estocada...
¡Sostened con fuerza el arma, Laridon!
¡Príncipe, vaya pidiendo perdón a Dios.
Doy un paso, esquivo...
corto, hago una finta, y al final del duelo
¡el que toca soy yo!...


Cyrano le profesa un gran y oculto amor a Roxana, que es prima suya, pero sabe que, a causa de la enorme nariz que le afea el rostro (a Cyrano), nunca será amado ni por su prima ni por mujer alguna. Sin embargo, al acabar la función Roxana, a través de su dueña, le cita para el día siguiente en casa del pastelero Ragueneau, lo que hace concebir esperanzas al espadachín. Paralelamente, éste se entera de que De Guiche ha enviado cien matones a la puerta de Nesle para dar un escarmiento a Ligniére (amigo de Cyrano) que debe pasar por ahí para volver a casa. Cyrano decide enfrentarse a ellos y sale hacia la puerta de Nesle.


Acto II
Escena 1ª
Al día siguiente, Cyrano y Roxana se encuentran en la pastelería de Ragueneau, pero todas las esperanzas del narigudo militar se vienen abajo cuando su prima le confiesa que está enamorada de Christian y, apelando al parentesco y a la amistad que les unió de niños, le pide encima que proteja a su prometido, pues sabe que los cadetes se ceban con todo el que entra en la compañía por recomendación, como es el caso de Christian. Cyrano accede, qué remedio.

Se marcha la bella y hace acto de presencia el pastelero, acompañado por varios oficiales y cadetes del regimiento (entre ellos, Christian), que vienen a felicitarle por haber salido victorioso de su enfrentamiento con los matones. Con ellos vienen también, bastante molestos, De Guiche y algunos de sus hombres, a los que Cyrano y el oficial Carbon, todo orgullosos, desairan cantándoles el dueto “Estos son los cadetes de Gascuña”.

Cyrano se queda a solas con Christian y le informa de que Roxana le corresponde y espera que le escriba una carta. Al oir esto, el joven se desespera, pues es tímido y torpe a toneladas: no sabe expresarse, no tiene elocuencia. Pero como a Cyrano le sobra, se ofrece a escribir la carta por él.

Escena 2ª
Una calle y el balcón de Roxana. El señor De Guiche, que parte hacia la guerra, se despide de Roxana. Le han puesto al frente del regimiento de Cyrano, y planea aprovechar su autoridad para vengarse de éste, enviándole al puesto más peligroso, por el ridículo en que le dejó en el asunto de los matones. Como Roxana se expresa con ambigüedad calculada, De Guiche se va creyendo que es amado por ella.

Llega Cyrano. Roxana le dice que espera que Christian tenga maneras y sepa expresarse galantemente. Por eso, en lugar de cartas y discursos preparados, esa noche le va a pedir que improvise sus parlamentos amorosos. Cuando aparece el joven, Cyrano le transmite su conversación con Roxana. Al principio, Christian lo intenta por sí mismo, pero sus palabras son burdas, sin ingenio, y Roxana opta se marcha dejándolo plantado: “Me das pan duro cuando yo esperaba un pastel. Tu pobre oratoria me desagrada tanto como me desagradaría que te volvieras feo”. Christian pide ayuda, y, tras lograr que Roxana vuelva, empieza a repetir las bellas palabras que Cyrano, oculto, le va apuntando. ¡Esto ya es otra cosa! Menudo cambio, piensa Roxana, que para premiar a su amante, le invita a subir al balcón y allí se abrazan y se besan apasionadamente, mientras el pobre Cyrano contempla la escena desde abajo, comiéndose las uñas.

Presenciemos la escena del balcón:


http://www.youtube.com/watch?v=0yGOC3uchTc



CYRANO
Ponte allí, frente al balcón...
yo me quedaré oculto aquí...
y susurraré las palabras...

CHRISTIAN
Pero...

CYRANO
¡Cállate!... ¡Llámala!

CHRISTIAN
¡Roxana!

CYRANO
Inténtalo con algunas piedras...

(Arroja una piedras contra la ventana)

ROXANA
¿Quién me llama?

CYRANO
Yo...

ROXANA
¿Quién?

CHRISTIAN
Christian.

ROXANA
¿Eres tú?

CHRISTIAN
Quisiera hablar contigo.

CYRANO
¡Bien! ¡Bien! Habla en voz baja.

ROXANA
¡No! Tú hablas demasiado mal... vete...

CHRISTIAN
¡Por favor!

ROXANA
¡No! ¡Tú no me amas!

CHRISTIAN
¡Por Dios,
me acusas de no amarte
cuando más te amo!

ROXANA
¡Bien! ¡Así está mejor!

CHRISTIAN
El amor crece y se mece en mi alma inquieta
que el cruel niño ha tomado por cuna.

ROXANA
Mucho mejor.
Pero por qué hablas de manera tan pausada.

CYRANO
¡Silencio! Esto se pone demasiado difícil.

ROXANA
Hoy tus palabras son vacilantes. ¿Por qué?

CYRANO
(Sacando de un empujón a Christian de debajo
el balcón y ocupando su lugar)
Porque ya oscureció. Y en esta sombras
mis palabras buscan a tientas tus oídos...

ROXANA
¡Las mías no tienen esa dificultad!

CYRANO
¿Las encuentras inmediatamente?
¡Oh! Las tuyas caen por su propio peso,
directamente a mi corazón, donde las recojo.
Yo tengo el corazón muy grande
y tú el oído pequeño.
Por otra parte tus palabras descienden,
rápidamente; mientras que las mías
necesitan tiempo para ascender..

ROXANA
¡Pero ahora, ascienden mucho mejor!

CYRANO
¡Oh! ¡Qué adorables instantes!
Apenas nos adivinamos en la penumbra.
Tú ves la negrura que arrastra mi larga capa.
Y yo percibo la blancura de tu ligera túnica.
¡Yo soy una sombra, y tú, la claridad!
¡Ah! No sabes lo que significan estos instantes
para mí. Si alguna vez fui elocuente...

ROXANA
¡Lo fuiste!

CYRANO
... nunca hasta ahora mis palabras salieron
tan directamente de mi corazón.

ROXANA
¿Por qué?

CYRANO
Porque hasta ahora sólo hablaba a través de...

ROXANA
¿De qué? ¿De qué?

CYRANO
Del vértigo que siente quien está bajo tu mirada.
Pero esta noche, me parece,
que estuviera hablándote por primera vez.

ROXANA
Sí, tu voz me parece distinta.

CYRANO
Sí, es otra, pues la noche me protege
y por eso me atrevo finalmente a ser yo mismo
¿Qué te decía?... Perdona mi emoción.
Pero es tan delicioso, es tan nuevo para mí...

ROXANA
¿Tan nuevo?

CYRANO
Nuevo, sí...
Pero para ser sincero, temo que te burles de mí...

ROXANA
¿Que me burle de ti?

CYRANO
¡Sí, de... de mi arrebato amoroso!

ROXANA
¿Y bien?

CYRANO
Los sentimientos amorosos que te lanzo
como un ramillete de flores:
Te amo, me sofoco... y te amo...
Estoy loco... no puedo más.
Tu nombre está en mi corazón como un cascabel,
que al sonar me hiciera estremecer, Roxana.

ROXANA
¡El cascabel se agita... y mi nombre resuena!
¡Sí, esto es verdadero amor!...

CYRANO
Un amor terrible y celoso...

ROXANA
¡Es realmente amor!
¡Un amor sutil y dulce!

CYRANO
¿Empiezas a entender?
¿Te das cuenta?
¿Notas como mi alma
se crece en esta sombra?
¡Oh, esta noche
todo es bello y dulce para mí!
¿Yo? ¿Tú? ¡Es demasiado!
¡Nunca esperé tanto!
¡Ahora sólo me queda morir!
Pues siento el temblor
de tu adorada mano descendiendo
a lo largo de las ramas del jazmín.
Tiemblas como una hoja entre las hojas.
¡Tú tiemblas, te estremeces!

ROXANA
Sí, tiemblo, y lloro, y te amo, y soy tuya.
¡Me amas y me has embriagado!
¡Que venga la muerte!
¡Eres tú quien provoca mi embriaguez.

CYRANO
Sólo pido una cosa...

CHRISTIAN
¡Un beso!

ROXANA
¿Eh? ¿Qué pides?

CHRISTIAN
(a Cyrano)
¡Consígueme ese beso!...

CYRANO
(con pasión)
Un beso... un beso que signifique
la promesa de estar pronto unidos.

ROXANA
Una promesa,
un juramento confiado al viento...

CYRANO
El punto rosado de la "i" del verbo aimer...

ROXANA
Un secreto que se pronuncia con los labios...

CYRANO
Un instante de eternidad
que susurra a nuestro lado...

ROXANA
Una comunión con sabor a flores...

CYRANO
Un modo de respirar con el corazón,
de sentir el alma
en el borde de los labios...

ROXANA
¡Sube a recoger... esta flor... sin igual!

CYRANO
(a Christian)
¡Sube!...

ROXANA
Ese sabor a flor...

CYRANO
¡Sube!...

ROXANA
Ese zumbido infinito...

CYRANO
¡Sube ya!...

CHRISTIAN
Quizás no sea lo más correcto...

ROXANA
¡Un instante de eternidad!

CYRANO
(empujándolo)
¡Sube de una vez, animal!

(Christian trepa a la balaustrada,
llega hasta el balcón y abraza a Roxana
que lo besa)

ROXANA, CHRISTIAN
¡Oh! ¡Mi Christian! ¡Mi Roxana!
¡Oh! ¡Mi corazón! ¡Beso, fiesta del amor!...
¡Sí! ¡Siento que llegas hasta mi alma!
¡Ah! ¡Besar, festín de amor!...



Acto III
Estamos en el sitio de Arras, donde el ejército francés está cercado por las tropas españolas. (Aunque creo que, históricamente, fue al revés: los sitiadores fueron los franceses) Amanece. Cyrano vuelve herido del exterior tras haberse jugado la vida, como todos los días, por llevar a Roxana una carta de amor supuestamente escrita por Christian, pero cuyo autor, en realidad, es él. Llega De Guiche, quien informa a los presentes de un inminente ataque español y, dado que medio regimiento está ausente, la masacre es segura. Christian pide a Cyrano que escriba en su lugar una carta de despedida a Roxana. Pero el protector se ha anticipado: ya la tiene escrita y se la da.

En ese momento, llega Roxana en un carruaje. Ha traspasado las líneas enemigas gracias a la caballerosidad de los españoles, que la dejaban pasar cuando les decía que iba a reunirse con su amante. A solas con éste, le confiesa que, si al principio se enamoró de él por su aspecto físico, ahora le quiere por la pureza de alma que ha demostrado en sus cartas, y que le seguiría amando aunque se volviera deforme. Christian se queda destrozado, pues se da cuenta de que, al final, de quien se ha enamorado Roxana sin saberlo es de Cyrano. Al mismo tiempo comprende que éste también la quiere a ella. El muchacho está a punto de revelar la verdad, cuando comienza el ataque español. Christian cae muerto. Roxana encuentra en sus bolsillos la carta de despedida y se desmaya. El combate continúa mientras baja el telón.


Acto IV
París, quince años después. Roxana se ha acogido a un convento. Viste de luto por Christian desde la batalla de Arras. Está esperando a Cyrano, que la visita con frecuencia. Este se presenta, empobrecido, viejo y enfermo. Melancólicamente, ambos recuerdan al fallecido amante, cuya postrera carta saca Roxana. Al principio, Cyrano la lee, pero se hace de noche, y como a pesar de la oscuridad y de ser evidente que ya no puede ver lo escrito, el poeta sigue leyendo, Roxana se da cuenta de la verdad: Cyrano se la sabe de memoria porque es el verdadero autor de las cartas y le ha amado siempre. Pero es demasiado tarde: el poeta ha acudido a la cita por última vez, pues ha recibido una herida en la cabeza y expira en brazos de su amada, entre los cánticos de las monjas que se oyen en el exterior.



http://www.youtube.com/watch?v=irdo2zvAKoQ

ROXANA
(De pie, cerca de él)
¡Cada uno de nosotros tiene su propia herida!...
¡Yo tengo la mía siempre abierta!
¡Es ésta!... Esta vieja carta amarillenta,
donde aún se ven lágrimas y sangre...

CYRANO
¡Su carta!... ¿No me dijiste hace tiempo
que quizás un día me permitirías leerla?

ROXANA
¡Ah! Quieres leer... su carta...

CYRANO
Sí... sí quiero leerla...

ROXANA
(Sacándola de un relicario colgado de su cuello)
Toma...

CYRANO
¿Puedo abrirla?...

ROXANA
Ábrela... y lee...

(Roxana regresa a su telar, lo pliega y recoge
las lanas.)

CYRANO
¡Roxana... adiós! ¡Voy a morir!
Es por eso, que creo... amada mía,
que siento mi alma llena de un profundo amor.
Me muero.

ROXANA
¡Qué bien lees su carta!

CYRANO
Nunca... nunca más... mis ojos embriagados...
mis miradas, que no conocieron otro placer,
besarán en el aire tus gestos...

(La noche avanza imperceptiblemente.)

ROXANA
(Turbada)
¡De qué forma lees la carta!...

CYRANO
... y quisiera gritar... y grito: ¡Adiós!

ROXANA
La lees...

CYRANO
Amada mía, mi querida,
mi tesoro, mi amor...

ROXANA
... con una voz
que no es la primera vez que la oigo...

(Roxana se acerca quedamente, pasa por
detrás del sillón, se inclina y observa la carta.)

CYRANO
Mi corazón no te abandona ni un segundo, y soy,
y seré aún en el otro mundo,
aquel que te ama sin medida... aquel...

ROXANA
¿Cómo puedes seguir leyendo?
¡Ya ha oscurecido!.... ¿Tú eras...

CYRANO
¡No! Roxana...

ROXANA
Las cartas... ¡Eras tú!

CYRANO
¡No! ¡No! Te lo juro...

ROXANA
Las palabras amorosas, delirantes... ¡Eras tú!
La voz en la oscuridad de la noche... ¡Eras tú!

CYRANO
Te lo juro...

ROXANA
El alma era la tuya...

CYRANO
Yo no te amaba...

ROXANA
Tú me amabas...

CYRANO
Era el otro...

ROXANA
Me amabas...

CYRANO
¡No!...

ROXANA
Lo dices sin convicción...

CYRANO
¡No! ¡No! ¡Mi amor! ¡Nunca te amé!

ROXANA
¡Cuántas cosas murieron
y cuántas nacieron!...
¿Estas lágrimas fueron tuyas?

CYRANO
¡Pero la sangre era de él!

ROXANA
Entonces, ¿por qué permitir que este sublime
silencio... se rompa... hoy?...

CYRANO
¿Por qué?...

(Le Bret y Ragueneau entran apresuradamente.)

LE BRET
¡Ah! ¡Estaba seguro... ¡Aquí está!

RAGUENEAU
¡Se ha matado al levantarse, Señora!...

ROXANA
Hace un momento... esa debilidad... ese...

(Un rayo de luna va envolviendo a Cyrano)

CYRANO
Es verdad, no terminé mi reseña...
Y el sábado veintiséis una hora antes de la cena,
el Señor de Bergerac murió asesinado.

(Se quita el sombrero y deja ver su cabeza vendada.)

ROXANA
Pero ¡tiene sangre en la cabeza!...

RAGUENEAU
Lo golpearon por detrás, con un tronco...

ROXANA
¡Dios mío! ¡Dios mío!

(Suena la campana de la capilla. Se ven pasar
a varias monjas.)

¡Hermana!

CYRANO
¡No! ¡No! No llames a nadie...

ROXANA
Te amo, ¡vive!...

CYRANO
¡No!

ROXANA
He sido la causa de tu infortunio.

CYRANO
¿Tú? ¡Oh! Me voy... perdón...
¡Aquí no! No en un sillón.
No me sostengas. ¡Que nadie lo haga!...
Llevadme junto al árbol...
Ella ya está aquí.
¡La esperaré de pie... y con la espada en la mano!

(Desenvaina la espada.)

LE BRET
¡Cyrano!

ROXANA
¡Cyrano!

(Todos retroceden espantados.)

CYRANO
Creo que ella se atreve a mirar mi nariz.
¿Qué significa todo esto? ¡La mentira!
¡Los compromisos! ¡Los prejuicios!
Sé muy bien que finalmente
van a acabar conmigo.

(Lanza estocadas al vacío.)

¡No importa! ¡Lucharé! ¡Lucharé!
¡Sí, me batiré! ¡Sí! ¡Sí!

(Se detiene falto de respiración.)

LAS MONJAS
(desde el exterior)
Mater Dei dolorosa, Mater Domini, Mater
Christi Sancta, ora, ora, ora, Mater...

CYRANO
Entre todos me quitaron... el laurel y la rosa...
¡Todo! Pero hay una cosa que me llevo...
algo sin pliegues... sin tacha... es...

(La espada se escapa de sus manos.)

ROXANA
¿Y es?...

CYRANO
(casi sin voz)
¡Mi arrogancia!

(Vacila, cae en brazos de Le Bret y Ragueneau.
Roxana se inclina sobre él y lo besa tiernamente
en la frente.)

Schigolch
October 18th, 2012, 12:31 PM
Pero desde la representación en Turín 1975 se ha recuperado el francés, y así es como se viene cantando últimamente, y como se hizo, por ejemplo, en las funciones de mayo de 2012 en el Teatro Real de Madrid con Plácido Domingo, Ainhoa Arteta, Michael Fabiano y Angel Odena.



Estuve presente en dichas funciones, y dejé una reseña aquí en Opera Lively (en inglés): http://operalively.com/forums/showthread.php/882-Cyrano-de-Bergerac-at-Teatro-Real

Schigolch
October 20th, 2012, 09:07 AM
http://www.musicweb-international.com/classrev/2011/Mar11/creators_of_verismo-520622.jpg

Muy recomendable serie, aunque enfocada mas en los cantantes (que aparecen no solo en arias "veristas", sino tambien en Verdi, opera francesa,...), que en su afiliacion al movimiento "verista":


http://www.youtube.com/watch?v=f9bF-1T4UGs

Schigolch
October 22nd, 2012, 05:48 PM
Leyla Gencer cantando un aria tardo-verista, procedente de la ópera Monte Ivnor, de Lodovico Rocca.


http://www.youtube.com/watch?v=KNL-k9wkvNE

Loge
October 22nd, 2012, 06:11 PM
¡Qué miedo da! :scared2:

Loge
October 24th, 2012, 05:44 AM
MARGHERITA DA CORTONA,
de Licinio Refice

El éxito de “Cecilia” animó a Licinio Refice a seguir por la misma o parecida senda, y tratar en su segunda ópera la historia de Santa Margarita de Cortona. Fue su última ópera completa, pues aunque empezó una tercera, “Il Mago”, murió en Rio de Janeiro (1954) antes de escribir los últimos acordes, mientras veía ensayar a Renata Tebaldi una representación de “Cecilia”.

Se estrenó el 1 de enero de 1938, abriendo la temporada de La Scala, con Augusta Oltrabella (Margherita), Tatiana Menotti (Chiarella), Niny Giani (madrastra de Margherita), Giovanni Voyer (Uberto), Fernando Valentini (Arsenio), Tancredi Pasero (padre de Margherita), y Pompilio Malatesta (Juez) Dirigió la orquesta Franco Capuana De La Scala, pasó al Teatro dell’Opera de Roma, donde el 4 de septiembre de 1939 Oltrabella repitió en el papel protagonista, pero cambió de primer amante: el rol de Arsenio lo cantó un jovencísimo Tito Gobbi. El resto del reparto fue: Emilia Vidali (Chiarella), Giuseppina Sani (madrastra de Margherita), Renzo Pigni (Uberto), Ernesto Dominici (padre de Margherita) y Gino Conti (Juez) Director de orquesta: Tullio Serafin. Maestro del coro: Giuseppe Conca. Fue representada durante dos años consecutivos en el Teatro San Carlo de Nápoles, y de allí pasó al Massimo de Palermo, el Comunale de Piacenza, el Alfieri de Turín y el Liceo de Barcelona.

La única grabación existente es de 24 de junio de 1969, y corre a cargo de Antonietta Cannarile Berdini (Margherita, sopr), Nelly Pucci (Chiarella, sopr), Miriam Pirazzini (madrastra, mezzo), Ottavio Garaventa (Uberto, tenor), Carlo Meliciani (Arsenio, barít), Luigi Roni (padre, bajo), Giannicola Pigliucci (Juez, bajo) Director: Danilo Belardinelli. Maestro de coro: Giulio Bertola. Orquesta Sinfónica y Coro de la RAI de Milán.

Con libreto de Emidio Mucci, y estructurada en un prólogo y tres actos, cuenta la vida de la santa, aunque con cambios que aumentan el dramatismo y la teatralidad. Lo que hizo la Margarita de Cortona real, que vivió en el siglo XIII, fue esto: habiendo fallecido su madre y casado su padre por segunda vez, cargó con todo el odio y los malos tratos de su madrastra. Recibió proposiciones deshonestas de un noble local, con el cual se fue, abandonando casa y familia, y vivió en pecado durante ocho años, al cabo de los cuales apareció él muerto tras una partida de caza. Un cachorrillo que tenía Margarita fue quien le avisó, y ella encontró el cuerpo, ya medio descompuesto, entre unos matorrales. (Por lo cual se le representa siempre acompañada del perrillo). Desolada, ingresó en un convento franciscano de Cortona, donde se sometió a una dura penitencia, se ganó el favor del pueblo llano y acabó subiendo a los altares.

La historia que cuenta Refice toma algunos hechos reales (la existencia de una odiosa madrastra, la fuga de Margherita, la muerte del amante durante la partida de caza), pero añade muchos otros para aumentar el dramatismo: el intento de Margherita de volver a casa y la oposición cerrada de su madrastra, una anterior amante del primer amante, un segundo amante, un juicio por asesinato, una guerra civil...

Todo esto se combina en la obra de la forma siguiente:

Prólogo:

Ante el palacio del Duque de Cortona, Arsenio está a punto de salir para una cacería. Margarita, su actual amante, trata de impedírselo, pues ha tenido un sueño lleno de funestos presagios, pero Arsenio se muestra seguro y se ríe de las aprensiones de su amada. Esta, para retrasar la partida, se pone a recordar su vida de niña: cómo su madre murió, su padre tomó una nueva esposa que la odió y maltrató desde el primer día, y por eso se fugó de casa.

Un giorno, la mamma (http://www.divshare.com/download/14591066-786)

Arsenio, impaciente por empezar la cacería, dice que no se asusta por un sueño y se va despreocupadamente. Apenas ha partido, aparece Chiarella, anterior amante de Arsenio, quien la dejó por Margherita. Se entabla una fuerte discusión entre las dos mujeres, que se insultan y se recriminan mutuamente sus bajos orígenes (pastora una, hija de campesinos la otra) Margarita se da media vuelta, entra el castillo y Chiarella se vuelve a los campos.

Regresan los cazadores, con el cadáver de Arsenio sobre unas parihuelas. Fue golpeado por unos desconocidos en el bosque. Margherita sale del palacio y se abalanza sobre el cuerpo de su amado. En un acceso de rabia, jura que ella misma arrancará el corazón del pecho al asesino. En ese momento pasa un grupo de penitentes que canta un himno a la cruz. Margherita se queda suspensa durante un momento, pero inmediatamente vuelve a lanzar desesperados gritos de venganza, con lo que termina el Prólogo.

Final del Prólogo (http://www.divshare.com/download/14591134-383)


Acto I

Margherita se encuentra con otro noble, Uberto, que también la ama y por eso ha contratado a unos sicarios para que se deshagan de su rival Arsenio. Margherita desconoce tanto una cosa (que la ama en secreto), como la otra (que es el responsable del asesinato) Uberto le informa de que ya han sido detenidos los culpables del crimen. Unos pastores: Chiarella y sus dos hermanos.

Tratando de obtener progresos amorosos, Uberto le hace ver que ahora está sola. Pero en vez de irse con él, lo que decide ella es volver a casa de su padre. El joven, de todas formas, está seguro de que el plan de Margherita no va a funcionar, pues sabe que la madrastra no sólo la odia, sino que además tiene dominado al padre. Este se resiste inicialmente a aceptarla (al principio cree que vuelve porque la han echado de casa del conde) pero, en vista del arrepentimiento que muestra su hija, acaba reconciliándose con ella. La música, bastante agitada, se remansa un momento para ofrecer tintes oníricos, pues Margherita le dice que ha sido “la povera mamma” muerta la que, en un sueño, le ha sugerido que vuelva a casa. Abrazados paternofilialmente están, cuando la madrastra vuelve de misa y los encuentra así. Ni qué decir tiene que expulsa a Margarita, y con bastantes malos modos además.

Reencuentro entre padre e hija y la discusión con la madrastra (http://www.divshare.com/download/14591177-047)


En la calle, los fieles que salen de misa se encuentran con Margherita, que les cuenta lo sucedido. Se entabla una especie de proceso popular, donde las mujeres están por el perdón y los hombres por la mano dura. Acaban ganando estos últimos, las mujeres se vuelven a casa, y la madrastra se despide deseándole un sarcástico “Buona sorte”.Uberto, que ha permanecido escondido y lo ha visto todo, reaparece para prometerle la felicidad si se va con él. Como ya no le quedan opciones, Margherita cede: “Soy una hoja al viento, una cosa perdida... Confío en ti, Uberto. ¡Llévame, llévame!”


Acto II

Margherita se ha ido con Uberto, pero en realidad no se le ha entregado. Vive en Cortona, donde se ha convertido en la guía espiritual de la ciudad, predicando contra las riquezas de los nobles, los comerciantes y el clero. Uberto le advierte que corre peligro, le propone fugarse, y durante la conversación salen a relucir algunas palabras con las que Margherita cae en la cuenta: ha sido Uberto quien ha hecho asesinar a Arsenio e inculpar a Chiarella y sus dos hermanos. Margherita se horroriza, pero el noble, aunque acepta llevar esa culpa sobre su conciencia, no está dispuesto a confesar ni a pagar por ello.

Redoble de tambor. Un heraldo anuncia que Chiarella y sus hermanos, declarados culpables del asesinato de Arsenio, han sido condenados a la horca. Detrás viene el cortejo con los condenados. Margherita se rebela contra esa injusticia, y ante el Juez y el pueblo proclama la inocencia de los tres. El Juez cambia el veredicto y deja libres a los acusados “porque Margherita, inspirada por Dios, lo proclama”.

Escena (http://www.divshare.com/download/14591286-01c)


Ahora es a Uberto a quien se le piden explicaciones por su falsa acusación, pero éste, nada acostumbrado a darlas, reúne en torno a sí al partido de los nobles y sale de la ciudad amenazando venganza.. El acto termina con manifestaciones de agradecimiento por parte de Chiarella hacia Margherita.


Acto III

Tras un asedio de la ciudad, durante el cual Uberto ha contado con el apoyo de Siena, el partido de los nobles ha ganado y entra vencedor en Cortona. Lo primero que piensa hacer Uberto es ajustar cuentas con “esa Maddalena, esa bellísima, que se ha impuesto a los gobernantes, fomenta la lucha entre partidos y tiene en un puño al pueblo y al clero.” Podemos apreciar el tratamiento que hace Refice de los coros, muy abundantes a lo largo de toda la obra.

Comienzo del Acto III (http://www.divshare.com/download/14591313-090)



Se dirige a la pequeña iglesia donde Margherita está rezando. Esta aparece en el portal, llevando una gran cruz. Margherita canta con una voz celestial, como si fuese el mismo Cristo quien hablase a través de ella: “¿Quién me flagela en la columna? ¿Quién me grita “¡Crucificadlo, crucificadlo!”? ¿Quién me traspasa con clavos las manos y los pies? ¿Quién me clava una lanza en el costado?”

Visión de Margherita (http://www.divshare.com/download/14591337-b09)


La escena va ganando en tensión. Y se produce el milagro: Uberto confiesa el delito. Normalmente, debería ser ejecutado, pero Margherita intercede por segunda vez para salvar una vida, permitiéndole expiar sus crímenes yendo a combatir en las Cruzadas.

Confesión (http://www.divshare.com/download/14591372-0ce)


La obra termina con todos los personajes, excepto la madrastra, alabando a Margherita.


En esta página se pueden ver fotos de una escena de cada acto, así como del autor y del director que la estrenó:
http://digilander.libero.it/aldoconti/pro%20loco/Margherita%20da%20Cortona.htm

Schigolch
October 24th, 2012, 09:37 AM
Muy interesante ópera.

Loge
October 25th, 2012, 06:55 AM
Sí, me sorprendió muy agradablemente la primera vez que la oí.

Schigolch
October 26th, 2012, 02:32 PM
Mario Persico (1892 - 1977) escribió algunas óperas hoy prácticamente desconocidas, como Marenita (1923), La bisbetica domata (1931) y La Locandiera (1941), pero podemos escuchar una de sus canciones, "Rosamunde", en la voz de Rosa Ponselle:


http://www.youtube.com/watch?v=NLBZvOFt61A

Loge
October 27th, 2012, 07:52 PM
Triste canción. Mi idea de todo lo que se titule "Rosamunda" está muy condicionada por la obra de Schubert, que me parece sumamente festiva, amén de un monumento a la melodía.

Persico... Qué autor tan desconocido. No se habrá grabado nada de sus óperas, claro.

Schigolch
October 28th, 2012, 09:35 AM
"Morenita" gano el segundo premio de un concurso en 1922. "La bisbetica domata" se estreno en 1931, y cuando se repuso en 1962, en Napoles, la ciudad natal de Persico, no tuvo exito. Por otra parte, parece que existen dos grabaciones de arias de "La locandiera", concretamente 'Mirandolina mia disperazione' y 'L'amore e un soave tormento', pero no he podido localizarlas.

Loge
October 29th, 2012, 09:14 AM
LA FIAMMA,
de Ottorino Respighi


1. Una breve semblanza del compositor y su obra

Respighi es un caso raro entre los compositores italianos, pues es mucho más conocido y valorado por la obra sinfónica que por la operística. Sus títulos más famosos son los de la Trilogía romana (“Fuentes de Roma”, “Pinos de Roma” y “Fiestas de Roma”), y las tres suites de “Antiguos aires y danzas”, que derivan de su faceta de musicólogo. Operas compuso nueve, siendo “La fiamma” la penúltima y la más famosa. Su estilo era conservador, con armonías y texturas propias de finales del siglo XIX, y así quedó de manifiesto en el manifiesto, valga la redundancia, que firmó junto con Pizetti y Zandonai en contra del futurismo y otras vanguardias.



2. Recorrido de “La fiamma”

Se estrenó en el Teatro Real de la Opera de Roma con bastante éxito el 23 de enero de 1934. En el foso, al frente de la orquesta, se hallaba el propio autor, y en el escenario los siguientes:

Silvana: Giuseppina Cobelli (Soprano)
Donello: Angelo Minghetti (Tenor)
Eudossia: Eudora Buades d’Alessio (Mezzo)
Basilio: Carlo Tagliabue (Barítono)
Monica: Laura Pasini (Soprano)
Agata: Matilde Arbuffo (Soprano)

Ese mismo año ya se estaba representando en Chicago y en Buenos Aires, con Rosa Raisa y Claudia Muzio, respectivamente, en el papel de Silvana. Cina Cigna lo estrenó para el público milanés en 1935, año en el que Budapest vio la primera de las 32 funciones que alcanzó. De allí pasó a Berlín (1936), Viena (1937), Florencia (1938), etc, etc, hasta llegar a producciones más “recientes”, como la del Carnegie Hall de Nueva York (1987 – Alessandra Marc), Barcelona (1989 - Montserrat Caballé) y Roma (1997 - Nelly Miricioiu).



3. “La fiamma” en audio y vídeo.

a) Audio:

Tenemos las siguientes grabaciones:

http://img641.imageshack.us/img641/1188/1lafiammampradelli.jpg (http://img641.imageshack.us/i/1lafiammampradelli.jpg/)

1955. Disco doble, que recoge una función en Milán del 7 de agosto de 1955. Observamos que uno de los principales roles masculinos, el de Basilio, está interpretado por el mismo cantante que lo estrenó:
Silvana: Anna Moffo
Donello: Giacinto Prandelli
Eudossia: Gabriella Carturan
Basilio: Carlo Tagliabue
Monica: Laura Pasini (Soprano)
Orquesta de la RAI de Milán. Director: Francesco Molinari-Pradelli.



http://img848.imageshack.us/img848/306/2lafiammagardelli.jpg (http://img848.imageshack.us/i/2lafiammagardelli.jpg/)

1984. Hungaroton
Silvana: Ilona Tokody
Donello: Péter Kélemen
Eudossia: Klára Takács
Basilio: Sándor Sólyom-Nagy
Agnese: Tamara Takács
Monica: Katalin Pitti
Hungarian State Orchestra
Hungarian Radio and Television Chorus
Director: Lamberto Gardelli



1987. Trieste
Silvana: Carmen Gonzales
Donello: Carlo Bini
Eudossia: Katia Kolceva-Angeloni
Basilio: Alessandro Cassis
Agnese: Gloria Scalchi
Monica: Giovanna Casolla
Orquesta del Teatro de Trieste
Director: Maurizio Arena



http://img855.imageshack.us/img855/3986/3lafiammacollado.jpg (http://img855.imageshack.us/i/3lafiammacollado.jpg/)

1989. Barcelona
Silvana: Montserrat Caballé
Donello: Antonio Ordóñez
Eudossia:Vera Baniewicz
Basilio: Juan Pons
Agnese: Martha Szirmay .
Monica : María Gallego
Orquesta y Coro del Gran Teatro del Liceo.
Director: José María Collado


1990. Utrecht
Silvana: Stefka Statieva
Donello: Daniel Gálvez-Vallejo
Eudossia: Felicity Palmer
Basilio: Sigmund Cowan
Agnese: Marta Szirmay
Monica: Deborah Voigt
Orquesta: Niederl RPO
Director: Edo de Waart



http://img853.imageshack.us/img853/8688/4lafiammagelmetti.jpg (http://img853.imageshack.us/i/4lafiammagelmetti.jpg/)
1997. Roma
Silvana: Nelly Miricioiu
Donello: Gabriel Sadè
Eudossia: Marianna Pentcheva
Basilio: David Pittman-Jennings
Agnese: Cinzia de Mola
Monica : Olga Romanko
Rome Opera Orchestra
Director: Gianluigi Gelmetti


2009
Silvana: Jan Cornelius
Donello: Michael Fabiano
Eudossia: Jessica Julin
Basilio: José H. Cerón
Agnese: Carla Dirlikov
Monica: Corinne Winters
AVA Opera Orchestra
Director: Christofer Macatsonis


La de 1997 está disponible en Youtube:
Acto I: https://www.youtube.com/watch?v=-ugVAU5PneY
Acto II: https://www.youtube.com/watch?v=wlRu0J2uXBk&feature=relmfu
Acto III: https://www.youtube.com/watch?v=Gf4Mv17RSKw&feature=relmfu


b) Vídeo:
Tenemos registro en VHS de la versión del Liceo y DVD de la versión romana del 97.
Youtube nos ofrece completa la primera:


http://www.youtube.com/watch?v=hutcZCIGaGs



4. Libreto

El libreto se encuentra en italiano aquí:
http://www.dicoseunpo.it/dicoseunpo/R_files/Fiamma.pdf

Y en italiano y francés aquí, aunque falta la escena final:
http://odb-opera.com/modules.php?name=Downloads&d_op=viewdownload&cid=245

Claudio Guastalla, libretista habitual de Respighi, se basó en un libro que el noruego Hans Wiers-Jenssen había escrito en 1908, titulado “Anne Pedersdotter, la bruja”. En la Noruega de finales del s. XVI, Anne fue acusada de brujería y quemada. Pero Respighi quería ambientar alguna de sus óperas en la Rávena bizantina de comienzos de la Baja Edad Media, cuyos mosaicos le fascinaban, y de ahí que el libretista acabase trasladando la acción a esa ciudad y al siglo VII para contar la historia del amor ilícito entre Silvana, hija de bruja, y su hijastro Donello.



5. Sinopsis

ACTO I:

La villa del exarca Basilio, cerca de Rávena, a finales del siglo VII. Silvana confiesa a Mónica (una de las sirvientes) que en el palacio se siente oprimida y no soporta la vida de la corte.


http://www.youtube.com/watch?v=8C1j4B0LZOo


Se oyen gritos a lo lejos: una multitud persigue a Agnese di Cervia, a la que acusan de brujería e infanticidio. Agnese se presenta ante Silvana, que se ha quedado sola, y pide que la esconda ya que, de lo contrario, “tu madre te maldecirá desde el infierno”. Silvana (que no sabe que su madre es la propia Agnese) le exige que jure que no ha hecho ningún pacto con el diablo, pero Agnese responde con evasivas. Finalmente, Silvana oculta a la bruja.

Donello, el hijo del Exarca, regresa de una misión diplomática en Bizancio. Cuando el joven entra a saludar a la nueva mujer de su padre, a la que, debido a su larga ausencia, no había visto aún, Silvana le recuerda que ya se habían visto antes: hace años, Donello arrastraba a compañero herido y ella los condujo hasta la cabaña de Agnese para curarlo.

Llega el gentío al palacio, descubre el escondite de Agnese y la arrastran a su ejecución. Agnese está histérica, repite que es inocente pero el coro se mantiene inflexible. El pueblo pide sangre. Agnese muere en la hoguera maldiciendo a todos y prediciéndole a Silvana un final como el suyo.



ACTO II:

Palacio del Exarca. Entra Basilio con su séquito. Como defensor de la Iglesia ortodoxa, está obligado a guerrear contra el Papa, que ha sido declarado herético. Cuando Basilio, Donello y Silvana quedan solos, ésta le pide al joven que le cuente la ejecución de Agnese. Donello confirma sus temores: desde la pira, Agnese ha gritado que Silvana la había escondido, y que la madre de la joven utilizó la brujería para casar a su hija con el Exarca. Basilio, ultrajado, ordena cortar la lengua a cualquiera que difunda esa mentira. Pero cuando se queda a solas con Silvana, Basilio, en otra emocionante aria de gran alcance, confiesa que Agnese ha dicho la verdad y que si bien al principio se enamoró de Silvana a causa del hechizo, ahora la ama sinceramente y ha hecho penitencia desde entonces.

Con una música oscura y amenazante, Silvana queda al principio impactada y horrorizada por la revelación, pero luego se le ocurre que quizá haya heredado los poderes maternos. Basilio le insta a desechar esos pensamientos y a rezar, pero cuando se va, Silvana hace una prueba: susurra el nombre de Donello, el joven aparece y ambos caen uno en brazos del otro. La música de Respighi, en esos momentos finales del Acto II, desprende pasión y condenación, fuego y azufre.


http://www.youtube.com/watch?v=ch1Yv-UgL2I



ACTO III:

Escena primera:
Se inicia en la habitación de Donello, que está con Silvana. El dramático preludio orquestal sugiere frenesí, pasión ilícita y trágicos presagios. Los dos amantes cantan ardientemente su pasión: Silvana, sobre su despertar sexual después de “un eterno sueño invernal” y Donello a medias entre el éxtasis y el deseo de escapar de ese encantamiento: “¿Qué deliciosa poción me has dado?”, pero al final vence la pasión. Este extenso y apasionado dúo, especialmente bello desde la intervención de Silvana “Dolce la morte”, podemos oírselo a Tokody y Kélemen en estos dos youtubes:


http://www.youtube.com/watch?v=GITC_C0t7qE


http://www.youtube.com/watch?v=HhSoC9EWHsM


Los amantes deshacen su abrazo ante la llegada de Eudossia, quien, no obstante enseguida se hace cargo de la situación y pronuncia oscuras insinuaciones. Aparece Basilio, con aspecto muy cansado, como un hombre viejo y roto, e informa a Donello que la Emperatriz ha ordenado que vuelva a Bizancio. Donello se resiste al principio, pero después, en su dramática aria “Si es eso lo que tú quieres…”, siente que el destino le ofrece la oportunidad de liberarse de su pasión y sale dispuesto a partir.

Silvana, a solas con Basilio, lamenta la marcha de Donello y acusa a la madre del Exarca de intrigar para quitarle el amor del joven. Cuando Basilio intenta defender a Eudossia, Silvana vierte sobre él toda su frustración y rabia: le acusa de haberle robado su juventud y le dice que hace tiempo que desea verlo muerto. Su despiadada aria “No me toques” está llena de oportunidades melodramáticas. La violencia de sus invectivas causa un ataque cardíaco a Basilio. Entonces llega Eudossia y acusa a Silvana de haberlo matado, y además, de bruja.


Escena segunda:
Silvana es conducida ante el tribunal de la Iglesia, donde reitera su inocencia. Clama que, aunque cayó en un error al ceder a su pasión, ni es una bruja ni la asesina de su marido, sino una víctima de las circunstancias. Pero Eudosia exige su condena. Sometida a una prueba consistente en jurar sobre una reliquia, Silvana se derrumba y se muestra incapaz de repetir las palabras del obispo, quien la condena finalmente como bruja. Como al final del Acto I, la conclusión de la ópera es impresionante. El poder y la dignidad de la iglesia son realzados por un coro cantando en estilo gregoriano fuera de escena, subrayado por unos brillantes colores orquestales. Silvana, angustiada, realiza patéticas apelaciones. El coro “Defiéndete…” superpuesto a las apasionadas declamaciones de los personajes principales, así como el impacto del final de la escena con el desplome y la condenación de Silvana, constituyen un triunfo dramático.



6. Extracto del análisis de Ian Lance para http://www.musicweb-international.com/respighi/lafiamma.htm)

“La fiamma” es una gran ópera postromántica, a la que se ha trasladado el canto gregoriano y las tonalidades y orquestaciones de antiguos aires y danzas. En el final de los actos primero y tercero encontramos escenas de masas histéricas. Hay matices impresionistas en algunas de sus orquestaciones y una escritura tonal. “La fiamma” requiere una orquesta grande pero no enorme, que rara vez toca al completo, dando como resultado un sonido denso, a menudo grave y sombrío. Esta economía en el uso del color no significa que la ópera carezca de la expresividad que Respighi aprendió de Richard Strauss, pero esa expresividad está más bien reservada para la suntuosidad cromática de las partes vocales, con las que se expresan en la ópera los sentimientos y estados de ánimo fundamentales: sensualidad, erotismo reprimido o expresado, morbidez, excentricidad, perversión, histeria, miedo y fatalismo.

Es interesante notar que Respighi eligió como título para esta ópera “La fiamma”, en lugar de, por ejemplo, “La bruja”, con lo que, de manera sutil, destacaba como tema principal de la ópera la llama del amor; el amor tanto en el aspecto de colmar de felicidad como en su variante destructiva, pero siempre eterno e inextinguible.

Schigolch
October 30th, 2012, 10:06 AM
Un breve fragmento de la opereta Il Paese dei Campanelli, de Carlo Lombardo y Virgilio Ranzato, estrenada en 1923:


http://www.youtube.com/watch?v=VRJlJpJ0bNo

Nervous Gentleman
November 2nd, 2012, 08:15 AM
Riccardo Zandonai - Los caballeros de Ekebù (2004)

con subtitulos en castellano y italiano.

:tiphat:

Libreto en italiano de Arturo Rossato,
basado en "La saga de Gösta Berling" de la Premio Nobel Selma Lagerlöf.

Viktor Afanasenko
Amarilli Nizza
Mariana Pentcheva
Luca Grassi
Carlo Striuli
Gianluca Bocchino


http://www.youtube.com/watch?v=CHEonvUjgCs

Loge
November 2nd, 2012, 09:32 AM
Extraordinario el trabajo que haces con los subtítulos, Nervous Gentleman. ¡Muchísimas gracias!

Loge
November 5th, 2012, 05:04 PM
ROLAND VON BERLIN
de
Ruggiero Leoncavallo

Hoy viene a este hilo un autor italiano, plenamente identificado con el verismo, pero con una ópera en… ¡alemán! Ahí es nada.

Esta es la pequeña historia: en 1894 el Emperador Guillermo II asistió a una función de “I Medici” que fue la primera y única ópera del tríptico que Leoncavallo había ideado en un intento de adaptar el anillo wagneriano a la historia italiana. Impresionado por el gran fresco histórico que había presenciado, y atacado quizá de celos dinásticos, Guillermo II le encargó una nueva ópera, pero con un pequeño matiz: nada de glorificar a los Médici; la ópera debía encumbrar a los Hohenzollern. Tratando de ayudar, el Emperador encargó un libreto en italiano basado en el romance “Der Roland von Berlin” (1840) del escritor Willibald Alexis, pero Leoncavallo lo rechazó y, tras hacerse traducir el romance, escribió él mismo el libreto.

El estreno tuvo lugar en la Städtische Oper de Berlín, el 13 de diciembre de 1904, y contó con:
Henning Mollner (Tenor): Wilhelm Grüning
Elsbeth (Soprano): Emmy Destinn
Burgomaestre Rathenow (Barítono): Baptist Hofmann
Elector Frederick Hohenzollern (Bajo): Paul Knüpfer
Eva Schum (Soprano): Geraldine Farrar

Apenas un mes después, el 19 de enero de 1905, ya se estaba representando en Nápoles, esta vez en italiano, claro. A los napolitanos, menos acostumbrados que los germanos a las historias monumentales, les presentaron una versión reducida (si cortaban las obras de Wagner sin el menor cargo de conciencia, qué no iban a hacer con una de Leoncavallo): nada por aquí, nada por allá, y en un pestañeo les habían librado de 75 páginas de partitura.

Algunos fragmentos de esa partitura los empleó Leoncavallo más tarde, para “Edipo, Re”. Veamos un mínimo ejemplo:

Comienzo del Acto II de "Roland von Berlin" (http://www.divshare.com/download/14825022-ebe)
Comienzo de "Edipo, Re" (http://www.divshare.com/download/14825050-4b7)

Hermanas gemelas, ¿verdad?


Sinopsis:

Acto I: Una gran plaza de Berlín, en 1422. Bajo la estatua del caballero cruzado Roland von Berlin, el pueblo está a punto de sublevarse contra los nobles. El Gran Consejo de los Patricios de la ciudad ha comisionado al Elector Frederick Hohenzollern para enterarse de cómo están la cosas y mediar llegado el caso. Disfrazado y escondido tras la estatua, el Elector observa a la multitud enardecida, que escucha la historia de un vendedor al que le han robado y que sólo ha recibido desprecio de los nobles. El tejedor Henning Mollner, allí presente, reclama justicia en su "Freiheitslied" (“Canción de la libertad”), e inmediatamente es aclamado por los demás como el adalid de los pobres, como el “nuevo Roland”
Final del Cuadro Primero del Acto I (http://www.divshare.com/download/14825113-780)

Pero Henning tiene un problema de incompatibilidad en su vida privada: está enamorado de Elsbeth, la hija del Burgomaestre Rathenow, que es el cabecilla de los nobles. Para hacerlo más intrincado, el padre de Hening dio la vida para salvar a Rathenow. El Elector sale de su escondite detrás de la estatua. Se ha dado cuenta de que las reclamaciones del pueblo son justas y promete su ayuda a Henning.


En el Acto II Rathenow arregla el casamiento de su hija con el vástago de un colega suyo, el Burgomaestre de Colonia. Y luego eleva una plegaria a Dios para que la proteja. Escuchamos el final de la negociación matrimonial y la plegaria:
Plegaria de Rathenow (http://www.divshare.com/download/14825145-88c)

Henning pasa por allí y lo oye todo ("In stiller Brust"/”En mi pecho silencioso”) Elsbeth, que hasta ahora lo había tenido por un hermano o un compañero de juegos, se pregunta si no estará enamorada de él: "Ich? ihn lieben?" (“¿Y yo? ¿Le quiero?”)
Ich? Ihn lieben? (http://www.divshare.com/download/14825183-e0e)



Acto III: un baile para celebrar el compromiso. Enmedio de la fiesta se presenta Henning disfrazado de juglar y canta “Soy el rey de las baladas”. Pero el compromiso se rompe cuando Eva Schum, una de las invitadas a la fiesta por ser hija de un concejal de Colonia, acusa a Elsbeth de tener a Henning como amante. Pese a los intentos de Rathenow de defender la reputación de su hija, el novio rompe el compromiso.
Escena del Acto III (http://www.divshare.com/download/14825221-e2d)



En el Acto IV, Elsbeth, aunque reconoce que ama a Henning, intenta convencerle de que lo suyo no puede ser a causa de las diferencias de clase que les separan: "Darf en Patrizierkind" (“¿Puede la hija de un patricio?”)
Dúo de Henning y Elsbeth (http://www.divshare.com/download/14825251-1ff)

Este desengaño decide a Henning a abrazar definitivamente la causa del pueblo, enfrentándose a los nobles. "El nuevo Roland" llama a luchar por la libertad y congrega a una multitud de ciudadanos, apoyados por el Elector. Rathenow mantiene cerradas las puertas de la ciudad. Henning se lanza a romper las cadenas y lo consigue, pero es herido de muerte.
Sublevación y muerte de Henning (http://www.divshare.com/download/14825274-de9)

Elsbeth se lamenta: "Fahr wohl, Trautgesell" (“Adiós, querido compañero”). El Elector, finalmente, consigue hacerse con el control de la situación y promete justicia al pueblo, ganándose con ello un coro laudatorio (regalo para los oídos del Hohenzollern mecenas del siglo XX) en el que, además, el pueblo predice que Roland será recordado como un mártir por la libertad.



“Roland von Berlin” no fue un gran éxito pero tampoco un fracaso: 37 representaciones en cuatro años, hasta 1908. Aceptable. Desde entonces no ha habido otra hasta 1987, nuevamente en Berlín. A pesar de que la producción fue fastuosa, la crítica, en general, opinó que esta obra es un pomposo y grandilocuente fiasco, de inspiración deficiente. Tiene una rica orquestación, pero las líneas vocales son rígidas e imitan en demasía al “Lohengrin” de Wagner y al “Trompetero de Säkkingen” de Viktor Nessler, una ópera de tema histórico con melodías populares. Indudablemente, Leoncavallo buscó mezclar elementos históricos y poéticos, pero incluso en las escenas de amor falta algo de pasión.


Los fragmentos que he subido son de la producción de 1987, con Erwin Stephan (Henning), Andrea Trauboth (Elsbeth), Jörn W. Wilsing (Rathenow), Vladimir de Kanel (El Elector) y Annette Glaser (Eva Schumm). Ungarisches Philarmieorchester und Chor. Director: Fritz Weisse.

Aparte de la anterior, sólo existe esta otra grabación, con el cast que estrenó la obra:
http://www.amazon.com/Souvenirs-From-Verismo-Operas-3/dp/B000009LLM

Schigolch
November 5th, 2012, 06:23 PM
A pesar de ese parecido con "Edipo Re", me cuesta encontrarle el punto a esta opera de Leoncavallo.

Nervous Gentleman
November 7th, 2012, 12:12 AM
MARGHERITA DA CORTONA,
de Licinio Refice

Prólogo:
http://www.classicalpodcasts.com/buriedtreasure/buried-treasure-licinio-refice-margherita-da-cortona-introduction

Acto I:
http://www.classicalpodcasts.com/buriedtreasure/buried-treasure-licinio-refice-margherita-da-cortona-act-1

Acto II:
http://www.classicalpodcasts.com/buriedtreasure/buried-treasure-licinio-refice-margherita-da-cortona-act-2

Acto III:
http://www.classicalpodcasts.com/buriedtreasure/buried-treasure-licinio-refice-margherita-da-cortona-act-3

:conductor:

Loge
November 7th, 2012, 06:48 AM
¡Gracias por subir toda la ópera! :encouragement: :tiphat:

Schigolch
November 12th, 2012, 11:19 AM
"La danza de las flores", fragmento de la opera Flora mirabilis, de Spiro Samaras, estrenada en La Scala, el año 1886:


http://www.youtube.com/watch?v=D3FX8JCA8E0

Loge
November 15th, 2012, 07:14 AM
LE MASCHERE,
de Pietro Mascagni

“Hacer revivir la Commedia dell’Arte me parecía y me parece tarea digna de un artista concienciado. El propio Rossini, en su “Barbero de Sevilla”, llevó a cabo la quintaesencia de los personajes de la Commedia.”

Estas palabras (o parecidas –por favor, indulten al traductor-) dijo Mascagni para justificar su abandono transitorio de la creación de “Iris” y dedicarle un tiempo a una comedia, propuesta por el mismo libretista (Luigi Illica) que tendría como tema las máscaras de la Commedia dell’Arte. Pero Mascagni no tenía la habilidad de Rossini para la comedia, y su ópera “Le maschere”, estrenada simultáneamente en seis ciudades italianas (Roma, Milán, Génova, Turín, Venecia y Verona) fracasó en cinco de ellas, salvando los muebles sólo en Roma, donde fue el propio autor quien dirigió la orquesta la noche del estreno. Si Mascagni había tomado a Rossini como modelo, ¿cómo es que en la ópera se reía tan poco? ¿Y cómo justificar la inserción de algunas páginas excesivamente sentimentales? Además, fueron discutidas algunas escenas del primer acto: algunos temas recordaban a “Iris” y a “La bohème” de Puccini.

El caso es que la obra tiene algunos puntos a su favor: su homenaje al mundo ya lejano de las máscaras respeta los cánones de la ópera bufa (el concertante de los polvos que vuelven a todos locos) y se insertan danzas antiguas, como la pavana y la furlana. Todas las máscaras, en su presentación, tienen una precisa caracterización musical. Y además, aunque el cuerpo orquestal es reducido, la instrumentación está muy cuidada.

Pero el público no estaba preparado para este Mascagni, no comprendió la deliberada mezcla de estilos (del cómico al patético), su tono irónico y el gusto por la cita y la autocita. Y por otra parte, quizá la trama es demasiado densa y excesivamente prolija. Tanto, que el compositor, después del estreno, hizo algunos cambios para simplificarla.


El argumento es el siguiente:

Prólogo
En el escenario de un teatro.
El empresario Giocadio interrumpe la obertura para dar comienzo a los ensayos de una obra de teatro. Pero no hay nada preparado, y además, los actores se quejan de todas las cláusulas de sus contratos. Desesperado, Giocadio propone representar “Le maschere”, obra que ya conocen todos los artistas. Entonces, cada intérprete presenta a su personaje. Por ejemplo, aquí tenemos a Enzo Dara (que dice que le habían contratado para “Rigoletto”) presentando a su personaje tartamudo Tartaglia, y después se presentan los dos jóvenes amantes, Rosaura y Florindo:

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Una vez presentados los personajes, la orquesta interpreta la obertura sin interrupción:


http://www.youtube.com/watch?v=DhSFyz6zpGY



Acto I
Una plaza en Venecia.
El vendedor ambulante Brighella atrae a una multitud, entre la que se encuentra Colombina, su novia, que es criada del abogado Graziano. Mediante una nota, Florindo informa a Rosaura de que ha obtenido la autorización de su tío para casarse con ella. (“Sole delle mie giornate”)


http://www.youtube.com/watch?v=FF9BJPTbNLc


Pero Colombina llega con malas noticias: a través de su jefe, el abogado, que ha sido requerido para preparar el contrato matrimonial, se ha enterado de que el padre de Rosaura, Pantalone, ha arreglado la boda de ésta con un soldado, el Capitán Spavento. Rosaura, Colombina, Brighella y Florindo se ponen a cavilar cómo arreglar la situación. Tartaglia anuncia la llegada del terrible Spavento, acompañado de su sirviente Arlecchino. Este lleva una maleta en la que, supuestamente, van los documentos que acreditan el status y la bravura del capitán.

Brighella cree haber encontrado la manera de impedir que se firme el contrato matrimonial, lo que está previsto hacer durante una fiesta esa misma noche. Para ello necesitará unos polvos especiales. Su explicación es interrumpida por la llegada de Pantalone, que manda a su hija a vestirse adecuadamente para recibir a su próximo marido y a Tartaglia a que entretenga al capitán enseñándole la ciudad y sus alrededores. (“Quella è una strada”)

En esta aria es evidente el intento de emular a Rossini por parte de Mascagni.

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Acto II
Salón en casa de Pantalone.
Colombina vigila mientras Rosaura y Florindo se expresan su amor ("Per averti vicina questa sera")

La cortita introducción orquestal es deliciosa:
Comienzo del Acto II (http://www.divshare.com/download/14902430-9bd)


Viendo venir a Arlecchino, los amantes se van. Arlecchino trae la propuesta matrimonial de su señor, pero también un segundo documento con otra propuesta de matrimonio para Colombina, a la que hace declaraciones de amor. (“La piacente donnetta”)


http://www.youtube.com/watch?v=uZbHk-t3mA4


Brighella informa a Colombina, Florindo y Rosaura de que ha conseguido los polvos que, disueltos en el vino, producirán una confusión total y así, los nombres de la pareja oficialmente comprometida no podrán ser escritos en el contrato. Los sirvientes traen un gran barril de vino en el que los conjurados vierten los polvos.

Comienza la fiesta. El escenario se llena con los personajes de las máscaras italianas, que elogian la belleza de Rosaura. Se baila una pavana, durante la cual Florindo se las ingenia para acercarse a Rosaura y susurrarle palabras de amor. Sigue una furlana y a continuación, el abogado Graziano empieza las formalidades para casar a la pareja, momento en el cual Rosaura hace señas a los criados para que sirvan el vino. Pronto empiezan a hacer efecto los polvos y todas las máscaras olvidan incluso sus nombres, empezando a desvariar y a gritar, como si hubieran caído en una especie de locura. Hasta Tartaglia deja de tartamudear y pronuncia una retahíla de palabras sin sentido. Arlecchino y el capitán abren la maleta donde iban los documentos y los papeles vuelan por todas partes. De pronto, el capitán cree que ha sido insultado y amenaza a Tartaglia con la espada. Cunde el pánico, pero el abogado Graziano tiene tiempo de recoger los papeles y quedárselos, junto con la maleta.


Acto III
Una placita en la parte trasera de la casa de Pantalone. Tras una serenata de Florindo, éste, junto con Brighella, Colombina y Rosaura se devanan los sesos para intentar evitar la boda de esta última con el capitán. Los polvos les han permitido ganar tiempo, pero sólo eso. A Rosaura sólo se le ocurre intentar conmover al capitán con sus lágrimas; por su parte, Colombina se dejará cortejar por Arlecchino para ganar más tiempo. Una vez se han ido, Spavento y Arlecchino salen de la casa. Este último es partidario de reducir las pérdidas e irse cuanto antes con la plata, pero el capitán decide proseguir con el acoso a Rosaura con renovados ánimos (“Se una spada tiene al fianco”)


http://www.youtube.com/watch?v=P9AjyznbUi4


En ese momento llegan dos guardias (Brighella y Graziano, disfrazados), portando la maleta del capitán, seguidos por los demás personajes. Graziano ha leído los documentos y lo que se deduce de ellos es que Spavento, en lugar de un noble y valiente aristócrata, es un estafador, y además, que ya está casado. Pantalone, aconsejado por Graziano, consiente en que Rosaura se case con Florindo. En la primera versión, la ópera terminaba con los dos jóvenes amantes cantando su felicidad, pero tras la revisión efectuada por Mascagni finaliza con todos los personajes entonando a coro un himno a las máscaras italianas (“O Maschera italiana”).



Esta es la discografía que he localizado:
http://img851.imageshack.us/img851/5200/lemascherebartoletriest.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/851/lemascherebartoletriest.jpg/)
Trieste, 1961
Antonio Cassinelli, Cesy Broggini, Ferrando Ferrari, Elena Rizzieri, Amadeo Berdini.
Orquesta del Teatro Verdi de Trieste. Director: Bruno Bartoletti


http://img194.imageshack.us/img194/6995/lemascheregelmettibolon.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/194/lemascheregelmettibolon.jpg/)
Bolonia, 1988
Amelia Felle, Maria Jose Gallego, Vincenzo La Scola, Giuseppe Sabbatini, Enzo Dara, Oslavio di Credico, Carlos Chausson.
Orquesta del Teatro Comunal de Bolonia. Director: Gianluigi Gelmetti



http://img692.imageshack.us/img692/9357/lemaschereaprealivorno2.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/692/lemaschereaprealivorno2.jpg/)

Livorno, 2001
Antonia Cifrone, Danilo Formaggia, Susanne Bungaard, Antonio De Angelis, Alessandro Battiato, Graziano Polidori, Dario Giorgelè, Alessandro Paliaga, Marcello Bedoni, Emanuele Orchestra e Coro CittàLirica. Director: Bruno Aprea


También se menciona en algún que otro lugar un vídeo grabado en Livorno, 1983, con Mazzinghi, Federici, Baggiona y Sbaccia, pero no lo he encontrado ni puedo dar más datos.

Schigolch
November 15th, 2012, 03:06 PM
Yo he escuchado la de Livorno y, en este caso, tiendo a estar de acuerdo con el publico milanes.

Schigolch
November 20th, 2012, 01:18 PM
"Quante volte ... Sento che un nodo arcano!", aria de L'incantesimo, la última ópera escrita por Italo Montemezzi, y estrenada en 1943, en una transmisión radiofónica. El estreno escénico tuvo lugar varios años después, ya fallecido Montemezzi:


http://www.youtube.com/watch?v=M9zUGepkUmQ

Loge
November 21st, 2012, 09:07 AM
DEBORA E JAELE,
de Ildebrando Pizzetti

Pizzetti, que calificó “La Bohème” de Puccini como “pequeño drama de sentimientos comunes”, consideraba que la ópera debía tratar los grandes y eternos temas de la Antigüedad, y representar “la vida en acción y movimiento”. Así lo hizo, por ejemplo, en “Debora e Jaele”. El argumento se basa en la historia bíblica que recoge el “Libro de los Jueces”, aunque reinterpretada y casi podría decirse que subvertida, tras la lectura de “Judith”, obra del dramaturgo y poeta alemán Friedrich Hebbel (1813-1863)

Los Jueces fueron hombres y mujeres carismáticos que enviaba Dios para salvar a su pueblo protegido cuando, como castigo a sus malas acciones, los hebreos tenían que enfrentarse a graves crisis o amenazas externas. Como sólo intervenían cuando se daba la doble circunstancia de ser necesarios y que Dios decidiera enviarlos, los Jueces aparecen y desaparecen a intervalos irregulares de la historia hebrea. Ningún Juez llegó a ser jefe supremo de las tribus israelitas porque su función era solucionar un problema puntual; la unificación definitiva habrá de esperar a los Reyes.

Debora fue el cuarto Juez y el primero mujer. En su época, los israelitas llevaban veinte años oprimidos por la canaanitas, cuyo general en jefe era Sísera. La profetisa Debora mandó llamar a Barac y le informó de que, según órdenes divinas, debía reunir 10.000 hombres en el monte Tabor, y que el propio Jehovah encaminaría hacia allí a los escuadrones de Sísera para que fueran derrotados. Pero Barac, menudo general, replicó que no se atrevía a ir sin Debora. Así que ésta contestó: “¡Iré contigo, pero entonces la gloria no será tuya, porque en manos de una mujer entregará Jehovah a Sísera!” Así lo hicieron, y todo se cumplió con arreglo al guión escrito por Dios: el ejército canaanita fue aplastado y Sísera huyó. En su huida, divisó la cabaña de Heber y su mujer Jael. Pidió ayuda a ésta, que lo escondió, pero después aprovechó que dormía para matarlo clavándole una estaca en la cabeza con un mazo.

Esta historia dio pie, al menos, a dos oratorios: “Deborah” de Haendel y “Sísera” de Simon Mayr.

La ópera llegó cuando Pizzetti, a instancias de Mario Castelnuovo-Tedesco, leyó la “Judith” de Hebbel. En esta obra, aunque se mantienen los personajes, se revisa la historia y se invierte la identificación del bien y el mal: si el lector de la Biblia ve en Sísera al malvado general de un ejército opresor, y en Debora y Jael a las heroínas de la resistencia, en el libro de Hebbel las cosas cambian: Debora se presenta como la encarnación de la ley hebrea, severa y arcaica. Obligada por ella a traicionar a su amado, Jaele también sigue la ley hebrea, pero representa una superación de la misma, un entendimiento de dicha ley de forma más comprensiva y humana, como anticipando la piedad cristiana. En la ópera, Jaele no mata a Sísera por patriotismo, sino por piedad: para evitarle una muerte peor a manos de los hebreos enfurecidos. Al final de la obra Debora pregunta a Jael si había oído la voz del Señor mientras mataba a su amado Sísera, a lo que Jaele responde: "No la voz de tu Dios, sino de otro que no conoces.” El personaje de la profetisa está fanáticamente anclado en su verdad, por lo que se mantiene inmutable, inatacable. En cambio, Jaele y Sísera, los dos jóvenes, inicialmente en campos enemigos, son tocados por el amor al conocerse y evolucionan psicológicamente hacia algo parecido a la comprensión y el perdón del contrario.


http://img27.imageshack.us/img27/8969/jaelysisaragrabadodegus.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/27/jaelysisaragrabadodegus.jpg/)
Jaele y Sísera, grabado de Gustave Doré, 1874

Entre 1917 y 1921, Pizetti escribó el libreto y la música. Por lo cual pudo decir, orgulloso, que ésta era la primera ópera completamente suya. Dicho así, parece que llevase toda la vida frustrado por haber tenido que recurrir a libretistas para sus óperas, pero en realidad, “Debora e Jaele” era su segunda ópera; antes sólo había compuesto “Fedra”, con libreto de Gabriele D’Annunzio.

“Debora e Jaele” se estrenó el 16 de diciembre de 1922, en el teatro de la Scala de Milán, con Toscanini esgrimiendo la batuta y los siguientes cantantes en los principales papeles:

Debora: Elvira Mari-Casazza (Contralto)
Jaele: Giulia Tess (Soprano)
Mara: Anna Gramegna (Mezzo)
Sísera: John Sample (Tenor)
Hever: Unberto di Lelio (Bajo)
Barak: Vincenzo Cassia

La obra gozó de cierto éxito, sobre todo en Italia, donde ganó el premio Mussolini para las Artes, otorgado por una comisión de académicos, por “la altura de las intenciones artísticas, la singularidad del principio estético que la informa, la nobleza de la inspiración y del estilo, y los conocimientos técnicos”. Incluso en 1956 un grupo de críticos italianos la votó como la tercera ópera más importante del siglo XX, empatada con “Salomé” (Las ganadoras fueron “Pélleas et Melisande” y “Wozzeck”). pero después se ha representado poco.

Un experto en la música italiana anterior a la II Guerra Mundial, John Waterhourse, sugirió que la influencia más palpable en “Debora e Jaele” era la del “Boris Godunov” de Mussorgsky. Entre otras cosas, por el tratamiento dado al coro, que adquiere una gran importancia en la obra, especialmente en el Acto I. Más recientemente, Adrian Jack, haciendo la reseña de la representación de 1997, decía que, a su juicio, el estilo y la escritura vocal se aproximan más a los de Debussy, aunque las exacerbadas pasiones de la historia y la ebullición del lenguaje italiano obligan a mostrar mucha más expresividad. Finalmente, en lo que se refiere a la contribución orquestal, está llena de color y variedad, bien lejos de la gris monotonía de que se ha acusado con frecuencia a Pizzetti.

Estas opiniones podríamos someterlas a juicio con alguna de las siguientes grabaciones:

http://img62.imageshack.us/img62/5364/discodegavazzeni.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/62/discodegavazzeni.jpg/)

Milán, 1952.
Debora: Cloe Elmo
Jaele: Clara Petrella
Mara: Maria Amadini
Sísera: Gino Penno
Hever: Antonio Cassinelli
Barak: Enrico Campi
Orquesta Sinfónica de la RAI de Milán. Director: G. Gavazzeni



Milán, 1963
Debora: Fedora Barbieri
Jaele: Clara Petrella
Mara: Adriana Lazzarini
Sísera: Bruno Prevedi
Hever: Vladimiro Ganzarolli
Barak: Antonio Zerbini
Director: Antonino Votto
Black Disc – Omega Opera Achive 2271


Amsterdam, 1997
Debora: Carol Sparrow
Jaele: Izabella Klosinka
Mara: Marion Van Den Akker
Sísera: Daniel Galvez-Vallejo
Hever: Romain Bischoff
Barak: Henk Vonk
Orquesta de la Radio Holandesa. Director: Daniel Chmura



Vamos con la sinopsis y la escucha de algunos fragmentos:
Palestina, siglo XII a. C.

Acto I
En la plaza de Kedeh, ante la casa de Barak, general del ejército hebreo, la gente escucha a la profetisa Debora. Llega Mara, trastornada porque los cananeos han matado a su padre, a su marido y a sus dos hijos. El pueblo, espoleado por Debora, grita contra Hever y su esposa Jaele, a quien todos creen traidores. En concreto, a Jaele la tienen por amante de Sísera (aquí no un mero general cananeo, sino el Rey de éstos), lo que la joven niega desesperadamente. Oigamos los gritos de Jaele, intentando imponerse a un coro enloquecido:
Escena del Acto I (http://www.divshare.com/download/14995688-e7e)


Debora declara la la guerra a Sísera, pero como éste está protegido por muros inexpugnables en la ciudad de Haroscet, se le ocurre una idea con la que matará dos pájaros de un tiro: enviar a Jael para que convenza al Rey de que salga de la ciudad y lleve a su ejército al Monte Tabor, donde le estará esperando el contingente hebreo. De esta forma, logrará un objetivo militar y, al mismo tiempo, pondrá a prueba la lealtad de Jaele.
Tu, che la stringe in braccio (http://www.divshare.com/download/14995696-9cf)

Hever y Jaele parten hacia su misión, acompañados por Mara.


Acto II
En el palacio de Sisera. Hever intenta, sin éxito, matar a Sisera. Este ordena el encarcelamiento del hebreo.
Alalá! Alalá! Aòh! Aòh! (http://www.divshare.com/download/14995712-540)

Poco después se presenta una mujer velada (Jaele), que intenta convencerle para que lleve sus tropas al Monte Tabor. Pero este intento también fracasa, pues un ministro advierte a Sisera de que le están tendiendo una trampa ya que, según ha descubierto, en el monte está esperándole el ejército hebreo. Viéndose descubierta, Jaele se abalanza sobre el Rey para matarlo, cuando, de pronto, se da cuenta de que está enamorada y flaquea. Jaele debería ser ejecutada por ello, pero al quitarse el velo, Sísera se enamora también y le perdona. Juntos emprenden un dúo amoroso. Pero entonces, Jaele oye cantar a Mara por los hijos muertos, y, volviendo a la realidad, recuerda que no debe traicionar a su pueblo. Acaba convenciendo a Sísera para que lleve el ejército al monte Tabor, y a continuación, turbada, le pide que la deje marchar. El monarca consiente, pero promete reunirse con ella después de vencer a los hebreos.
Dúo de Sísera y Jaele. Final del Acto II (http://www.divshare.com/download/14995775-1b4)


Acto III
Pues no hay tal victoria. Sísera es derrotado y corre a refugiarse en la tienda de Jaele, que, puesto que aún sigue enamorada, está dispuesta a ayudarle.
Ah! Sei tu, Sísera! (http://www.divshare.com/download/14995814-5a5)

Pero Mara lo ve e informa a Debora. La profetisa, inflexible, recuerda a Jaele la alianza con Dios y le ordena entregar a Sísera.
Tu difendi il nemico del tuo popolo? (http://www.divshare.com/download/14995851-448)

La joven responde ofreciendo su vida a cambio de la de Sísera. Debora rechaza el trato. De pronto, Jaele oye gritos. Se aproxima una multitud de hebreos, dispuestos a matar al Rey canaanita. Y entonces, Jaele lo mata mientras duerme para evitarle una muerte más cruel. Podemos escuchar el final de la ópera, con ese breve intercambio de frases entre Debora y Jaele:
- ¿Has oído la voz del Señor?
- No la voz de tu Dios, sino de otro que no conoces.

Si, sono certa - Final (http://www.divshare.com/download/14995888-021)

Schigolch
November 21st, 2012, 09:29 AM
El argumento es realmente endeble, y la calidad literaria del libreto más que discutible, pero la música es lo mejor que Pizzetti compuso jamás, y seguramente una de las más destacadas de todo el siglo XX en Italia. El coro tiene un papel principal, que a veces empequeñece a los solistas, sobre todo en el comienzo de la ópera, que es donde realmente recuerda al Boris Godunov, que reclama la critica. Efectivamente, la obra se recibió con gran entusiasmo en Italia, sin embargo, en los años 70 había caído ya en un olvido del que todavía no ha conseguido recuperarse.

Schigolch
November 23rd, 2012, 01:06 PM
Aunque Lorenzo Perosi se dedicó principalmente a la música eclesiástica y el estudio de la polifonía y el canto gregoriano, no era ajeno a la escena musical italiana de principios del siglo XX, como podemos corroborar escuchando este oratorio escrito en 1910, a la muerte de su padre:


http://www.youtube.com/watch?v=GANcVN05wu4

Loge
November 30th, 2012, 08:37 PM
En los años cincuenta se rodaron en Italia bastantes biografías de músicos, apoyándose sobre una base argumental y una estructura narrativa características de uno de los géneros nacionales por excelencia: el melodrama. Así, Carmine Gallone, un experto en melodramas y en filmaciones de óperas (desde “Il trovatore” en 1949, a “Madame Butterfly” en 1955), realizó “Puccini” (1952), y “Casa Ricordi” (1954), y Raffaello Matarazzo, se encargó de ensalzar la figura de Verdi en “Tragedia y triunfo de Verdi” (1953). Pero fue otro habitual del melodrama, Giacomo Gentilomo, quien realizó el que tal vez sea el mejor biopic de un compositor italiano de óperas, “Melodie inmortali” (1952), en torno a Pietro Mascagni

“Melodie inmortali” cuenta cinco años de la juventud de Mascagni, desde 1885, cuando era alumno del Conservatorio de Milán (sale Ponchielli como uno de los profesores), y ya estaba empeñado en la composición de su primera ópera, «Guglielmo Ratcliff», hasta el apabullante éxito del estreno de «Cavalleria rusticana» en el Teatro Costanzi de Roma, el 17 de mayo de 1890, bajo la dirección del maestro Mugnone.

Entre esas dos fechas vemos al joven Pietro pasar por momentos felices y por situaciones muy duras: el enfrentamiento con su profesor de contrapunto, las desavenencias con el padre, la gira con la compañía de opereta de Luigi Maresca, el matrimonio con Lina Carbognani, el abandono de la compañía y su establecimiento en la pequeña localidad de Cerignola (donde fundan una orquesta para que la dirija él y así se gane la vida, y es acogido como hijo adoptivo y querido desde el primer día), la muerte de su primer hijo, la composición de “Cavalleria”, el éxito, el reencuentro con el padre... Naturalmente, con una banda sonora compuesta principalmente por música del Ratcliff y de Cavalleria, y con algunas escenas de esta última al final del film.

Veamos algunos fragmentos:

El comienzo de la película. He dejado incluso los títulos de crédito para disfrutar de una bellísima música. Mascagni quiere que en la clase de contrapunto el profesor utilice lo que lleva compuesto del Ratcliff. El profesor se burla de él y Mascagni se encoleriza. Ponchielli intenta suavizar la situación pero Mascagni es expulsado.


http://www.youtube.com/watch?v_p11hu4K_Sg



Tras ser expulsado del conservatorio y romper con su padre, el protagonista se gana la vida dirigiendo la orquesta de una compañía de opereta que viaja por Italia. El tren en el que va, junto con su mujer, ha hecho una parada en Livorno, pueblo natal de Mascagni. Su padre ni siquiera acude a verlo a la estación, ni a conocer a su mujer. En cambio, sí va su buen amigo Targionni, a quien el músico asegura que tiene casi acabado el Ratcliff, lo que es mentira. Antes de subir al tren, Mascagni le coge un libro para el camino: se trata de la novela “Cavalleria rusticana”. Durante el viaje, Lina le dice que van a tener un bambino.

Meses después, estando en la pequeña localidad de Cerignola, se programa una función de opereta con Mascagni como director (en uno de los carteles se anuncia “La Gran Vía”, zarzuela de la que, en efecto, un rato antes han estado ensayando algún número), pero a causa del inminente parto, se anuncia su sustitución por otro director. El pueblo, indignado, acorrala al director de la compañía y consigue que éste mude de parecer y reponga a Mascagni en el podio.

El final de corte es muy gracioso: Mascagni está dirigiendo el final de “Orfeo en los infiernos” e, impaciente por volver a casa donde su mujer ya está de parto, acelera el tempo hasta el punto de que bailotean los atriles de la orquesta, mientras el público se entusiasma: “¡Qué ritmo! ¡Qué brío!”


http://www.youtube.com/watch?v=mUfav1Gf7DU



Mascagni sigue a vueltas con el Ratcliff, y piensa en enviar uno de los actos al concurso Sonzogno. Pero Lina le dice que en el concurso no piden un acto de una ópera, sino una ópera en un acto, y le da dos brillantes ideas: que componga una nueva ópera en un acto sobre el libro que leía en el tren, y que el libretista sea su amigo Targionni. Después se ve cómo el pueblo de Cerignola, volcado en ayudar al maestro, ayuda a subir el piano a casa y el alcalde le regala un metrónomo.

La siguiente escena me resulta deliciosa: Mascagni está componiendo, y, en una cálida y tranquila noche italiana, los lugareños escuchan, respetuosos y emocionados desde la calle las melodías que salen por la ventana. Un cuadro casi costumbrista de un pueblo italiano y de una época en que la vida en los pueblos era muy distinta a la actualidad y las relaciones humanas todavía podían calificarse de eso, de “humanas”.


http://www.youtube.com/watch?v=UUfoFjJyhco



En el cuarto corte, el matrimonio Mascagni está hundido por la muerte del pequeño bebé, que ya de nacimiento era muy débil. Es ella quien saca fuerzas para animar a su marido a que termine la ópera. Mascagni confiesa que ya la ha terminado, pero no quiere mandarla al concurso: prefiere enviársela a Puccini para que la valore y, si éste lo cree oportuno, que la envíe él. Pero sin que Pietro lo sepa, Lina envía la partitura al concurso. Tiempo después llega una carta: el compositor se lleva una decepción al ver que no es de Puccini; cree que no le ha gustado la obra. Sin embargo, la carta es de Sonzogno: su ópera “Cavalleria Rusticana” ha ganado el concurso.


http://www.youtube.com/watch?v=0UwQ0GTv9kk



En los dos últimos fragmentos asistimos al estreno de Cavalleria, el 17-5-1890, en Roma, con asistencia de la Reina y de los ciudadanos de Cerignola, que celebran como propio el gran éxito de su hijo adoptivo. Tanto que, a la vuelta a casa, hay una muchedumbre bloqueando la entrada para recibirle y tiene que entrar por la ventana. Podemos oir a Mario del Monaco.


http://www.youtube.com/watch?v=qu4cX8URsk4


http://www.youtube.com/watch?v=ccAAvLaQJ9Q

Schigolch
November 30th, 2012, 09:40 PM
Impagable cuando el profesor acusa de 'snob' y 'progresivo' a Mascagni, y éste le responde con una declaración de amor a la melodía. :laugh4:

Loge
November 30th, 2012, 11:13 PM
Sí que es un momento estupendo de la película. ¡Pobre Mascagni! De qué le hubieran acusado si llega a ser Catalani, Smareglia, o no digamos Pizzetti.

Hoy que podía, me he dado un homenaje, y se lo he dado al bueno de Mascagni, viendo durante este rato la función de Roma 1996 de "Iris". :happydance.2:

Loge
December 8th, 2012, 08:04 PM
IL RE, de Umberto Giordano

Los años de entreguerras fueron para Europa un periodo de efervescencia artística, de nacimiento de estilos y tendencias vanguardistas, mientras las escuelas tradicionales se resistían a desaparecer. Así dio la coincidencia de que el mismo día, el 12 de enero de 1929, en dos ciudades no muy alejadas entre sí como son Montecarlo y Milán, tuvo lugar el estreno de dos obras de autores cuyos estilos se hallaban en los antípodas el uno del otro: “La valse” de Ravel, estrenada por la compañía de Ida Rubinstein en la ciudad francesa, y la ópera “Il Re” de Giordano, en la capital lombarda.

“Il Re” fue la última ópera que terminó Umberto Giordano (no llegó a completar “La festa del Nilo”), y la compuso expresamente para lucimiento de la soprano coloratura Toti Dal Monte, de la vieja escuela. Agradecida, Toti fue la principal valedora de esta obrita, de un solo acto y poco más de una hora de duración, y tras el retiro de la cantante, la obra cayó en el olvido.

El cast del estreno fue el siguiente: Toti del Monte (soprano; Rosalina –alternó el rol con Mercedes Capsir en la producción original), Enzo De Muro Lomanto (tenor; Colombello), Jean-Armand-Charles Crabbé (barítono; el Rey), Tancredi Passero (bajo; el molinero), Angelica Cravcenco (mezzo; la mujer del molinero)

Con todo, ha sido grabada cuatro veces, lo que no está mal para una obra “tan menor”. Pongo sólo los cinco principales papeles, en el orden Rosalina-Colombello-Rey-Molinero-Molinera:

1971: Elena Baggio, Mario Ferrara, Tito Turtura, Francesco Signo, Eleonora Jankovic. Teatro dell’Opera di Foggia. Director: Pier Alberto Biondi.

1998: Patrizia Ciofi, Francesco Paolo Panni, Nicolas Rivenq, Marco Pauluzzo, Maria Miccoli. Teatro Petruzzelli di Bari. Orchestra Internazionale d’Italia. Director: Renato Palumbo. Grabado en el Festival Valle d’Itria.

1998: Irina Mouratbekova, Manuel Beltran Gil, Michele Porcelli, Alexander Morozov, Masami Fujikawa. Orquesta y Coro de San Petersburgo. Director: Stanislaw Gorkovienko.

2006 (en DVD): Patrizia Cigna, Fabio Andreotti, Giuseppe Altornare, Francesco Facini, Maria Scogna. Orchestra Sinfonica di Capitanata, Coro Lírico “Umberto Giordano”. Director: Gianna Fratta. Grabado en el Teatro Giordano de Foggia.


El argumento es el siguiente: Colobello y Rosalina, hija de los molineros, están a punto de casarse, pero desde hace seis días ella observa una conducta distante y mustia con su prometido, lo que tiene preocupado tanto a éste como a los padres de la chica. El molinero y la molinera piden consejo a una astróloga, a un jurista y a un cura, pero éstos no sacan nada en limpio y, alarmados por la inexplicable actitud de la joven (que pone en peligro la vida de todos ellos al hacer girar la rueda del molino) se van. Entonces, la molinera obtiene de su hija la confesión: estando sola en el bosque, Rosalina ha visto pasar al Rey con toda su pompa y majestad, y, deslumbrada, se ha enamorado de él, por lo que ahora rechaza a Colombello, a quien le parte el cuore. Padres y prometido exclaman que se ha vuelto loca, pero en ese momento pasa un heraldo anunciando que el Rey va a conceder audiencia. Los personajes deciden acudir ante el monarca, a ver si puede ayudarles.

Inciso: el Rey tiene su gracia. Sólo recibe a aquellos que le lleven regalos, como dice el Heraldo: “Il Re fa noto che accorda udienza in questi giorni di sua presenza. Ma a chi porta, porta aperta. E chi non porta parta. Saran gradite le buone pesche, i polli giovani e l’uova fresche.” («El Rey anuncia que concederá audiencia hoy ante su presencia. Quien traiga algo, tendrá la puerta abierta. El que no, que se largue. Se agradecerán los buenos melocotones, los pollos jóvenes y los huevos frescos.”)

En la segunda escena, el Rey escucha las cuitas de los molineros y, cuando oye que Rosalina, una bonita joven, se ha enamorado de él, empieza a pavonearse y ordena que la lleven esa misma noche a su habitación. Colombello y sus futuros suegros se quedan asombrados, frustrados y furiosos, y todo lo que consiguen es que el Rey, encima, los haga arrestar.

En la escena final, Rosalina está sola y, al ver el vestido nupcial, se acuerda con añoranza de Colombello. Pero el molesto recuerdo cede pronto ante la perspectiva de convertirse en reina. Entra el soberano, que obtiene de Rosalina reiteradas promesas de amor, pero cuando él empieza a desnudarse y ella lo ve de cerca, se da cuenta de que sin vestidos suntuosos ni joyas no es más que un viejo fondón. Espantada, Rosalina sale corriendo en busca de su Colombello mientras el Rey se monda de risa. Finalmente se descubre que el monarca no tenía intención de aprovecharse, sino de darle una lección a la joven, ya que, de pronto, salen la astróloga, el notario y el sacerdote, con todo preparado para la boda entre Rosalina y Colombello, por orden del Rey. La ópera termina felizmente con vivas al Rey.

Podemos escuchar algunos fragmentos procedentes de la grabación de Valle d’Itria:

La confesión de Rosalina (http://www.divshare.com/download/15168194-df6)

COLOMBELLO
Io non so darmi pace!
Essere alla vigilia delle nozze!
Averti dato l’abito da sposae
senza una ragione…
Via! distrutto ogni cosa!
Non dormo più, io non lavoro più;
non andrò più sui monti
perchè non posso scender la collina
e non trovar nel prato Rosalina!
Via tutto in perdizione,
bruci tutto il carbone,
ma non vedere più quel prato in fiore
dove tutto mi grida:
Rosalina non ha più cuore!
Non ha più cuore!

LA MOGLIE DEL MUGNAIO
No, non è vero!
No, la mia Rosalina non è cattiva!
Ha avuto fin da quando era piccina
tenero il cuor come una fogliolina
e parlerà…

(a Rosalina, con tenerezza)

Si, parlerai perchè
tu non vorrai far piangere anche me!
Rosalina… bambina…
ricordati di quando eri piccina…

(Rosalina già commossa dalle parole di Colombello, dà in un pianto e abbraccia la madre. La madre fa senno al marito e a Colombello che ormai la ragazza è vinta e parlerà.)

Su… Rosalina su…
parla e non pianger più!

ROSALINA
Se non parlavo… no… no…
non era per cattivo cuore…
ma per non dare a tutti un gran dolore.
Ma ci avete costretta…
ebben, peggio sarà.
Ed or vi dico la verità.
Son sei giorni…
da quando in quella sera
nel bosco udii cantar la capinera.
Sentire la capinera
quando la sera imbruna ed esser sola
la capinera dice la fortuna!

(Gorgheggiando come la capinera)

“La buona fortuna, figliola!
la buona fortuna, figliola! Figliola!”
A un tratto uno squillare
di trombe, di corni!
Un suono trionfale
che ognor si avvicina…
Passava la caccia Reale!
Un nugolo di paggi
di cavalli e scudieri e cavalieri
e all’improvviso dalla boscaglia folta
proprio davanti a me…
apparve… apparve… il Re.
O Colombello!
Com’era bello!
I bei capelli biondi inanellati
sulle spalle ondeggianti
il petto luccicante di diamanti;
dritto a cavallo maestoso e lento
nel manto a fiordalisi d’oro e argento!
Passò.
Io mi appoggiai per non cadere…
era sera… ero sola…
sulla mia testa ancor la capinera
“la buona fortuna figliola
la buona fortuna figliola figliola!”
Da quel momento non ho avuto pace!
Non dormo più non vivo più perchè…
Io sono innamorata!
del Re! del Re! del Re!

COLOMBELLO, IL MUGNAIO, LA MOGLIE
Innomarata del Re? Tu sei pazza!
COLOMBELLO
¡No puedo hallar la paz!
¡Es la víspera de la boda!
Haberte entregado ya el vestido de novia
y, sin ninguna razón…
¡Vamos! ¡Todo destrozado!
¡Ya no duermo, ya no trabajo;
no volveré a subir a los montes
porque no seré capaz de bajar la colina
y no hallar en el prado a Rosalina!
Lo doy todo por perdido,
consumido todo el carbón,
pero nunca volveré a ver el prado florido
donde todo me grita:
¡Rosalina no tiene corazón!
¡No tiene corazón!

LA MOLINERA
¡No, no es verdad!
¡No, mi Rosalina no es mala!
Desde que era pequeña
tiene el corazón tierno como una hojita
y hablará…

(A Rosalina, con ternura)

Sí, hablarás porque
no querrás hacerme llorar también a mi.
Rosalina… Pequeña…
Acuérdate de cuando eras pequeña…

(Rosalina, ya conmovida por las palabras de Colombello, rompe a llorar y abraza a la madre. Esta hace señas al marido y a Colombello de que la muchacha está a punto de hablar)

Vamos, vamos, Rosalina…
Habla y no llores más!

ROSALINA
Si no hablaba… no… no…
no era por tener un corazón malo…
sino para no causar a todos un gran dolor.
Pero, ya que me obligáis,
pues bien, peor para todos.
Ahora os diré la verdad.
Hace seis días…
que por la tarde
oí cantar en el bosque a la curruca.
¡Oir la curruca
cuando anochece y se está sola,
significa que la curruca trae suerte!

(Gorjeando como la curruca)

"¡Buena suerte, muchacha!
¡Buena suerte, muchacha! ¡Muchacha!"
¡De pronto, se elevó un clarmor
de trompetas, de cuernos!
Un sonido triunfal
cada vez más próximo…
¡Era el Rey, cazando!
Una nube de pajes,
caballos, escuderos y caballeros,
y de pronto, del denso bosque,
justo delante de mí…
apareció… apareció… el Rey.
Oh, Colombello!
¡Qué hermoso era!
Su bello cabello rubio caía en bucles
sobre sus ondulados hombros.
El pecho relucía de diamantes.
Derecho sobre el caballo, majestuoso y lento,
con el manto bordado de flores de lis
de oro y plata. Se fue.
Tuve que apoyarme para no caer…
Era por la tarde… Estaba sola…
Sobre mi cabeza aún cantaba la curruca:
"¡Buena suerte, muchacha!
¡Buena suerte, muchacha! ¡Muchacha!"
¡Desde entonces no tengo paz!
No duermo ni vivo porque…
¡Estoy enamorada
del Rey, del Rey, del Rey!

COLOMBELLO, EL MOLINERO, LA MOLINERA
¿Enamorada del Rey? ¿Estás loca?



Desesperación de Colombello (http://www.divshare.com/download/15168242-44e)

ROSALINA
Se non mi sarà dato
di calmare l’amoroso tormento
io finirò i miei giorni in un convento!
Ho fatto un giuramento:
o il Re o il convento.

(con tenerezza)

Colombello sposarti
sarebbe un ingannarti.

(prende dalla cassapanca la scatola con la veste di sposa)

Questa è la veste bianca
di giglio e spigo ancor tutta odorosa,
tu la potrai donare a un’altra sposa.
Ed ora vanne e non tornar mai più…
Vedi: anch’io son commossa
perchè ti voglio bene
Ma è tutta un’altra cosa…
O Colombello mio…
Addio per sempre… Addio! Addio!

COLOMBELLO (affranto)
Tutto è finito così.
Tutto è finito così.
Spento quel sogno bello
Spento per Colombello, ahimé!
Se m’abbandoni, o Rosalina
solo rimango, solo nel mondo
col pianto e col dolor.
Mai più vedrò nel prato in fior
quel vago ardor degli occhi suoi.
Tutto era luce,
Bella la vita,
Ora è finita la gioia in me!
Se m’abbandoni mia Rosalina
io morirò d’amor.
ROSALINA
Si no puedo
calmar mi amoroso tormento,
¡acabaré mis días en un convento!
He hecho un juramento:
o el Rey, o el convento.

(Con ternura)

Colombello, si me casara contigo
te estaría engañando.

(Coge del arcón la caja con el vestido de novia)

Este es el vestido blanco
aún perfumado de lilas y lavanda.
Puedes dárselo a otra novia.
Y ahora, vete y no vuelvas nunca…
Mira: yo también estoy conmovida
porque te quiero bien.
Pero de otra manera…
¡Oh, Colombello mío…
Adiós para siempre… Adiós, adiós!

COLOMBELLO (abatido)
Así, todo ha terminado.
Así, todo ha terminado.
Murió ese bello sueño.
¡Murió para Colombello, ay!
Si me abandonas, Rosalina,
me quedo solo, solo en el mundo
con mi llanto y mi dolor.
No volveré a ver, en el prado florido,
aquel indicio de ardor en sus ojos.
Todo era luz,
bella la vida.
¡Ahora ha muerto la alegría en mí!
Si me abandonas, Rosalina mía,
moriré de amor.



Rosalina en el castillo (http://www.divshare.com/download/15168333-5fc)

ROSALINA
(Si guarda intorno, curiosamente)

Io son nel castello del Re.
E fra tanta ricchezza
Io povera così…

(Da un arazzo esce a passo di danza un servo moro che porta sulle braccia una candida veste da sposa. La depone su un piccolo tavolino. Il moro, senza proferir parola, va verso il fondo, solleva un arazzo e lascia vedere un grande specchio. Il moro accenna lo specchio e si ritira sempre a passo di danza.)

Il Re mi manda l’abito da sposa
Ah! Presto, presto, prima ch’ei giunga…

(Rosalina davanti allo specchio cambia l’abito. Indossa
la veste da sposa.)

Oh, come è uguale a quello
che m’aveva donato… Colombello.
Oh! che diversa sorte
m’aspettavo rivestita così.
In un mattin sereno
uscire nella via
al suon delle campane
della chiesetta mia.
La mia chiesetta in festa,
di luci luminosa,
che vide battezzarmi
e mi vedeva sposa.
I bimbi buttan fiori
e feste al mio passar
Vedere la mia mamma
di gioia lacrimar.
Così coi fior d’arancio
per unico gioiello
andare stretta stretta
al braccio a Colombello.

(riprendendo la sua gaiezza)

Ah, Colombello!
Che cosa è Colombello
sempre nero come un merlo
Ah! Colombello!
La bella mugnaina
con una stella in fronte
diventerà Regina!

(si mette in testa la gemma)

Me l’ha donata il Re
la colse in ciel per me.
Brilla sulla mia fronte
risplende più del sole,
è il sol che alfine illumina
la mia felicità.
Ah! Son dal Re!
Io son nel castello del Re!
La buona fortuna figliola, figliola!

UNA VOCE INTERNA
Il Re!

POCHE VOCI INTERNE
Il Re!

IL RE
Alzati, Rosalina. Come sei bella!
Un fiore come te non è fiorito mai
nei giardini del Re.

ROSALINA
O Sovrano… O Sovrano…
Sono così confusa…
che non ho ben compreso
il suon di quegli accenti…

IL RE
O Rosalina, in veste di sposa
come sei bella!
Vederti e amarti è sola una cosa.

ROSALINA
O Sovrano, Sovrano
non mi parlar così
Se tu non vuoi che muoia dalla gioia!

IL RE
È dunque vero che nel tuo cuore
fiorì per me un così grande amore?

ROSALINA
Ah! Maestà non è amore!
È più che amore!
Ti vidi e mi apparisti
come or ti vedo bello!
Bello! Bello!
Essere sovrumano…
Da quel momento o Re
io fui tutta per Te!...

IL RE
Dunque la tua bellezza…

ROSALINA
Nell’offrirtela senti la mia gioia!...

IL RE
M’offri tutta la vita…

ROSALINA
Nell’offrirtela senti la mia gioia infinita!
ROSALINA
(Mira alrededor con curiosidad)

Estoy en el castillo del Rey.
Y entre tanta riqueza,
aquí estoy yo, tan pobre…

(De detrás de un tapiz sale un sirviente moro dando unos pasos de danza. Lleva en los brazos un candoroso vestido de novia. La coloca sobre una mesita. El moro, sin decir palabra, va hacia el fondo, levanta un tapiz y deja ver un gran espejo. El moro le señala el espejo y se retira, siempre con paso de danza)

El rey me envía este vestido de novia.
¡Ah! Pronto, pronto, antes de que venga…

(Rosalina se cambia de ropa ante el espejo. Se pone el vestido de novia)

Oh, es igual
que el que me dio… Colombello…
Oh! Qué suerte tan distinta
me esperaba vestida con el de él.
En una mañana serena
hubiese andado por la calle
al son de las campanas
hacia mi pequeña iglesia.
Mi iglesita en fiesta,
decorada con luces,
que me vio bautizar
y ahora vería mi boda.
Los niños arrojarían flores
y guirnaldas a mi paso.
Vería a mi madre
llorar de alegría.
Con flores de naranjo
por única joya,
iría directa
a los brazos de Colombello.

(Recuperando el buen humor)

Ah, Colombello!
¿Quién es Colombello?
Siempre negro como un mirlo.
¡Ah, Colombello!
¡La bella molinerita
con una estrella en la frente
será Reina!

(Se pone la joya en la cabeza)

Me la ha dado el Rey,
la cogió del cielo para mí.
Brilla en mi frente,
resplandece más que el sol,
es el sol que, al fin,
ilumina mi felicidad.
¡Ah! ¡Pertenezco al Rey!
¡Estoy en el castillo del Rey!
¡Buena suerte, muchacha, muchacha!

UNA VOZ, DESDE FUERA
¡El Rey!

VARIAS VOCES DESDE FUERA
¡El Rey!

EL REY
Alzate, Rosalina. ¡Qué bonita eres!
Una flor como tú no ha florecido nunca
en el jardín del Rey.

ROSALINA
Oh, Soberano…Oh, Soberano….
Estoy tan confusa..
que no he comprendido
lo que has dicho…

THE KING
¡Oh, Rosalina, qué bonita estás
con el vestido de novia!
Verte y amarte es todo uno.

ROSALINA
¡Oh, Soberano, Soberano,
no me hables así
si no quieres que muera de alegría!

EL REY
¿Luego es cierto que en tu corazón
florece para mí un gran amor?

ROSALINA
¡Ah! ¡Majestad, no es amor!
¡Es más que amor!
¡Te vi y apareciste ante mí,
tan guapo como te veo ahora!
¡Guapo! ¡Guapo!
Un ser sobrehumano…
¡Desde aquel momento
fui totalmente tuya!

THE KING
Entonces, tu belleza…

ROSALINA
¡Ofrecértela es mi felicidad!...

THE KING
Me ofreces toda la vida…

ROSALINA
¡Ofrecértela es para mí una alegría infinita!

Schigolch
December 8th, 2012, 09:02 PM
Tengo la version con Ciofi, y la verdad es que se deja escuchar.

Gran reparto el del estreno, con Dal Monte, de Muro Lomanto y Tancredi Pasero. Dirigia Arturo Toscanini, como en este fragmento grabado en 1949:


http://www.youtube.com/watch?v=qZ1USSZKIds

Nervous Gentleman
December 16th, 2012, 11:37 AM
MARGHERITA DA CORTONA,
de Licinio Refice


Libreto en italiano de Emidio Mucci:

http://www.mediafire.com/?2z1fzfewh1cc9xf

:curtain_call:

Loge
December 16th, 2012, 12:17 PM
Qué bien me hubiera venido tenerlo antes. Pero bienvenido sea.
Gracias por el enlace, Nervous G.

Loge
December 19th, 2012, 03:43 PM
L’ORFEIDE,
de
Gian Francesco Malipiero

Influido al mismo tiempo por la música de Monteverdi y Frescobaldi y por la de Stravinsky, Malipiero se pronunció contra la irrealidad de los argumentos veristas (nótese la paradoja) y llevó a la práctica su postura en favor de representar sucesos reales en la singular ópera de la que hablaremos hoy: “L’Orfeide”.

L’Orfeide, cuyo libreto es del propio Malipiero, consta de tres partes: “La muerte de las máscaras”, “Siete canciones” y “Orfeo, o sea, la octava canción”. Lo primero que compuso (entre 1918 y 1919) fueron las “Siete canciones”. Se trata de siete microescenas, de cinco a ocho minutos de duración cada una, en las que se representan hechos reales y no hay recitados. Según el propio autor, “el texto está tomado de la antigua poesía italiana, porque en ella se encuentra el ritmo de nuestra música, el ritmo verdaderamente italiano que poco a poco, durante tres siglos, se ha ido perdiendo en el melodrama.”

Las “Escenas” tuvieron una fría acogida en la Opera de París y en otros países europeos, así que en 1919/1920 escribió “Orfeo, o sea, la octava cacnión”, en la que Malipiero, por boca de Orfeo, recrimina a la audiencia su impasibilidad ante lo que se representa en el escenario. Y como el público seguía sin entender, en 1921 añadió la primera parte, “La muerte de las máscaras”, donde, para dejarlo claro de una vez por todas, muestra de manera explícita su intención de acabar con las convenciones y con el modo antiguo de hacer teatro, y sustituirlo por personajes y argumentos nuevos, invitando a escoger la vía simple para hacer música. Además, así conseguía que la duración del espectáculo fuese mínimamente rentable para los compradores de las entradas (con todo, la trilogía no dura más que hora y media) A pesar de esta manera tan deslavazada de crear la obra, Malipiero sostuvo siempre la integridad del tríptico, acentuando la unidad de la tesis de fondo que desarrolla.

Las tres partes de que consta la obra se habían ido estrenando de manera independiente. La primera ejecución completa tuvo lugar en Dusseldorf, el 5 de noviembre de 1925 con los siguientes instérpretes: H. O. Stock, C. Waldmeier, H. Bouquoi, C. Bara, K. Ludwik, J. Redensbeck, B. Backstein, H. Faber, L. Roffmann, P. Barleben, M. L. Schilp, W. Fassbaender, C. Ullrich, E. Senff-Thiess, J. Grahl, E. Thiess, J. Dobski, M. Bruggermann, J. Schoemmer, B. Putz, C. Nettesheim, W. Ries. Director: E. Harthmann.

Veamos el contenido de cada una de las tres partes:

“La muerte de las máscaras”
Una sala con un gran armario al fondo. En el centro de la estancia hay un palco y junto al armario tenemos a un empresario teatral sentado en una silla y vestido de negro. Tras él, las siete máscaras de la Comedia del Arte. A un gesto del empresario, las máscaras van saliendo una a una al escenario y se van presentando: Brighella, Arlecchino, el capitán Spavento… Oigamos cómo se presentan Pantalone, Tartaglia y Pulcinella:

Presentación de Pantalone, Tartaglia y Pulcinella (http://www.divshare.com/download/21482741-a8b)

PANTALONE
(Sale tranquillamente sul palco)
Io, Pantalone dei Bisognosi, veneziano,
per secoli e secoli ho vissuto sulle scene del mondo,
raprresentando l’onestà, l’amor paterno,
e qualche volta l’avarizia e l’amor senile.
Fui ministro, ambasciatore, in Cina, in Francia,
in Ispagna, bazzicai col Turco, col Gran Mogol,
sempre rimanendo fedele alla mia grande patria.
Da Venezia lontan do mile mia
no passa dì che no me vegna in mente
el dolce nome de la patria mia
el linguazo e i costumi de la gente.

(Si copre il volto con le mani e rimane pensoso)

TARTAGLIA
(Salendo sul palco, scuote Pantalone che ritorna a passi lenti al suo posto)

Ta ta ta ta ta Tartaglia è pu pu pu pu pu pu pure
un personaggio illustre !
Ta ta ta ta ta Tartaglia è stato mi mi mi mi mi ministro!
Ta ta ta ta ta Tartaglia è stato anche re di Mo mo Monte te rotondo!
Ta ta ta ta ta ta ta ta ta…

PULCINELLA
(Sale sul palco, Tartaglia raggiunge il suo posto)

Ta ta ta ta ta ta ta ta ta.
Trallera, trallera, trallera, trallera.
Di Napoli ecco il campione!
Ecco il re di tutti i pulcinelli!
Napoli! Napoli! Napoli! Napoli!
Il tuo sole mi fa cantar, danzar, saltar, cantar, danzar la tarantella.
Napoli! Napoli! Napoli! Napoli!
Il tuo cielo è troppo bello per non cantar, danzar,
saltar, cantar, danzar la tarantella.

(Diventando improvvisamente patetico)

Non son allegro più, non son più quello,
sono un pellegrino sfortunato,
non mi chiamate più, mai più Pulcinella,
Ah, menicò, menicò, menicò,
chiamatemi Pulcinella disgraziato.

LE ALTRE MASCHERE IN CORO
Ah, menicò, menicò, menicò.


Cuando ya están todas las máscaras en escena, aparece de pronto un hombre vestido de rojo, de aspecto monstruoso y armado con un látigo, con el cual pone en fuga al empresario y obliga a las máscaras a meterse en el armario, tras lo cual las deja allí encerradas. Entonces deja ver la cítara que también lleva en la mano, y descubrimos que se trata de Orfeo. Este abre una puerta, y hace entrar a otros personajes: son los que van a protagonizar las siete brevísimas escenas de la segunda parte: un ciego, su mujer, un coplero, una madre, un campanero, etc.

Con ello, Malipiero quiere simbolizar el arrinconamiento en el arte, y concretamente en el teatro, de unos personajes y temas (las máscaras) que ya no eran familiares para los italianos de comienzos del siglo XX, y su sustitución por situaciones y personajes más candentes y habituales. El impulsor del cambio es Orfeo, personaje que se ha paseado por el arte occidental desde sus inicios, quien aparece como un empresario moderno.


“Siete canciones”
Lleva por subtítulo “Siete expresiones dramáticas”, y son siete cortísimas escenas, sin relación argumental alguna entre sí. El único vínculo entre ellas consiste en que Malipiero las presenció todas en la vida real. Como el propio autor las describe en la web http://www.rodoni.ch/malipiero/orfeide.html, nada mejor que cederle la palabra:

“Las Siete Canciones son siete episodios vividos por mí y que creo haber podido traducir musicalmente sin contradecirme.

1. I vagabondi
En Venecia un cojo y un ciego, violinista el primero y guitarrista el segundo, acompañados de una mujer que era la guía del ciego, escogían para sus “conciertos” los antros más misteriosos, las calles más angostas, casi queriendo evitar la luz. No sé por qué atrajeron mi atención, a pesar de su lastimosa antimusicalidad. En efecto, un bello día el ciego se quedó solo rasgando con acordes desesperados su vieja guitarra: la compañera se había fugado con el cojo. Este pequeño drama me sugirió la primera canción: “Los vagabundos”

I vagabondi (http://www.divshare.com/download/21482748-c76)

(Le prime ore di sera. Una strada. Nel centro, una porta chiusa a cui si sale per due gradini. Entrano i vagabondi: il cieco, un uomo di media età, appoggiato al braccio di una giovane donna, cammina lentametne tenendo una chitarra sotto l’altro braccio. Dietro di loro il cantastorie, giovane e robusto. Fanno sedere il cieco sui gradini della porta; egli posa il cappello rovesciato dinanzi a sé per raccogliere l’elemosina, e comincia a preludiare sulla sua chitarra. Il giovane, guardando sempre fissa la donna, che s’è messa a sedere accanto al cieco, canta)

IL CANTASTORIE
La mi tenne la staffa, e io montai in arcione:
la mi porse la lancia, e io imbraccia la targa;
la mi porse la spada, la mi calzò lo sprone;
la mi mise l’elmetto, io gli parlai d’amore:
a dio bella sora, ch’io me ne vo a Vignone.

(Alcuni passanti senza fermarsi lasciano cadere qualche moneta nel cappello)

Et da Vignone in Francia per acquistare honore
s’io fo colpo di lancia farò per vostro amore:
s’io moro alla battaglia, moro per vostro honore:
diran le maritate, morto è il nostro Amadore:
diran le pulzellette morto è per nostro amore:
diran le vedovelle vuolsegli fare honore:
dove il sotterreremo? In Santa Maria del Fiore;
di che lo coprirremo? Di rose et di vïole.

(Egli suggestiona la donna col suo canto, ed infine, con un gesto quasi imperioso, le impone di seguirlo. Ella si alza, pone nel cappello del cieco del denaro avvolto in un fazzoletto. Se ne vanno silenziosi. Il cieco rimasto solo continua per un poco a improvvisare sulla chitarra. Poi si leva, chiama la donna, intuisce, raccatta il cappello, trova il denaro, lo prende e lo getta violentemente a terra. Vacillando, a tentoni se ne va dalla parte opposta di dove se ne sono andati i due amanti.)

2. A vespro
Una tarde, en Roma, hacia el crepúsculo, en la Iglesia de San Agustín, una mujer rezaba de rodillas ante la imagen de la Madonna. Un fraile andaba por aquí y por allí ocupado con las tareas que preceden al cierre del templo. Apagaba las velas, recolocaba las sillas y el ruido de un manojo de llaves acompañaba las voces de los monjes que cantaban tranquilos en el coro y junto al altar. De pronto, el fraile se acercó a la mujer y la invitó a salir. Esta se levantó y sin abrir los ojos se dirigió a la puerta y desapareció. La segunda canción, “A vespro” nació de esta misteriosa aparición crepuscular.
(Esta canción no tiene texto, salvo el “Ora pro nobis” que en plan letanía cantan los monjes en el coro. Por tanto, funciona como una especie de intermezzo dramatizado)


3. Il ritorno
Pasando cerca de una casa, a las faldas del Monte Grappa, a menudo oía a una mujer llorar, lamentarse y entonar canciones infantiles. Era una madre enloquecida de dolor por la muerte de su hijo, herido en la guerra. Ora mecía y adormecía un muñeco, ora lo pisoteaba aullando, imprecando. En este episodio trágico encontré la inspiración para la tercera canción: “Il ritorno”.


4. L’ubbriaco y 5. La serenata
“El borracho”, que interrumpe un idilio (la cuarta canción), lo vi en Venecia, y también en Venecia noté el contraste entre la vela de un muerto y el canto de una serenata. “La serenata” es la quinta canción.


6. Il campanaro
En Ferrara, entrando en una iglesia durante un funeral, me chocó el campanero (sexta canción), que recluido en su celda tocaba a muerto silbando “la donna è mobile”. He sustituido el funeral por un incendio y para representar la indiferencia del campanero le he hecho cantar una canción casi obscena.


7. L’alba delle ceneri
La séptima canción la oí más de una vez en la última noche de carnaval. La mascarada del carro de la muerte es una antigua mascarada italiana que no tiene nada de fúnebre. En su encuentro con los payasos encontré el pretexto para crear una sinfonía de blanco y negro. Si la música es un poco solemne al final, supone algún sentido de liberación que siempre he notado en “L’alba delle ceneri” cuando la cuaresma viene a liberarse de la invasora banalidad carnavalesca.”

Al comienzo de la séptima canción Il lampionaio repite, casi literalmente, las palabras y la música del cantastorie en la primera, con lo que Malipiero cierra el círculo de sus historias.

L’alba delle cenere (http://www.divshare.com/download/21482756-205)

(Una strada di una piccola città. Casupole. Comincia ad albeggiare. Entra canticchiando, il lampionaio e spegne alcuni fanali primitivi.)

IL LAMPIONAIO
La mi tenne la staffa, e io montai in arcione:
la mi porse la lancia, e io imbraccia la targa.
A dio bella sora, ch’io me ne vo a Vignone:
et da Vignone in Francia, per acquistare honore.

(Tintinnano pettegole le campane della prima messa di quaresima. Nero vestite passano, isolate e a gruppi, le beghine che vanno alla chiesa. S’avanza, da sinistra, a passi lenti, la compagnia del carro della morte, borbottando)

COMPAGNIA DEL CARRO DELLA MORTE
Penitenza! Penitenza!

(Esce da sinistra, correndo, un’allegra mascherata di pagliacci, che sghignazzando si mette a danzare intorno al carro funebre, impedendogli di continuare per la sua strada. Ad un trato, dal carro funebre s’alza, scattando, una figura orribile a vederse raffigurante la morte. I pagliacci fuggono atterriti, uno di essi perde il berretto. Con ostentata solennità gli uomini del carro della morte cantano)

COMPAGNIA DEL CARRO DELLA MORTE
Dolor, pianto e penitenza ci tormentan tuttavia.
Questa morta compagnia va gridando penitenza.
Fummo già come voi sète, voi sarete come noi.
Morti siam, come vedete: così morti vedrem voi,
e di là non giova poi, dopo il mal, far penitenza.
Ancor noi per Carnovale nostri amor’ gimmo cantando;
e così di male in male venivam moltiplicando.
O pel mondo andiam gridando: Penitenza, Penitenza!

(Gridando sempre ”penitenza, penitenza” se ne vanno, gravi nell’incedere. Con grande circospezione entra i pagliaccio che aveva perduto il berretto, e lo raccatta: nel rialzarsi si imbatte con una mascheretta che sta rincasando, l’abbraccia, la prende per la vita e saltando allegramente se ne vanno insieme.)


“Orfeo, o sea, la octava canción”
Aquí se escenifica una parábola, recurriendo al juego de los espejos para hablar del teatro dentro del teatro. Primero se abre un telón y vemos un teatro del siglo XVIII. Tras una breve escena entre una dama, un caballero que la acosa y un vendedor de bebidas, entran el Rey y la Reina junto con su séquito y se preparan para ver la función. Entonces se alza un segundo telón y quedan a la vista tres escenarios. El de la izquierda es un teatro barroco, con público de la época empolvado y empelucado. El de la derecha es un teatro muy sobrio, cuyo público está compuesto por niños de diferentes edades. En el del centro, sobre un decorado que representa la Roma imperial, aparece Nerón sujeto por cuerdas, como si fuera una marioneta con sus hilos. Los otros personajes que aparecen en este teatrillo dentro del teatro (el sirviente de Nerón, Agripina, el verdugo) son marionetas auténticas.

Nerón da rienda suelta a sus bajos instintos y, sucesivamente manda masacrar a diez mil esclavos, ejecutar a su madre Agripina, e incendiar Roma. Los niños de la derecha aplauden las salvajadas, en tanto que el público barroco de la izquierda se indigna, llegando a marcharse. Pero la audiencia del primer teatro, el del siglo XVIII, ni pestañea. Está como petrificada, impávida.

Entonces, los tres teatrillos del fondo desaparecen, o se sumergen en tinieblas, y sale Orfeo, vestido de blanco, que se dirige al Rey, la Reina, y demás espectadores del primer teatro: “¡Gloria a vuestro siglo! ¡Admiro vuestra impasibilidad! No os habéis turbado ni por las maldades del tirano, ni por las protestas de los pelucones, ni por los aplausos de la ingenua chiquillería. ¡Gloria a vuestro siglo! Quizá pensáis que yo soy un fantoche como Nerón. Os engañáis: yo soy Orfeo, reducido a este estado por la adversa fortuna” Y empieza a contar cómo con su canto amansa la fieras, etc., etc. Pero en vez de interesar al público, lo que consigue es adormecerlo, y cuando ya están todos sopa a excepción de la Reina, coge a ésta por el brazo y se va con ella. Cae el primer telón.

Final (http://www.divshare.com/download/21482763-fb4)

ORFEO
(Rivolgendosi al pubblico settecentesco siempre immobile)

Sia gloria al vostro secolo!
Ho ammirato la vostra impassibilità!
Non vi siete rubati, né per le arti malvage del tiranno,
né per le proteste dei parrucconi,
né per la gazzarra dell’ingenua ragazzaglia.
Sia gloria al vostro secolo!
Voi forse mi credete un fantoccio come Nerone!
V’ingannate. Io sono Orfeo,
ridotto in questo stato dall’avversa fortuna.
Come col mio canto ha già potuto ammansare le fiere,
commuovere Cerbero, Plutone,
così spero di commuovere pur voi e riscuotere il vostro applauso sincero.
So quanto sia tenero il vostro cuore.

(Accompagnandosi con il liuto canta)

Uscite o gemiti, accenti queruli, lamenti flebili, fuor dalle viscere.
Correte o lacrime, fontane torbide, e ‘n pioggia tiepida,
per gli occhi languidi, stillate l’anima.
Portate o Zefiri il mesto annunzio per tutta Arcadia,
e questo spirito tra’ vostri sibili confuso vadane.
Prendete o calami, dolci reliquie del mio bell’Idolo,
quel giusto debito che pagar licemi.
Sospiri e fremiti, ch’ognor da’ mantici del petto esalano,
d’auretta musica gonfino gli organi de la mia fistula,
sì che in memoria del caso tragico al nostro piangere
con rauco strepito sempre risonino.
Foreste tacite, muti silenzi, orrori inospiti,
spelonche orribili, profondi baratri di fere estranie.
Erbette floride aurette placide, fioretti teneri.
Limpidi rivoli, fertili pascoli, frassini e platani,
roveri e salici, edere e pampini, Satiri e Driadi.
Ramuscelli tremuli, augeletti garruli.

(A poco a poco tutti sono rapiti dal sonno e s’addormentano. Si vedono, le une dopo le altre, chinarsi tutte le teste. Solanto la regina non dorme ed ascolta estasiata il canto di Orfeo)

Rupi concave, secretarie solitarie del mio misero infortunio,
poiché vogliono stelle perfide, che ‘n perpetuo resti vedovo
d’ogni giubila siate testimoni dell’esequie ch’oggi celebro
non al tumulo del suo cenere ma del povero Dio di Menalo,
ch’è cadavere miserabile e sostentasi per miracolo,
e ‘n quest’ultimo grave esilio brama ch’Atropo
a la linea del suo vivere, che dee scorrere
tutti i secoli, ponga termine.

(Alla fine la regina si alza, tende le braccia a Orfeo, che con un salto la raggiunge. Si baciano e partono dalla porta di destra. Tutti dormono e russano. Quasi tutte le candele sono spente. Si chiude il primo velario.)

Sólo hay una grabación, legendaria, realizada en Florencia a primeros de junio de 1966, y que se ha hecho tristemente famosa porque durante la última representación el director de orquesta Hermann Scherchen sufrió un infarto y falleció poco después.

Magda Olivero, la principal cantante del reparto durante esas representaciones, recordaba estos hechos y la forma de dirigir de Scherchen en una entrevista que le realizaron treinta años más tarde, y que viene incluida en la edición del disco de 1996. Los interesados, pueden leerla, en francés, en la página que ya indiqué antes:
http://www.rodoni.ch/malipiero/orfeide.html


La representación completa puede oirse en estos tres youtubes:

http://www.youtube.com/watch?v=lkMoSz0uvNM

http://www.youtube.com/watch?v=p7atXRBRdLM

http://www.youtube.com/watch?v=02COALzLnGE


Concluyo la presentación volviendo a las palabras del compositor, quien, después de haber anunciado intenciones tan amplias como acabar con la ópera verista y redirigir el rumbo de la lírica italiana, termina diciendo: “Naturalmente, me di cuenta de que adoptando un sistema me repetiría (repetirse es uno de los puntos débiles del músico) y que corría el riesgo de destruirme. L’Orfeide queda, pues, como una ópera de excepción y pienso que tan sólo “El torneo nocturno” (escrito hacia 1930) es, a pesar de la unidad del sujeto, un descendiente directo de las Siete canciones”

Pues para este viaje...

Schigolch
December 19th, 2012, 04:12 PM
Interesantísima obra, que merece mucho la pena escuchar, sobre todo las "siete canciones".

Magda Olivero:


http://www.youtube.com/watch?v=v4eAwagsm34

Loge
December 19th, 2012, 06:44 PM
Ecco el texto en italiano de "Il ritorno":

Giorno piovigginoso d'autunno.
L'interno di una stanza.
Una finestra e una porta, chiuse.

(Seduta su dì un seggiolone la vecchia madre demente, piange il figlio perduto)

LA VECCIA MADRE
O morte dispietata,
tu m'hai fatto gran torto;
tu m'hai tolto mio figlio
ch'era lo mio conforto.
Già mai non vidi giovane
di cotanto valore
quanto era lo mio figlio
che mi donò il Signore.

(S'interrompe: Le balena il ricordo di un'antica canzone con la quale solea addormentare il suo bambino)

Dolce sonno, dal cielo scendi e vieni
vieni a cavallo e non venire a piedi;
vieni a cavallo in un cavallo bianco,
dove cavalca lo Spirito Santo:
vieni a cavallo in un bel cavallino,
dove cavalca anche Gesù Bambino.
Falla, la nanna, ne li dolci sonni!
Mamma ti canta, e tu, piccino, dormi!

(Bruscamente il dolore la riafferra)

O figlio, figlio, figlio, figlio amoroso giglio,
figlio, chi dà consiglio, al cor mio angustiato?
Figlio, occhi giocondi, figlio, co non rispondi?
Figlio, perché t'ascondi dal petto ove se'lattato?

(Ha un'altra visione, le sembra di giuocare col suo bambino)

Fila, fila lunga!
La mamma si raggiunga:
si raggiunga la badessa.
Si canterà la messa;
la messa e il mattutino.
Si farà un bello inchino.
L'inchino è bello e fatto:
si farà la pappa al gatto.
Il gatto non la vòle:
si darà alle gattaiole.
Le gattaiole son sotto il letto:
ci daranno un bel confetto.

(Ancora più angosciata riprende il lamento)

O figlio, figlio, figlio, figlio, amoroso giglio,
figlio, chi dà consiglio, al cor mio angustiato?
Figlio, occhi giocondi, figlio, co non rispondi?
Figlio, perché t'ascondi dal petto ove se'lattato?

(Passano cantando alcuni giovani)

VOCI INTERNE
All'erta, alle'erta, che il tamburo suona:
i Turchi sono armati alla marina,
la povera Rosina è prigioniera.
All'erta, all'erta che il tamburo suona.

(Ella ascolta. A un tratto s'apre la porta e appare il figlio, che si precipita verso la madre. La demente indietreggia, lo respinge quasi ed è presa de un riso convulso e sinistro. Poi s'irrigidisce e fisso lo sguardo nel vuoto cade pesantemente a sedere sul seggiolone. Il figlio la guarda immobile.)

Nervous Gentleman
December 21st, 2012, 10:04 AM
MARGHERITA DA CORTONA,
de Licinio Refice

Libreto en italiano de Emidio Mucci.


Por desgracia, el archivo anterior le faltaban dos páginas (12 & 13).
Éste ya ha sido corregido.

Nuevo enlace:

http://www.mediafire.com/view/?p6u1gp1yvtha9mc

Nervous Gentleman
December 27th, 2012, 07:40 PM
Antonio Smareglia - Oceàna



http://www.youtube.com/watch?v=uOn-rKhUvWE


Libreto en italiano de Silvio Benco:

http://www.mediafire.com/view/?ces309c6ino0u1w

Loge
December 28th, 2012, 07:06 AM
LA FIGLIA DI IORIO, de Alberto Franchetti

1.- Esta la empezamos con el libretista.

Gabriele D’Annunzio, nacido Gaetano Rapagnetta, fue todo un personaje. Su vida y obra se pueden consultar en cualquier enciclopedia o página de internet, por lo que me limitaré a dejar constancia de algunas perlas: declarado héroe de guerra por sus hazañas aéreas durante la I Guerra Mundial, arrojó de Fiume a las tropas inglesas, francesas y americanas y declaró el Estado libre de Fiume, que gobernó durante año y medio. En la Constitución que ayudó a redactar, entre otras cosas, declaraba que la música era el principio fundamental del Estado. También hizo correr la noticia de que había muerto como consecuencia de una caída durante uno de sus paseos a caballo, con lo que consiguió alguna que otra excelente necrológica, y propaló el bulo de haber escrito a ciegas una de sus obras más líricas, “Notturno” (aunque sea en prosa) ya que tenía los ojos vendados mientras convalecía de sus heridas. Su ego debía de ser inconmensurable.

Ahora bien, su obra debía de tener algo especial, pues además de alcanzar la fama con sus novelas, dramas y poemas, fue libretista (o en sus obras se basaron los libretos) de un buen ramillete de obras y compositores veristas y postveristas. Así, “Parisina” de Mascagni, “Fedra” de Pizzetti, “Francesca da Rimini” de Zandonai, “La nave” de Montemezzi, e incluso el propio Puccini se planteó utilizar sus textos para varias óperas (Cecco d’Ascoli, La rosa di Cipro, La crociata degli innocenti) aunque la cosa no fructificó, según se dice, por incompatibilidad de caracteres. Debussy se sirvió de su texto para “Le martyre de Saint Sébastien”.



2.- Muchas figlias tuvo Iorio.

Pues bien, en 1904 se estrenó una obra suya titulada “La figlia di Iorio”, considerada obra maestra y cumbre del arte d’annunziano, que obtuvo un rápido y enorme éxito. Tanto que en ella se basaron dos óperas, un ballet y dos películas. Las óperas fueron compuestas por Alberto Franchetti (1906) y por Ildebrando Pizzetti (1954). Me ocuparé con más extensión de la primera, pero, ante la oportunidad que me da esa coincidencia, efectuaré al final una pequeña comparación con la segunda, aunque no se ajuste al planteamiento del hilo. El ballet fue escrito por Roberto Hazon en 1976. Las películas son de 1917 (director: Edoardo Bencivenga) y 1933 (ésta con música compuesta por Respighi; no he encontrado ningún otro dato sobre ella) Hasta se hizo una parodia titulada “Il figlio di Iorio” por Eduardo Scarpetta, que dio lugar a un largo proceso al acusar D’Annunzio a su autor de plagio.

En fin, que “La figlia di Iorio” fue un auténtico best-seller. En una entrevista de 1921, D’Annunzio explicó que la idea le vino al presenciar un hecho real cuando se encontraba en una aldea abrucesa llamada Tocco Casauria en compañía del pintor Michetti, en el verano de 1880: “Los dos, de repente, vimos irrumpir chillando en la plazoleta a una mujer joven y bien formada, despeinada, perseguida por una cuadrilla de segadores embrutecidos por el sol, el vino y la lujuria. La escena nos impresionó profundamente: Michetti inmortalizó ese instante en su cuadro, que es una obra maestra, y yo elaboré en mi espíritu, durante años, lo que había visto en aquella plazoleta y al final escribí la tragedia.”

El cuadro al que se refiere D’Annunzio es una tempera que Michetti presentó a una exposición en Venecia en 1895.


http://img34.imageshack.us/img34/627/lafigliadijorio.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/34/lafigliadijorio.jpg/)

Pero por otros documentos de la época se sabe que los dos amigos no pudieron conocerse antes del otoño de 1880. Así que la realidad parece ser que D’Anunzio no presenció tal hecho, y que su inspiración no provino de una situación auténtica sino precisamente del boceto que Michetti presentó en Milán, del cuadro que se expuso en Venecia (que ya llevaba el título de “La figlia di Iorio”, y que D’Annunzio vio), y de algunos libros que conocía sobre costumbres y usos de la región de los Abruzzos.



3.- La figlia de Franchetti.

A Franchetti no le gustaba el teatro dannunziano pero quedó cautivado por la fuerza de esta tragedia abrucesa y decidió convertirla en melodrama. Le pidió a D’Annunzio que escribiera el libreto, a lo que accedió el dramaturgo, aunque retocando bastante la obra para que se ajustara bien la música. La ópera se estrenó el 29 de marzo de 1906 en la Scala, con los siguientes intérpretes:

Mila di Codra (la hija de Iorio): Angelica Pandolfini
Aligi: Giovanni Zenatello
Candia della Leonessa: Eleonora di Cisneros
Lazaro di Roio: Eugenio Giraldoni
Vienda: Margherita Zanardi
Ornella: Adele D’Albert
Splendore: Teresina Ferraris
Favetta: Maria Bastia Pagnoni
Director: Leopoldo Mugnone


Puccini calificó la velada como “un semi fiasco”. El fracaso, según algunos, se debió a la excesiva influencia del dramaturgo sobre el músico. ¿Exageración? Pues no, que hay pruebas. Aquí se puede ver a Franchetti al piano y a D'Annunzio vigilando detrás:


http://img811.imageshack.us/img811/1646/annunzio.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/811/annunzio.jpg/)

Sólo existe una grabación de esta obra, de 1988, que registra una representación efectuada en el Teatro del Vittoriale di Gardone Riviera. Los intérpretes son Maria Bravo (Mila), Vincenzo Puma (Aligi), Alessandra Sommaruga (Ornella), Wilma Borelli (Candia), Giuseppe Scandola (Lazaro), Patrizia Callegarini (Favetta), Silvia Mapelli (Venda), Silvio Falzoni (Iona), el Coro y Orquesta de la ciudad de Verona dirigidos por Enrico De Mori.


http://img135.imageshack.us/img135/30/figliadijoriocaratula.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/135/figliadijoriocaratula.jpg/)



4.- Argumento y audición.

Acto I
Una habitación en una casa rústica, propiedad del pastor Aligi. Se preparan los esponsales de éste con Vienda, una joven del pueblo. Las hermanas del novio (Splendore, Ornella y Favetta) ayudan a vestirse a su futura cuñada. Candia della Leonessa, madre de Aligi, bendice a la nuera en ciernes. De pronto, se oye gritar a una desconocida pidiendo ayuda. La mujer entra a la casa y suplica que cierren la puerta, pues la persigue un grupo de segadores, borrachos y lujuriosos. Así lo hace Ornella. Pero los demás se oponen porque, según la tradición, no dejar la puerta abierta atrae la desgracia. Los segadores golpean la puerta e insultan y amenazan a sus moradores si no se les entrega a la desconocida: “¡Candia della Leonesa! ¿Sabes a quién estás escondiendo? ¡A la hija de Iorio, el mago de Codra! ¡Es Mila de Codra, hija del mago!” Además, informan a Candia de que su marido, Lazaro, se ha peleado por la moza con otro campesino. Candia ordena a Aligi que eche a la joven y la entregue a sus perseguidores.

Vattene, vattene, figlia di mago. Wilma Borelli y Maria Bravo (http://www.divshare.com/download/15387951-a7a)

CANDIA
Vattene, vattene, figlia di mago.
Vattene ai cani.
Nella mia casa io non ti voglio.
Aligi, Aligi, apri la porta!

MILA
Pietà! Non io, io cercai la via
nella tua casa, cieca di spavento.
Cristo mi scorse, Cristo che nel vento
raccolse il grido dell’anima mia.

Pietà, madre d’Ornella. Egli che vede
qui mi condusse, al focolare santo.
Pietà! La pietra laverò col pianto,
la terra bacerò sotto il tuo piede.

LE TRE SORELLE
Vergine santa, Vergine clemente,
Stella dell’alba e Stella della sera.
Consolatrice, esaudi la preghiera,
disperdi il male, o Vergine potente!

O Regina degli Angeli Maria,
guarda la dolce madre e il buon pastore
e il nostro capo! Salva del furore
anche colei ch’è sola. E così sia.

CANDIA
Miserere, Gesù! Santo Giovanni,
miserere di noi, Battezzatore!
Figlio, non odi? Ti si è fermo il cuore?
Ah, dormito tu hai settecenti’anni!

Donne, è vero. Fu fatto il tristo incanto
alla mia casa.
E vana ogni parola.
Deh copritemi il capo,
e ch’io sia sola
per piangere su me tutto il mio pianto!

IL CORO DELLE PARENTI
Candia, t’è fuggita la mente?
O Candia, che fai, che aspetti?
Su, Aligi, trascinala fuori!
Non vedi, non vedi, o demente,
la tua sposa che par che si muoia?
Che uomo sei tu? T’è fuggita
di dentro le tue ossa la forza?
O nella tua bocca la lingua
seccata ti s’è, che non fiati?
Su, Aligi, trascinala fuori!

IL CORO DEI MIETITORI
Mila di Codra, uscire t’è meglio,
ché oggi scampare non puoi.
Menatela fuori, menatela,
ché vi fa vergogna tenerla!
Su, su, pecoraio! Non odi?
CANDIA
Vete, vete, hija de mago.
Vete a los perros.
No te quiero en mi casa.
¡Aligi, Aligi, abre la puerta!

MILA
¡Piedad! No, yo, yo busqué el camino
de tu casa, ciega de espanto.
Cristo me socorre, Cristo que en el viento
recoge el grito de mi alma.

Piedad, madre de Ornella. El, que lo ve,
me conduce aquí, a este lar santo.
¡Piedad! La piedra lavaré con llanto,
besaré la tierra bajo tus pies.

LAS TRES HERMANAS
¡Virgen santa, Virgen clemente,
estrella del alba y de la tarde.
Consoladora, accede a la súplica,
aleja el mal, oh Virgen potente!

Oh, Reina de los ángeles, Maria,
protege a la dulce madre y al buen pastor
y nuestra cabeza. Salva del furor
también a la que está sola. Amén.

CANDIA
¡Miserere, Jesús! ¡Míseros de nosotros,
San Juan Bautista! Hijo, ¿no oyes?
¿Se ha cerrado tu corazón?
¡Ah, has dormido setecientos años!

Mujeres, es verdad. En mi casa se hizo
el malvado encantamiento.
Sobran las palabras.
¡Ah, cubridme la cabeza
y dejadme sola
para derramar todo mi llanto!

CORO DE LAS PARIENTES
Candia, ¿te has vuelto loca?
¡Oh, Candia! ¿Qué haces, qué esperas?
Vamos, Aligi, ¡échala!
¿Es que no ves, loco,
que tu esposa se muere por ésa?
¡Qué clase de hombre eres?
¿No tienes fuerza en los huesos?
¿Se te ha secado la lengua en la boca,
que no alientas?
¡Vamos, Aligi, échala!

CORO DE SEGADORES
Mila di Codra, es mejor que salgas,
no puedes escapar.
¡Echadla, echadla, que para vosotros
es vergonzoso tenerla!
¡Vamos, campesinos! ¿No oís?


Aligi va a entregarla, pero queda paralizado por la visión de un ángel que a espaldas de la mujer llora por ella.

Mercè di Dio! Fatemi perdonanza!. Vincenzo Puma y Maria Bravo (http://www.divshare.com/download/15387979-0fc)

ALIGI
Mercè di Dio! Fatemi perdonanza!
L’Angelo muto ho visto, che piangeva;
che lacrimava como voi, sorelle,
che lacrimave e mi guardava fiso.
Mila di Codra, mia sorella in Cristo,
donami perdonanza dell’offesa.
Questi fioretti di Santo Giovanni
io te li metto qui davanti ai piedi.

MILA
De me t’è perdonato in umiltà.
E del tuo nome io mi ricorderò
a mezzodì, ma pure mane e sera
quando pasturerai su la montagna.

Alcuni mietitori riabbrancheranno le alte sbarre, minacciosi.

IL CORO DEI MIETITORI
Ehi là, ehi là, che é questo?
Così ci volete gabbare?
ALIGI
¡Perdón de Dios! ¡Perdóname!
he visto el Angel mudo, que lloraba;
lloraba como vosotras, hermanas,
lloraba y me miraba fijamente.
Mila di Codra, hermana en Cristo,
perdóname la ofensa.
Estas flores de San Juan
pongo ante tus pies.

MILA
Te perdono humildemente.
Y recordaré tu nombre a mediodía,
por la mañana y por la tarde
cuando pastoree por la montaña.

Varios segadores vuelven a agarrarse a los barrotes de la ventana, amenazantes.

CORO DE SEGADORES
¡Pero esto qué es?
¿Así nos queréis embaucar?


Finalmente, Aligi decide abrir. Pero antes baja de la pared un crucifijo y lo deposita en el suelo mientras las mujeres rezan una letanía. Desatranca la puerta, los segadores entran y al ver el crucifijo enmudecen de repente, se quitan los sombreros, se santiguan y se vuelven por donde han venido, temerosos de Dios. Lazaro, el padre, llega a la casa sostenido por dos payeses y con la cabeza vendada. Candia, que ve confirmada la información de los segadores, grita: “¡Era verdad! ¡Era verdad! Lloremos, hijas. el luto ha caído sobre nosotros.” Y mientras padre, madre, hijo e hijas se abrazan, Mila, pegándose a la pared, va acercándose a la puerta, y se escabulle en cuanto encuentra la ocasión.


Acto II
Aligi ha cancelado su compromiso con Vienda y se ha ido a vivir con Mila a una caverna a las afueras del pueblo. Aligi se va, y al poco aparece Ornella, que la convence para que deje a su hermano, devolviendo con ello la paz a la familia. Tras la marcha de Ornella, un nuevo personaje se presenta en la caverna: Lazaro di Roio, el padre de Aligi. Brutal, anclado no en las costumbres del siglo XIX sino en las de la Alta Edad Media, viene decidido a llevarse a Mila consigo. Cuando la tiene acorralada, aparece Aligi. Lazaro le viene a decir que, como padre suyo que es, puede hacer con él lo que le venga en gana, lo trata como a auténtica basura y le da latigazos con unas cuerdas. Aligi se humilla lo indecible.

Che c’è egli, Aligi? Che è?. Giuseppe Scandola, Vincenzo Puma y Maria Bravo (http://www.divshare.com/download/15388054-394)

LAZARO
Che c’è egli, Aligi? Che è?

ALIGI
Padre, che volete voi fare?

LAZARO
Che voglio io fare?
Dimanda rivolgere a me non t’è lecito.
Ma ti dirò che prendere voglio
la pecora cordesca nel cappio
e trarla dove più mi talenta.
Poi giudicherò del pastore.

ALIGI
Padre, non farete voi questo.

LAZARO
Io sono il tuo padre;
e di te far posso quel che m’aggrada
perché tu mi sei
come il bue della mia stalla,
come il badile e la vanga.
E s’io pur ti voglia
passar sopra con l’erpice,
il dosso diromperti,
be’, questo ben fatto.
E se mi bisogni al coltello un manico
ed io me lo faccia del tuo stinco,
be’, questo è ben fatto. Intendi?
Ingionòcchiati, e bacia la terra,
ed esci carpone,
e va senza volgerti indietro!
Io sono il tuo padre!

ALIGI
Passatemi sopra con l’erpice
ma non toccate la donna.

Lazaro gli s’accosterà, senza più contenere il furore; e, levando la corda, lo percoterà
su la spalla.

LAZARO
Giù, giù, cane, mettiti a terra!

Aligi cadrà su i ginocchi.

ALIGI
Ecco, padre, mi postro,
la fronte a terra piego;
e vi prego, vi prego,
al nome del Dio nostro,

per quel pianto che udiste
appena che fu nata,
padre, da voi vullata,
questa mia carne triste;

io vi prego umilmente
al nome del Signore,
non calpestate il cuore
del figliuolo dolente!

Pel mio pianto e pel pianto
dell’Angelo custode,
padre, che vede e ode
là da quel ceppo santo!

LAZARO
A che preghi? A che preghi?
Obbedisci!
Bacia la terra ed esci carpone.
A che preghi? Obbedisci!
Maledetto tu fosti nel ventre
e per tutti i tuoi giorni e di là.
A che preghi? Obbedisci! Obbedisci!
Va, va, esci fuori carpone;
e dopo io ti giudicherò.

MILA
Non calpestare il tuo figlio,
non fargli quest’onta,
ma dammi delle tue coltella nel petto,
d’un colpo tu freddami;
e poi raccattami fredda
e sul basto mettimi traverso legata
e mandami innanzi al balivo dicendo:
«Ecco la svergognata sortiera!»

LAZARO
Ma tu, tu verrai meco senz’altre parole,
o figlia di Iorio.
Né morta, né fredda ti vuole Lazaro,
per la Dio grazia.
Hai tu inteso, Mila di Codra?
LAZARO
¿Quién es ella, Aligi? ¿Quién es?

ALIGI
Padre, que queréis hacer?

LAZARO
¿Que qué quiero hacer?
No te está permitido preguntarme.
Pero te diré que lo que quiero
es atar a esta oveja,
llevarla donde me apetezca
y someterla al juicio del pastor.

ALIGI
Padre, no haréis tal cosa.

LAZARO
¡Yo soy tu padre
y puedo hacer de ti lo que me apetezca!
Porque eres para mí
como el buey de mi corral,
como la pala y la azada.
Y si también quiero
pasarte el rastrillo por encima,
y romperte la espalda,
¡Bien! Estará bien hecho.
Y si necesito un mango para la navaja
y me lo hago con tus tibias,
¡Bien! Estará bien hecho. ¿Lo yes?
¡Arrodíllate, y besa la tierra,
sal de esta cueva
y vete sin volver la vista!
¡Yo soy tu padre!

ALIGI
Pasadme el rastrillo por la espalda
pero no toquéis a la mujer.

Lazaro se le acercará, sin contener más su furor, y levantando la cuerda, le golpeará
en la espalda.

LAZARO
¡Abajo, abajo, perro! ¡A tierra!

Aligi caerá de rodillas.

ALIGI
¡Aquí, padre, me postro,
con la frente doy en tierra;
y os ruego, os ruego,
en el nombre de Dios,

por el llanto que oísteis
apenas nació,
padre, por vos querida,
ésta mi carne triste;

os ruego humildemente
en el nombre del Señor,
no pisoteéis el corazón
del hijo doliente!

Por mi llanto y por el llanto
del Angel custodio,
padre, que ve y oye
ahí, desde esa imagen santa!

LAZARO
¿Pero qué ruegas? ¿Qué ruegas?
¡Obedece!
Besa la tierra y sal de esta cueva.
¿Qué ruegas? ¡Obedece!
Ya fuiste maldito estando en el vientre
y durante todos tus días será así.
¿Qué ruegas? ¡Obedece! ¡Obedece!
Vete, vete, sal de esta cueva;
y después te juzgaré.

MILA
No pisotees a tu hijo,
no le hagas esta ofensa,
clávame la navaja en el pecho,
y mátame de un golpe;
y luego recógeme fría,
ponme atada en tu albarda
y envíame ante el juez diciendo:
«¡Aquí está la desvergonzada!»

LAZARO
Tú vendrás conmigo sin chistar,
oh hija de Iorio.
Ni muerta ni fría te quiere Lázaro,
por la gracia de Dios.
¿Has oído, Mila di Codra?

Pero Aligi, llevado al límite por su brutal padre, agarra el hacha y con certero golpe le abre la cabeza al déspota. Entre las lamentaciones de Mila, termina el acto.


Acto III
Una marcha fúnebre introduce el tercer acto, donde vemos la misma habitación que en el primero. Lazaro está muerto en el suelo, rodeado de sus hijas, las parientes y las plañideras.

Iesu Cristo, Iesu Cristo. Alessandra Sommaruga, Patrizia Callegarini y Coro (http://www.divshare.com/download/15388085-997)

IL CORO DELLE LAMENTATRICI
Iesu Cristo, Iesu Cristo,
l’hai possuto sofferire!
D’esta morte scellerata
dovìa Lazaro morire!
S’è veduto a vetta a vetta
tutto il monte isbigottire.
S’è veduto in ciel lo sole
la sua faccia ricuoprire.

Ahi, ahi! Lazaro, Lazaro, Lazaro!
Ahi, che pianto si piange per te!

Requiem aeternam dona ei, Domine.

ORNELLA
Ora viene! Ora viene! Fra poco viene.
Ecco, laggiù alla svolta,
lo stendardo nero apparito!
Sorelle, pensate alla madre.

SPLENDORE
Favetta, va tu, va e parla

FAVETTA
Sorella, va e dille: Ecco viene.

SPLENDORE
Io cuore non ho di toccarla.
Sta fisa, e ciglio non muove.

LE TRE SORELLE
Ah perché, perché siamo nate?
Perché ci partorì nostra madre?
Ci prendesse tutte in un fascio
la morte ci portasse con sé!

IL CORO DELLE PARENTI
Ah che pietà della carne cristiana,
della vita nostra,
di tutta la gente che nasce
dolora trapassa e non sa!

ORNELLA
Silenzio! Silenzio!
CORO DE PLAÑIDERAS
¡Jesucristo, Jesucristo,
cómo lo has permitido!
¡De esta forma tan absurda
tenía que morir Lázaro!
Se ha visto, hasta la cumbre,
pasmarse a todo el monte.
Se ha viesto en el cielo al sol
taparse la cara..

¡Ay, ay! ¡Lazaro, Lazaro, Lazaro!
¡Ay, este llanto es por ti!

Requiem aeternam dona ei, Domine.

ORNELLA
¡Ya viene! ¡Ya viene! Enseguida viene.
¡Allí abajo, en la esquina,
ha aparecido el estandarte negro!
Hermanas, pensad en la madre.

SPLENDORE
Favetta, ve tú, ve y habla.

FAVETTA
Hermana, ve a decirle que ya viene.

SPLENDORE
No me atrevo a tocarla.
Está inmóvil y ni pestañea.

LAS TRES HERMANAS
¡Ah! ¿Por qué, por qué hemos nacido?
¿Por qué nos parió nuestra madre?
¡Ojalá la muerte nos atase
y nos llevase a todos con ella!

CORO DE PARIENTES
¡Ah, piedad de los cristianos,
de nuestra vida,
de toda la gente que nace,
traspasada de dolor e ignorante!

ORNELLA
¡Silencio! ¡Silencio!

Aparece Candia, enloquecida de dolor, y poco después un cortejo fúnebre. Lo encabeza Iona, que viene a ser como un magistrado popular. Detrás va Aligi con la cara cubierta por un velo y atado, y tras él todo el pueblo. Lo traen para que, antes de responder por su crimen, obtenga el consuelo de su madre, que se manifiesta en el acto de levantarle el velo y darle a beber un cuenco de vino. En mitad del protocolo se presenta Mila y se acusa de haber sido ella quien mató a Lázaro con el hacha, exculpando a Aligi.

Es lo que todos querían oír. Los parientes muestran su alivio porque así no caerá la vergüenza sobre la familia. El jurado popular proclama inocente al pastor y exige la muerte de Mila en la hoguera. El propio Aligi, que ve la ocasión de salvar el pellejo, la acusa de haberle echado a perder con sus cantos de sirena y la maldice. Tan sólo Ornella comprende el sacrificio de Mila y se compadece de ella, pero nada puede hacer contra la turba, que, soliviantada, arrastra a la hoguera a la hija de Iorio.

Final. Maria Bravo, Vincenzo Puma, Alessandra Sommaruga, Patrizia Callegarini, Silvio Falzoni y Coro (http://www.divshare.com/download/15388132-76c)

MILA
Sì, sì, popolo giusto,
sì, popolo di Dio,
piglia vendetta su me.
E l’Angelo apostatico mettilo
nella catasta con me,
che faccia la fiamma per ardermi,
che si consumi con me.

ALIGI
Deh fate ch’io non l’abbia udita mai!
Spegnete il sole in me della sua faccia!
Spegnete dall’anima ogni traccia.
Non udii, non credetti, non sperai.

O ch’io muoia, non veda io più la stella!
Sì, tu toglimi, Iona, le ritorte,
che maledirla io possa oltre la morte.
Ma non l’ardete, no: la fiamma è bella!

Mila, sconvolta dal soffio del ricordo che passa nel lamento di Aligi, sentirà vacillare il suo coraggio.

MILA
Aligi, no! Non rinnegarmi... Ah taci!
Non puoi, non devi. No, non maledire!
Per te palpiterà fin nelle spire
della fiamma il mio cuore, fin su le braci.

Aligi, no! Tu non puoi, tu non puoi.
Mi calpestino tutti, ma tu no!
Non rinnegarmi, Aligi ! Morirò...
Ah, l’orrore di me negli occhi tuoi !

Iona darà a taluno di sua gente lo stendardo, e s’avanzerà verso Aligi per toglierli le ritorte. Libero dalle ritorte i polsi, libero dal velo nero il capo, Aligi tenderá la mani verso Mila in atto di maledizione, cadendo fra le braccia della madre, preso dalla vertigine; e le maggiore sorelle e le donne del parentado gli saranno intorno.

ORNELLA
E l’ebrezza del tristo beveraggio.
Ei non ode, non vede, non comprende.
O Mila, io guardo l’amor tuo che splende
tutto levato in cima al tuo coraggio!

O sorella in Gesù, quel che ti dissi
su la montagna è sempre nel cuor mio.
Io ti son testimone innanzi a Dio.
Nell’anima tua pura ho gli occhi fissi.

FAVETTA e SPLENDORE
Madre, madre ti torna. Fa cuore.
O madre, perché tremi ancora?
Perduto l’avevi, il tuo figlio;
perduto il fratel nostro caro.
Ed ecco ci torna, ecco è salvo.
E l’Angelo suo là nel ceppo
più non ha la macchia di sangue,
ma ti guarda e dice : «E innocente»

LA TURBA
- Scioglilo, Iona. Ha il delirio.
- Ha preso il solatro nel vino.
- Che la madre lo stenda sul letto.
- Che il sonno gli venga, che dorma
- Che Gesù Cristo l’acqueti.

IL CORO DELLE PARENTI
- Non isbigottire. E quel vino.
- E la vertigine calda.
- Stendetelo! Lasciate che dorma!
- Vienda! Vienda! Ti torna.
- Laus Deo! Laus Deo! Gloria Patri!

Iona metterà le ritorte a Mila di Codra, che gli tenderà i polsi. La testa le coprirà col velo nero. Poi, ripreso lo standardo del Malificio, sospingerà la vittima verso la turba.

IONA
Popolo giusto, ti do
nelle mani Mila di Codra.

LA TURBA
Alle fiamme, alle fiamme
la figlia di Iorio!
La figlia di Iorio
alla catasta, all’inferno!

ORNELLA
Mila, Mila, sorella in Gesù,
il Paradiso è per te!

MILA
La fiamma è bella!
La fiamma è bella!
MILA
Sí, sí, pueblo justo,
sí, pueblo de Dios,
toma venganza de mí.
Y poned al Angel apostático
en la hoguera conmigo,
que alimente la llama para quemarme,
que se consuma conmigo.

ALIGI
¡Ojalá nunca la hubiera escuchado!
¡Extíngase en mí el sol de su rostro!
Bórrese del alma todo rastro suyo.
No oirla, no creerla, no desearla.

¡Oh, muera yo, no vea más la estrella!
Sí, Iona, desátame para que pueda maldecirla más allá de la muerte.
Pero no la queméis, no: la llama es bella!

Mila, trastornada por el soplo del recuerdo en el lamento de Aligi, sentirá vacilar
su valor.

MILA
¡Aligi, no! No reniegues de mí. ¡Ah, calla!
No puedes, no debes. No me maldigas!
Por ti palpitará mi corazón
entre las llamas, sobre las brasas.

¡Aligi, no! Tú no puedes, tú no puedes.
¡Que me desprecien todos, pero tú no!
¡No reniegues de mí, Aligi! Moriré...
¡Te horrorizas de mí, lo veo en tus ojos!

Iona dará a algunos de los suyos el estandarte y se acercará a Aligi para quitarle el velo. Libres las muñecas de las ataduras, libre la cabeza del velo negro, Aligi extenderá las manos hacia Mila en acto de maldecirla, cayendo entre los brazos de la madre, mareado; las hermanas mayores y las mujeres de la parentela estarán alrededor.

ORNELLA
Es la borrachera de la triste bebida.
No oye, no ve, no comprende.
Mila, yo veo tu amor resplandeciente
elevado por tu coraje!

¡Oh, hermana en Jesús, lo que te dije en el monte estará siempre en mi corazón!
Yo daré testimonio de ti ante Dios.
En tu alma pura tengo fijos los ojos.

FAVETTA y SPLENDORE
Madre, madre vuelve en ti. Animo.
Oh madre, por qué tiemblas aún?
Habías perdido a tu hijo;
perdido nuestro querido hermano.
Y ahora vuelve, helo aquí salvo.
Y su Angel, allí sobre la peana,
ya no tiene la mancha de sangre,
sino que te mira y dice: «Es inocente»

LA TURBA
- Desátalo, Iona. Delira.
- Ha pillado la embriaguez del vino.
- Que la madre lo eche en la cama.
- Que coja el sueño, que duerma.
- Que Jesucristo le dé sosiego.

CORO DE PARIENTES
- No os extrañéis. Es el vino.
- Le ha mareado el calor.
- ¡Acostadlo! ¡Dejad que duerma!
- ¡Vienda! ¡Vienda! Vuelve en ti.
- ¡Gloria a Dios! ¡Gloria al Padre!

Iona atará a Mila di Codra, que presentará las muñecas. Le cubrirá la cabeza con el velo negro. Después, retomando el estandarte del Malificio, empujará a la víctima hacia la turba.

IONA
Pueblo justo, en tus manos dejo
a Mila di Codra.

LA TURBA
¡Al fuego, al fuego
con la hijs de Iorio!
¡La hija de Iorio
a la hoguera, al infierno!

ORNELLA
¡Mila, Mila, hermana en Jesús,
el Paraíso es para ti!

MILA
¡La llama es bella!
¡La llama es bella!


5.- La figlia de Pizzetti

Cincuenta años después se presentó otra versión musical del mismo drama a cargo de Ildebrando Pizzetti, que fue estrenada el 4 de diciembre de 1954 en el teatro San Carlo de Nápoles. Pizzetti había conocido en vida a D’Annunzio y había escrito para él la música de su Fedra y de alguna otra obra; por ello pensó que ponerle música a la Figlia era una forma de culminar su carrera y rendir homenaje a la amistad que les había unido. A diferencia de la de Franchetti, la versión de Pizzetti fue un éxito; la dirigió Gianandrea Gavazzeni y cantó el papel de Mila, la protagonista, Clara Petrella en unos escenarios diseñados por Renato Guttuso. Al estreno le siguió una gira que llegó hasta Buenos Aires; siguió representándose en los tres años siguientes y volvió a ponerse en escena durante la temporada 1963-64.

Aunque Pizzetti escribió su propio libreto, la historia está contada con la misma estructura y números que la de Franchetti. Las diferencias son sólo musicales, lo que nos permite comparar el estilo de la figlia franchettiana con la pizzettiana.

Por ejemplo, éste es el momento en que Candia trata de expulsar a Mila y ordena a Aligi que abra la puerta:
http://www.divshare.com/download/15392372-342

Aquí, el enfrentamiento entre Aligi y Lazaro del acto II:
http://www.divshare.com/download/15392422-639

Y el final:
http://www.divshare.com/download/15392469-e37


La grabación de “La figlia” pizzetiana fue realizada en Milán, el 12 de diciembre de 1956, con el propio autor dirigiendo a la Orquesta y Coro de la RAI de Milán. Los principales roles son:

Mila di Codro: Luisa Malagrida
Aligi: Mirto Picchi
Ornella: Miriam Funari
Candia della Leonessa: Lari Scipioni
Lazaro di Roio: Piero Guelfi

También está completa en youtube, en la misma versión:
Acto I (http://www.youtube.com/watch?v=7TTExOJSipg)
Acto II (http://www.youtube.com/watch?v=UPGA5iU2AMk)
Acto III (http://www.youtube.com/watch?v=XJcOcSg0GMo)


Para finalizar, algunos comentarios sobre la obra teatral y sobre las óperas de Franchetti y Pizzetti:

“Aquellos hermosos versos en la más pura lengua del “trecento” evocaban ante nosotros la raza indómita e inmutable de los Abruzzos; esa raza poseída de salvaje amor hacia el pueblo natal, encerrada en sus costumbres tradicionales, en sus duras leyes familiares, en su misticismo profundo, en sus ritos seculares, en su eterna poesía.”
La Vanguardia, 14 de enero 1904 (A raíz de una lectura privada hecha por D’Annunzio antes del estreno)

“La hija de Iorio hace subir a las tablas un conflicto de almas rudas, un poema trágico de sentimientos y acciones, inspirados por una civilización primaria. Los personajes de la tragedia son reales, pero hay otros sobrenaturales que se interponen entre los protagonistas y ejercen fascinación hecha de voces múltiples, de silencios amedrentados, de presagios supersticiosos, como el sueño de Aligi y su visión del ángel. D`Annunzio juega con estos elementos sobrenaturales en casi todas sus obras. En este drama el esteticismo dannunziano se aligera y se esfuma, situándose con mayor naturalidad en un paisaje remoto y fabuloso. “
Comentario de P. Montañés Lozano, en "Parnaso Diccionario SOPENA de Literatura" de Editorial Ramón Sopena.

“Le differenze tra Franchetti e Pizzetti sono ovviamente tutte di ordine musicale, oltre il diverso stato letterario del testo: al tardo ottocentismo del primo fa riscontro l’austero novecentismo dell’altro; all’asciutto trattamento di Pizzetti, quello più sacrale di Franchetti. Con Franchetti La figlia di Iorio viaggia verso le proprie radici romantiche, con un linguaggio talvolta retorico, teso a sottolineare l’immolazione di Mila secondo una religiosità immanente nella quale, insieme alle origini della formazione tedesca di Franchetti, si intravvede la lezione verdiana.”
Dizionario dell'Opera Baldini&Castoldi

Nervous Gentleman
January 2nd, 2013, 09:17 PM
Antonio Smareglia - Abisso

Libreto en italiano de Silvio Benco:

http://www.mediafire.com/view/?13e20fryozc01ea

English-language explanation (my apologies for not writing in Spanish):

Both of these Smareglia librettos (previously unavailable on the internet) were scanned by me, in addition to the Refice. I thought Loge, Schigolch and others on this thread might like to have them.

Loge
January 4th, 2013, 09:39 AM
¡Por supuesto que sí! ¡¡Muchísimo!! En el caso concreto de "Abisso", el libreto es increíblemente oportuno, ya que tenía pensado dedicarme a esa ópera dentro de unos días. :happydance.2:
Nervous Gentelman, me has hecho un extraordinario regalo navideño. Infinitas gracias. :respect:

Loge
January 4th, 2013, 09:46 AM
Mola di Bari es una pequeña localidad, en torno a los 26.000 habitantes, situada en la costa este de Italia, la que baña el mar Adriático. Concretamente, se encuentra en el punto en que empieza a formarse el “tacón” de la bota italiana, a medio camino entre las ciudades de Bari y Monopoli. Conserva calles medievales y una iglesia del siglo XIII, y si la hubiéramos visitado hace dos décadas, antes del boom turístico, todavía hubiéramos podido pasear de buena mañana por su casco histórico acompañados por el delicioso olor de las focaccias recién hechas en los dos hornos públicos que aún había entonces. Las focaccias son unas grandes hogazas de pan, que a veces alcanzan el medio metro de diámetro (por ser tan grandes es por lo que no las podía hacer cada uno en su casa y tenían que recurrir a los hornos municipales) y las de Mola están entre las más afamadas del país.

Este pueblecito, pintoresco y pesquero, ofrece al visitante un castillo en ruinas, una playa paradisíaca, y, para entretener las tardes con alguna representación, el Teatro Van Westerhout. Ese apellido también da nombre a una calle y se puede leer en una de esas placas colocadas en edificios: “Aquí nació…” Quien nació en esa casa fue Niccolo Van Westerhout (1857-1898) fue un compositor de innegables orígenes neerlandeses, pero cuya familia ya vivía en la región a finales del siglo XVII, primero en Bari y después en Monopoli. Fue el abuelo de Niccolò quien acabó por establecerse en Mola. Como el jovencito daba muestras de talento musical a los trece años pero su familia era muy pobre, el concejo le ayudó económicamente para que pudiera estudiar en el conservatorio de Nápoles, ciudad donde pasó el resto de su vida y fue enterrado. El 19-2-07, coincidiendo con el 150 aniversario de su nacimiento, sus restos fueron trasladados al cementerio de Mola.

Además de música de cámara y obras sinfónicas, Van Westerhout compuso siete óperas (dos de ellas incompletas y otra nunca representada) Hoy vamos a hablar de la penúltima: "Doña Flor”.

Se trata de un drama lírico en un acto con libreto de Arturo Colautti (más conocido por sus libretos de “Fedora” y “Adriana Lecouvreur”), que le fue encargado a Van Westerhout por el municipio de Mola, en cuyo teatro se estrenó el 18 de abril de 1896, con Nadina Bulicioff en el papel titular.


Foto de Nadina Bulicioff en 1897:
http://img69.imageshack.us/img69/2568/nadinabulicioff.jpg


El argumento cuenta la historia de doña Flor, noble española casada con don Filippo Olivárez, embajador en Venecia. Al comienzo tenemos a la protagonista esperando la medianoche, que traerá bajo su ventana a su amante, el joven poeta Alvise Malipiero. Con remordimientos por la traición al marido, doña Flor ruega a la Virgen María e invoca perdón y protección para ella y para el amante.

Pero don Filippo ya está alerta, pues su mujer ha cometido el error de abandonar sin dar explicaciones el baile de máscaras al que habían ido. Filippo la ha seguido hasta casa, y allí ha recibido, por error, una nota del amante dirigida a su mujer. Así que ahora lo tiene todo más que claro. Presiona a doña Flor para que reconozca el adulterio y, aunque al principio ofrece resistencia, la mujer acaba por admitirlo. Don Filippo, el muy artero, ya lleva pensada la manera de vengarse. Una vez confesada la traición conyugal, no se muestra agresivo sino que convence a su mujer de que Alvise está llevando a cabo un doble juego: al mismo tiempo que la corteja, le está engañando con otra.

Cuando Alvise llega a la ventana, doña Flor nota que lleva un medallón en el cuello. Esto le confirma las sospechas que le ha inculcado el marido, por lo que echa al poeta de su habitación, y, cuando éste está bajando, le quita la escalera para que se rompa la crisma. Es entonces cuando el malvado don Filippo revela a su mujer que el medallón sólo contenía un retrato de la Virgen y que Alvese no le estaba engañando. Doña Flor se desmorona, desesperada de dolor por su inútil homicidio.


Van Westerhout concibió una obra adecuada a las pequeñas dimensiones del teatro donde se iba a estrenar. Y la verdad es que todo en esta ópera es modesto: la duración (un solo acto), el número de personajes (tres), la escenografía (una habitación con un balcón), las grabaciones (ninguna completa a día de hoy) y el recorrido de la obra, que se representó una vez en Mola, otra en Bari, tres en Nápoles y… fin.

El olvido del mundo cayó sobre toda la obra de Van Westerhout al morir tan tempranamente y no poder sus allegados, pobres de solemnidad, sufragar los costes de edición de sus obras. En Mola, sin embargo, no ha sido olvidado ya que, además del teatro, la calle y la placa en su casa natal, la plaza mayor luce una estatua de bronce que representa precisamente a doña Flor. Y también un hotelillo que lleva el nombre de la ópera.

Resucitada en Monopoli en julio de 2007, “Doña Flor” logró algo más de repercusión en Nueva York en abril de 2010. Esta última es una producción de la Taconic Opera, y ha sido posible gracias a los esfuerzos y empeño de Leonardo Campanile, director de L’Idea, una revista dirigida al público italiano, que se publica en los Estados Unidos. En esta ocasión, los roles fueron cantados por Mary Petro como doña Flor, Constantinos Yiannoudes en el de don Filippo, y John Rodger y Hansu Kim alternándose en el de Alvise. Esta representación tiene una página oficial en internet, de donde procede buena parte de mi información. Para los interesados:

http://donaflor.info/premiere_home.html

Para hacernos una idea de cómo es la obra, tenemos unos pequeñísimos botones de muestra en youtube.

De una parte, existe un resumen de la versión de Monopoli donde, al menos, podemos apreciar un aria de de cada personaje (bellísima la de la protagonista) y el final con don Filippo felicitándose por su astucia y riéndose a carcajada limpia de lo desgraciada que ha hecho a su mujer:



http://www.youtube.com/watch?v=Qs9bP2qAzjM


Y de otra, hay unos flashes, de menos de un minuto de duración cada uno, con diversos momentos de la representación en Nueva York:

Preludio
http://www.youtube.com/watch?v=36iMLH8rqZg

Doña Flor esperando a Alvise
http://www.youtube.com/watch?v=I9C6gv7rivU&feature=mfu_in_order&list=UL

Dueto de Doña Flor y Olivarez
http://www.youtube.com/watch?v=SPynzrVkavM&feature=autoplay&list=ULI9C6gv7rivU&lf=mfu_in_order&playnext=1

Solo de Olivarez
http://www.youtube.com/watch?v=qvb_vKz2Ndg&feature=mfu_in_order&list=UL

Olivarez engaña a Doña Flor
http://www.youtube.com/watch?v=freitfTI5IU&feature=mfu_in_order&list=UL

Dueto de Doña Flor y Alvise
http://www.youtube.com/watch?v=ubTIU_gG7og&NR=1

Doña Flor descubre el retrato
http://www.youtube.com/watch?v=BGvN__l7Xms&feature=mfu_in_order&list=UL

Doña Flor mata a Alvise
http://www.youtube.com/watch?v=WS9-OAj_rjk&feature=mfu_in_order&list=UL

No es lo más brillante que se ha compuesto en la historia de la ópera, pero como curiosidad no está mal.

Nervous Gentleman
January 6th, 2013, 09:47 PM
MARGHERITA DA CORTONA,
de Licinio Refice

Libreto en italiano de Emidio Mucci.



Nuevo enlace:

:dighole:


http://www.mediafire.com/view/?fcmc13oy0tq2a7z

Nervous Gentleman
January 10th, 2013, 12:16 AM
Antonio Smareglia - Pittori Fiamminghi

Libreto en italiano de Luigi Illica, muy pronto... :pray.2:

MATERIAL NOW AVAILABLE FOR PICK UP AT: Library Circulation Desk

SUBMITTED: 08-01-2013
REQUEST NO.: PAT-10018278

AUTHOR: ANTONIO SMAREGLIA; LUIGI ILLICA
TITLE: PITTORI FIAMMINGHI : DRAMMA LIRICO IN TRE ATTI
PAGES REQUESTED: 64 p. ; 19 cm.
DATE: 1924



https://www.youtube.com/watch?v=wCnEvVYm1DE

Loge
January 11th, 2013, 03:54 PM
Remontando el caudaloso río del verismo y de la Giovanne Scuola podemos encontrar, muy cerca de sus fuentes o formando parte de ellas, un pequeño manantial titulado “Ero e Leandro”. No, no voy a repetirme con Schigolch, quien habló de otro “Ero e Leandro” en agosto del año pasado. El autor de aquélla era Mancinelli, mientras que la ópera de hoy, casi veinte años más antigua, es de Giovanni Bottesini, conocido como director de orquesta y aún más como contrabajista, pero totalmente escondido como compositor.

He aquí una fotografía suya:
http://imageshack.us/photo/my-images/651/giovannibottesini.jpg/


De Bottesini no tenemos grandes biografías, ni siquiera en las dos webs consagradas a él: http://gbottesini.com/ y http://bottesini.com pero en esta última hay una sección muy amplia de correspondencia: la mayoría son epístolas suyas o dirigidas a él, aunque otras veces se trata de cartas cruzadas entre otras personas en las que se alude a Bottesini o a su obra.

Este es el enlace a las cartas de/a/sobre Bottesini
http://bottesini.com/letters/0/

Bottesini nació en la localidad lombarda de Crema, pocos kilómetros al este de Milán, en 1821. Su dedicación al contrabajo, fue casual ya que, en realidad, la idea era que estudiase violín. Pero cuando alcanzó los catorce años y su padre quiso matricularlo en el Conservatorio de Milán, se encontró con que sólo había plazas para fagot y para contrabajo. Quince días le bastaron al estudiante para hacerse con un instrumento que nunca antes había tocado y superar fácilmente el examen de ingreso. En cuanto acabó los estudios emprendió una gira de conciertos en Inglaterra, París, Estados Unidos, Cuba y Mexico, para acabar estableciéndose en El Cairo. Allí estaba el 24 de diciembre de 1871, dirigiendo desde el foso el estreno de “Aida” por expreso deseo de Verdi. Tanto durante su etapa de director en esta ciudad como cuando dirigía en otras, se hizo famosa su costumbre de aparecer en el escenario con el contrabajo, durante los descansos, e interpretar fantasías sobre la ópera de la tarde. Fueron populares las que compuso sobre “Lucia di Lammermoor”, “I Puritani” y “Beatrice di Tenda”.


Para ir introduciéndonos en esta obra, podemos oir el aria de Ariofarne del acto I:


http://www.youtube.com/watch?v=bcGI_qP0pTU


En El Cairo permanece buena parte de la década de los setenta, pero al final se harta de la ciudad y del país, como se desprende de lo que él mismo escribe a Giulio Ricordi el 15 de mayo de 1876: el Teatro del Virrey, en el que dirige, está de capa caída y las propuestas de trabajo que recibe son humillantes. De momento, no le queda otra que agachar la cabeza, pero ruega al editor que le encargue una ópera que le permita salir de Egipto.

“L'avvenire del Teatro di S.A. il Kedive è in pericolo, e le attuali proposizioni di S.E: Draneht Bey sono cattive.
Io pure sono obbligato a bassare la testa ed accettare sfrozosamente un ribasso forte. Pazienza. Ma siccome non voglio morire in Egitto e penso ritornare a Milano avrei piacere che tu mi dessi l'incarico di scrivere un'opera. Ciò non ti comprometterebbe in niente ma almeno tornerei a galla. Ecco di cui ti prego a volermi scrivere due righe in proposito. Se pel 30 Marzo 1877 mi puoi trovar occupazioni sarò felice di lasciare per sempre e Cairo e quel delizioso Teatro.”


Bottesini logra salir de El Cairo a caballo de su “Ero e Leandro”, sobre la cual ya llevaba un tiempo trabajando. El autor del libreto es toda una garantía: Arrigo Boito. Como bien apuntó en su día Schigolch, Boito escribió la música y el libreto de un “Ero e Leandro” pero, insatisfecho con el resultado, la destruyó. Lo que no destruyó fue el libreto, que sirvió tanto a Bottesini como a Mancinelli, y que podemos leer aquí:
http://opera.stanford.edu/Mancinelli/EroLeandro/libretto.html

Quizá la importancia del libretista hace que Bottesini consiga al fin un contrato con Ricordi. Así le expresa Boito su alegría y su convicción de que la obra será un éxito: "Ero y Leandro pronto recorrerán abrazados todos los teatros de Italia":

“Sono anche lieto che tu abbia conchiuso col Ricordi un eccellente contratto. Ero e Leandro correranno presto abbracciati attraverso tutti i teatri d'Italia. Tieni per certo l'augurio e continua a volermi bene.“

Final del Acto I


http://www.youtube.com/watch?v=OdZRsTiQio0


Trabajando con entusiasmo, termina la obra y la instrumentación a finales de 1875. Pero los años que faltan hasta el estreno de la obra van a ser difíciles. De una parte, afronta estrecheces económicas. En 1877, estando ya en Catania, pide a sus conocidos cartas de recomendación para dar conciertos, cartas que lleva él mismo en persona a sus destinatarios pero éstos ni siquiera le reciben. Además, reclama una y otra vez a su editor que envíe dinero a la familia que ha dejado en El Cairo. De otra parte, se le amontonan las desgracias personales: desde finales de 1876 hasta julio de 1877 fallecen sus hermanos Luigi y Angelina, y un sobrino suyo se vuelve loco.

El primer teatro que se interesa por la obra es el Regio de Turín. El 14 de noviembre de 1878 encontramos una carta de Bottesini a Boito (sobre la que volveremos más adelante) donde le dice que:

“Ricevo in questo momento dall'amico Pedrotti la fausta notizia che il Signor Depanis ha deciso di montare il nostro Ero e Leandro al Regio di Torino per seconda opera della stagione di carnovale”


En efecto, la ópera se estrena el 11 de enero de 1879. A Bottesini le pilla en Inglaterra, donde tiene compromisos hasta febrero, por lo que pide a Boito que vaya en su lugar a supervisar la puesta en escena. Boito accede a la petición del músico. Consigue llegar a tiempo de ver el último ensayo y asiste al estreno de la obra, que obtiene un gran éxito, en parte por la música de Bottesini, pero en parte también, como comenta Raffaello De Remsis:

“ebbero successo anche per le simpatie che egli (Boito) suscitava presso il pubblico torinese, ammiratore del Mefistofile”


La noche del estreno, los tres únicos personajes (aparte del coro) fueron interpretados por Abigaille Bruschi-Chiatti (Ero, soprano), Enrico Barbacini (Leandro, tenor), a quien Bottesini había dedicado la ópera, y Gaetano Roveri (Ariofarne, bajo) dirigidos por Carlo Pedrotti.

Abigaille Bruschi-Chiatti, la primera Ero bottesiniana:
http://imageshack.us/photo/my-images/137/abigaillebruschichiatti.jpg/


Depanis, el empresario, recuerda así la velada:

“Las previsiones eran favorables, pero nadie esperaba un éxito tan completo. Los aplausos empezaron en la obertura, redoblaron su intensidad con la oda anacreóntica del tenor, acompañaron las principales arias de la ópera y alcanzaron el paroxismo en el larghetto del tercer acto, maravillosamente cantado por Barbacini y repetido con fervor por el público. No recuerdo la cantidad de veces que volvimos a salir a escena, pero sí recuerdo la sinceridad e intensidad de los aplausos, así como el éxito de la veintena de representaciones siguientes”.


”Ero e Leandro” empieza una prometedora carrera. Por cartas posteriores, sabemos que la piden en Roma, en Venecia, en Buenos Aires, en Aix-les-Bains, en Lyon… El mismísimo Verdi testimoniaba que sólo “Ero e Leandro” resistía la crisis de la ópera italiana. ¡A ver si resulta que es buena!

“Le cose musicali non vanno meglio delle politiche, un verò caos! Hanno confuso tutto senza badare all'indole e natura nostra! Alcuni teatri si sono sostenuti bene come Milano, Torino etc., ma non si produce, vale a dire si produce male. L'opera di Gomez alla Scala Maria Tudor è caduta! Altre opere in altri teatri idem, meno l'Ero e Leandri di Bottesini... ma sarà poi buona?!!!”(Carta de Verdi a Ferdinand Miller, 1879)


Sin embargo, “Ero y Leandro” no tardó en desaparecer del repertorio. Bottesini vivió diez años más, hasta 1889. Ese año fue nombrado director del conservatorio de Parma, donde falleció el 7 de julio. Y sus obras líricas fueron barridas por el huracán de las nuevas producciones veristas y la enorme, inmensa figura de Giacomo Puccini.

Aquí tenemos la escena central del Acto II:


http://www.youtube.com/watch?v=LNesrY6ZEHA



Han tenido que pasar ciento veinte años para ver resucitada la ópera más representativa de Bottesini. Gracias al empeño de la Asociación Musical Giovanni Bottesini, “Ero e Leandro” fue representada en septiembre de 2009 en el Teatro San Domenico de Crema, la ciudad natal del compositor, con Veronique Mercier (soprano), Gian Luca Passolini (tenor) y Roberto Scandiuzzi (bajo) interpretando a Ero, Leandro y Ariofarne, respectivamente. Aldo Salvagno dirige el Coro Monteverdi y la Orchestra Filarmonica del Piamonte. Es la única grabación de la ópera completa, aunque se pueden escuchar fragmentos sueltos en otros discos. Este es una selección de obras instrumentales de Bottesini, entre las que figura la obertura de “Ero e Leandro”, a cargo de la Lithuanian Symphony Orchestra Vilnius, con Silvano Frontalini como director:


http://img249.imageshack.us/img249/7259/bottesinieroeleandro.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/249/bottesinieroeleandro.jpg/)


Y éste es una recopilación de arias interpretadas por sopranos “veristas”, como Gemma Bellincioni, Angelica Pandolfini, Cesira Ferrari y otras. Amelia Pinto canta el aria de Ero:

http://www.musicweb-international.com/classrev/2011/Mar11/Verismo_520622.htm



La función de 2009 dio lugar a un DVD publicado por Dynamic, en cuyo folleto podemos leer lo siguiente:
“Aunque la obra de Bottesini está todavía pendiente de un estudio sistemático, se encuentra sin dificultad en sus composiciones vocales e instrumentales los signos de una apertura a las influencias europeas, que parecía necesaria a los músicos italianos más perspicaces de su generación, como si presintieran la crisis inminente que amenazaba la música italiana y en particular la ópera, su producto más representativo.”

Y más adelante, ya refiriéndose en concreto a “Ero y Leandro”:
“La partitura, cuyo estilo esta próximo a las últimas obras de Verdi, denota sin sombra de duda un inusual cuidado de la orquestación y el uso de un lenguaje de gran riqueza cromática, a los que no son extraños la infuencia de ese wagnerismo que empezaba a expandirse en Italia. Asimismo, presenta similitudes con obras como “La Gioconda” de Ponchielli o “Mefistofele” de Boito, mostrando a menudo una inspiración melódica de gran calidad que rechaza toda concesión a un cantabile fácil y complaciente. Así pues, esta obra viene a enriquecer dignamente un repertorio (el de la ópera italiana de la segunda mitad del siglo XIX) todavía muy desconocido y que nos reserva agradables sorpresas.”

Podríamos concluir, por tanto, que las óperas de Bottesini, sobre todo las últimas, se hallaban a caballo de dos estilos sin pertenecer del todo a ninguno: abandonaban las orillas de la lírica italiana de mediados de siglo y se dirigían al puerto del verismo aunque sin llegar todavía a él.

Además de “Ero e Leandro”, que fue su penúltima ópera, Bottesini compuso las siguientes: “Colón en Cuba” (en español, 1848), “El asedio de Florencia” (1856), “El diablo de la noche” (1858), “Marion Delorme” (1862; Ponchielli compuso otra con el mismo título), “Vinciguerra, el bandido” (1870), “Alí Babá” (1871) y “La reina del Nepal” (1880), así que todavía queda mucho campo para esas agradables sorpresas sin salirnos del propio Bottesini.


Aria de Ero, al comienzo del acto III


http://www.youtube.com/watch?v=DVCYDNUUrDk


Veamos el argumento de esta breve ópera (unos 90 minutos) con sólo tres personajes, aparte del coro: Ero (sacerdotisa de Venus, soprano), Leandro de Abydos (héroe, tenor) y Ariofarne (arconte de Tracia y Rey de los sacrificios, bajo).

Acto I
El arconte Ariofarne está loco de amor por Ero, pero ésta le rechaza. Llega Leandro e inmediatamente se establece entre él y la sacerdotisa una corriente de afecto que no le pasa desapercibida al arconte. Este jura venganza: "O para mí, o para nadie".

Acto II
Dura muy poco, unos veinte minutos, y vocalmente pertenece casi por entero al coro y al malvado bajo. Como Ariofarne tiene entre sus funciones la de designar las víctimas propicias para los sacrificios a los dioses, elige a Ero, aunque antes de enviarla a la pira aún le da una última oportunidad de arrepentirse y salvarse. Pero la joven sigue prefiriendo morir quemada a irse con él. Cómo será de feo y de malo Ariofarne.

Leandro, como todo valiente tenor, quiere intervenir, pero todo lo que consigue es ser arrestado y expulsado del país, a la otra orilla del Helesponto. Por otra parte, Ero es encarcelada en una torre situada a medio camino entre las costas de Grecia y las de Asia.

Acto III
La noche previa al sacrificio, Ero espera la llegada de Ariofarne y los sacerdotes. Entonces ve que Leandro está cruzando a nado el Helesponto y, para orientarle, le indica su situación con una luz. Leandro consigue alcanzar la torre y canta con Ero un dúo de amor (ése que tanto inflamó al público la noche del estreno) mientras estalla una tormenta.

Dúo de Ero y Leandro, Acto III


http://www.youtube.com/watch?v=OX8z0MUCAAo


De pronto, oyen venir a Ariofarne y sus secuaces. Leandro, para huir, vuelve a tirarse al mar. Pero con la mala suerte de ir a caer sobre unos peñascos y abrirse la cabeza. Ariofarne, libre de su rival, se cree triunfador. Pero en esto se da cuenta de que Ero ha muerto de dolor, privándole del placer de vengarse sacrificándola. Ariofarne queda burlado y furioso.

Dos representaciones pictóricas de este final:
Hero e Leandro, de Régnier. Drama, pero con cierta contención. Bastante clásico.
http://imageshack.us/photo/my-images/26/heroeleandrorgniernatio.jpg/

Ero e Leandro, de Taillasson. Mucho más desgarrado
http://www.gdeleonardis.it/scheda_ritratti.php?id=7


Al acabar la ópera, estaba prevista una “danza de los colores” simbolista, con cinco grupos de bailarinas. Cada grupo representaría una especie diferente de semideidades e iría ataviado con un color representativo para acabar formando una especie de arco iris. Además, cada color debía identificarse con un instrumento o grupo de instrumentos de la orquesta: el azul con la cuerda, el verde con los oboes, etc. Pero esta idea no llegó a realizarse nunca porque los empresarios no estaban dispuestos a asumir el gasto.

Por otra parte, en aquella carta de 14 de noviembre de 1878 en la que Bottesini pedía a Boito que acudiese a supervisar la puesta en escena, le hacía partícipe al mismo tiempo de las reservas manifestadas por Depanis (el empresario) y Pedrotti (el director de orquesta) hacia el final de la ópera, que consideraban un poco frío al morir la protagonista en una escena a solas con Ariofarne, sin estrépito ni efectos especiales. Boito se muestra de acuerdo con Pedrotti y propone la siguiente modificación:

“Dopo le ultime parole del libretto, che mi pare siano quelle di Ariofarne: "Vendicato non son! È salva! È morta!" invece di calare il sipario scoppia un fulmine sulla terra e crolla diroccandosi il muro del fondo. Allora attraverso a quel largo crepaccio fatto dal fulmine se vede un poetico lembo di mare tutto scintillante di luna, e in mezzo ai padilli bagliori di un'iride e contornati da ninfe marine, da stelle, etc. ...si vedono i due amanti abbracciatti e diventati immersi in una magica calma mentre sul davanti della scena giace la salma d'Ero e il coro s'inginocchia adorando ed Ariofarne freme gelosamente.

Per terminare l'opera così non occore neanche un verso mio e neanche tocarne mezzo dei precedenti. Occorre bensì che tu aggiunga dopo le parole: "È salva, è morta!" uno scoppio fomidabilissimo di orchestra per indicare il fulmine che tuona e che aterra il muro della torre; poi devi anche aggiugere un mezzo minuto (cioè sedici o vneti, o veitiquattro battue) di deliziosa musica, serena, incantata, argentina, clama, soavissima, sulla qualle far vedera il quadro descrito qui sopra e far calare lentamente la tela. Così si compie la promessa che io faccio nelle due ottave di prefazione quando dico che l'amore di Leandro ed Ero "vinse i mari, i fulmini e la morte". Questa poetica apoteosi colla quale ti propongo di terminare l'opera, farà un bel contrasto per la sua ideale serenità con le convulsioni e con le detonazioni dell'uragano che la precede. Si potrà il quadro in modo che sorprenda piacevolmente anche l'occhio degli spettatori.”


Parece ser que en Crema no conocían, o no entendieron, las instrucciones de Boito acerca del derrumbe del muro, el mar y la luna que han de verse a través de una grieta, y el pálido resplandor del arco iris. Por no haber, no hay ni el abrazo de los amantes. Os dejo con el final de la obra:


http://www.youtube.com/watch?v=y9Psayc36yk

Loge
January 18th, 2013, 09:44 AM
EDMEA

Estrenada el 27 de febrero de 1886, es la penúltima obra de Catalani, escrita tras “Dejanice” y antes de “La Wally”. El estreno, en 1883, de “Dejanice”, no había generado un gran entusiasmo. Esfumada la posibilidad de colaborar con Boito, Catalani se dirigió a Ghislanzoni, tratando de contentar al mismo tiempo a los innovadores y a los defensores de la tradición. El libretista aceptó el encargo, a condición de tener la máxima autonomía. Por su parte, el compositor, que a los treinta y dos años creía hallarse ya al término de su vida a causa de la tisis (vivió siete años más, hasta 1893) aceptó de buen grado y aprobó el argumento de “Edmea”, que presenta algunas situaciones ya vistas antes en la “Lucía” de Donizetti, e incluso en la “Nina” de Paisiello. El libreto de Ghislanzoni está basado en la obra “Les Danicheff” de Pierre Newsky y Alejandro Dumas, hijo.

La verdad, a mí el argumento me parece muy absurdo. La música, en cambio, tiene momentos intensos y de gran belleza.

ACTO PRIMERO
Epoca: hacia 1600. Oberto, hijo del conde de Leitmeritz, está a punto de partir hacia un país lejano que no se especifica. El momento de la partida está muy próximo: dentro de una hora. Edmea, acogida por la difunta condesa, ha vivido en el castillo durante años como una hija adoptiva. Está enamorada en secreto (pero un secreto a voces) de Oberto. En el momento de la despedida, ambos jóvenes se juran amor y fidelidad eternos.

Dúo de Edmea y Oberto (http://www.divshare.com/download/16477591-162)

OBERTO
Angelo mio!.
Rivederti poss’io ancor una volta!

EDMEA
Dunque?

OBERTO
È deciso.

EDMEA
Quando?

OBERTO
Fra un’ora.

EDMEA (con angoscia)
Fra un’ora hai detto!

OBERTO
Perché quel pianto?
Partir m’è forza; ma in queste mura
Teco rimane di Oberto il cor.
Tu m’ami, io t’amo; d’ogni sventura,
D’ogni periglio trionfa amor.

EDMEA
Ma se obliarmi tu un dì potessi,
Se un’altra donna…

OBERTO
Puoi tu pensarlo?

EDMEA
S’io rivederti più non dovessi…

OBERTO
Solo la morte potria vietarlo.

EDMEA
Oberto mio!

OBERTO (con dolcezza stringendole la mano)
Edmea, sorridimi; d’amor la voce,
Non altro accento da te vuo’udir…
Balsami invoca lo strazio atroce,
E tu, crudele, mi fai morir.

EDMEA (con abbandono)
Perdona, Oberto; d’insidie infami
Piena è la terra dove tu vai,
Ma tu sei forte, ma so che m’ami,
E d’ogni insidia trionferai.

OBERTO
E tu del pari.

EDMEA
Si, Oberto mio;
Ma pria di darti l’estremo addio
Vorrei…

OBERTO
Che brami? Parla! Che brami?

EDMEA
Viedi! A quel volto ergi lo sguardo…

OBERTO (commosso)
Mia madre…

EDMEA
Qui solenne un voto oggi da me fia sciolto.
Tu mel consenti, Oberto?

(con solennità, additando l’effige)

Dinanzi a questa immagine
Della tua madre pia,
Che me straniera ed orfana
Siccome figlia amò:
Giuro esser tua se prospero
O avverso il fato sia;
Se d’esser tua mi vietano,
Lo giuro a lei: morrò!

OBERTO (invitando Edmea a seguirlo)
Angelo mio, vieni, già scorsa è l’ora…
Mio padre attende.

EDMEA (atterrita)
Dio!

OBERTO
Tu tremi! ei tutto ignora.

EDMEA
Solo di lui degg’io tremar.

OBERTO (con entusiasmo)
Del suo volere è il nostro amor più forte.

(abbracciandola)

Mia sposa…

EDMEA (con trasporto)
In vita, in morte…

OBERTO
Tu parli di morir! Tu parli di morir!
Pensa, o cara, i bei dì che verranno.

EDMEA
Io qui sola vivrò nell’affanno.

OBERTO
Pensa al giorno del lieto ritorno.

EDMEA
Si, vivrò sospirando quel giorno…

OBERTO
Si rattemprin la fede e l’amore
Nel sorriso del lieto avvenir.
EDMEA
Luce sola al deserto mio core
Fia la speme d’un lieto avvenir.


Oberto parte. El conde, como casi todos en el castillo, conoce esta relación. Y aunque dice querer a Edmea como una hija, no está dispuesto a que su heredero se comprometa con una muchacha que no pertenece a la nobleza. Aprovechando la ausencia del hijo, le impone a la joven el matrimonio con Ulmo, un vasallo que la ama en silencio, pero que se sabe rechazado por ella. Escuchemos la bella y conmovedora aria del barítono (a mí me trae ecos del "Ella giammai m'amó")

Aria de Ulmo (http://www.divshare.com/download/16477600-aea)

ULMO
Egli parte… ed io resto.
Oh, mille volte più felice di me s’ei porta seco
D’Edmea l’amore! Non li vedrò più insieme…
Degli sguardi furtivi e dei sorrisi ensemble.
Più l’amaro insulto non soffrirò.
Ecco la gioia mia!
Misera gioia nello strazio atroce che mi consuma.
Edmea… s’egli non tornasse…
Se ad altra donna il cor volgesse…
S’ella tradita… abbandonata…

(con orrore)

Oh! Che mai penso!
Edmea morrebbe di dolore. Ed io…
Potrei bramarlo? Io, che d’amor l’angoscia
Lentamente trascino, e per lei morro…

(dopo breve pausa)

Divora le tue lagrime insensate
Povero core dall’affanno oppresso,
Sulle soglie d’amore a te vietate
Nulla bramar, nulla sperar tu dei.

Ogni pietà fia muta a’tuoi lamenti
E in quell’astro d’amor gli sguardi intenti,
Un gaudio solo ti sarà concesso,
Gridare al mondo e al ciel: muoio per lei!


La boda se celebra ipso facto. Edmea consiente a la fuerza. De pronto, le acomete un acceso de locura y se lanza al río. Ulmo, tratando de salvarla, se arroja también a la corriente. Desaparecen en las aguas y los presentes, que atisban desde el castillo, los dan por muertos entre las lamentaciones y manifestaciones de remordimiento del conde.


ACTO SEGUNDO
En el patio de una taberna coinciden los parroquianos habituales y unos juglares, encabezados por Fritz, que vienen a representar su espectáculo en la fiesta que ofrece el barón de Waldek para celebrar el nacimiento de un heredero. Llegan Ulmo y Edmea, que da muestras de no haber recobrado el juicio. Como no tienen dinero, el dueño de la taberna-hostería se niega a alojarlos. Fritz sugiere entonces que vayan con él al castillo del barón, donde de alguna forma podrán acomodarse.

El cuadro segundo nos lleva a dicho castillo, en plena fiesta. Allí están, invitados, el conde de Leitmeritz y su hijo Oberto, que ha regresado de la expedición. Oberto lamenta amargamente la pérdida de Edmea. También está muy bien su aria:

Aria de Oberto (http://www.divshare.com/download/16477614-5e7)

OBERTO
È vano! È vano! Ad ogni umana gioia
Chiuso è il cor mio.
Di terra in terra, di castello in castello
Io vago errando increscioso a me stesso,
Agli altri oggetto di sterile pietà.
Di rimembranze soavi e di rimpianti
Vive l’anima mia.
O desiata e cara solitudine…
Qui posso co’miei pensieri
Ritornar su l’orme d’una larva adorata.
O dolce Edmea! Quale altra gioia in terra
Rimane a me fuor questa di invocare
Il tuo nome… E gli occhi al ciel rivolti,
pensar che tu mi vedi e tu mi ascolti?
Forse in quell’astro pallido,
Ai cherubini erranti
Tu la pietosa storia
Narri del nostro amor;
Un’eco lamentevole
De’tuoi celesti canti
Forse è la voce d’angelo
Che mi sospira in cor.
Sulla tua tomba, o misera,
Steso è un funseto velo
Di tradimenti e di infamie
Ch’io tremo di scoprir…
Ma quando a me sorridere
Ti veggo, Edmea, da cielo
Più non impreco agli uomini,
Si acqueta il mio soffrir.

Durante el tiempo transcurrido desde la boda forzada, el conde ha ocultado a su hijo las circunstancias de la desaparición de su amada. Aparecen los juglares. Al oir cantar a Edmea, Oberto reconoce su voz. El padre, atónito por lo que parece una resurrección, disimula como puede. A la vista de su amado, Edmea recobra la razón, aunque no la memoria (por lo que sigue sin recordar lo que le ha ocurrido), y se arroja en brazos de Oberto.

Final del Acto II (http://www.divshare.com/download/16477623-e43)

EDMEA (ad Ulmo, accennando ad Oberto)
Osserva là, non vedi tu
Quel cavalier pallido e alter?
Lo sguardo in me tien fisso ognor,
Pieno d’amor e di pietà…
Perché il mio cor trema così?
Quel cavalier chi mai sarà?

OBERTO
Se è ver che il Ciel t’ha resa a me,
Larva fedel del mio pensier…
Qual mi trattien strano terror?
Perché tremar? Perché esitar?
Angiol d’amor e di beltà!

ULMO
Nel riveder qual uom fatal
Di morte un gel mi scese al cor.
Ei l’ama ancor ei m’è rival,
Per darla a lui salvata io l’ho…

CONTE (da sé)
Dond’esci tu? Chi dall’avel
Larva crudel ti richiamò?
Nel tuo furor non mi accusar…
Non sollevar dei fati il vel…

(ad Oberto)

L’ansia d’amor reprimi in te…
Sol degna ell’è di tua pietà.
SIGNORI
La fata è inver bella e gentil…
Con dolce stil d’amor cantò…
Oh! come ben sa recitar!
Pazza davver potria sembrar.

DAMES (osservando Edmea ed Oberto)
Perché in veder quel cavalier
Ella arretrò e impallidì?
Strano mister d’odio e d’amor
Forse vedrem svelarsi qui.

FRITZ, GIULLARI (ai Signori)
Pazza è davver pazza d’amor
Stanotte asil le offrimmo qui.
Essa è gentil molto soffrì…
Il suo dolor desta pietà.

BARONE (al Conte)
Che puoi temer? demente ell’è
È degna sol di tua pietà.
Di Oberto in cor ti affida a me,
Il folle amor svanir dovrà…

OBERTO
Perché tremar? Perché esitar?
Oh! vieni a me, vieni al mio cor,
Angiol d’amor e di pietà!
Se è ver che il Ciel t’ha resa a me
vieni al mio sen,
angiol d’amor e di pietà!

ULMO (ad Edmea)
Vieni! Partiam quell’uom fuggiam,
In me, in me sol fidar puoi tu.

EDMEA
Osserva là, non vedi tu
Quel cavalier

OBERTO
Oh! vieni a me, vieni al mio cor.

ULMO
Che hai tu?

EDMEA
Un vago sovvenir…

ULMO (traendola seco)
Vieni! Partiam!

OBERTO
Ah! Non reggo più!
Edmea! Edmea!
EDMEA
Oberto?

OBERTO
Sì! Vieni al mio cor!

EDMEA (gettandogli al collo le braccia)
Oberto! oh quanto io t’amo!

TUTTI (guardando Edmea che si allontana con Oberto)
Un raggio in lei risplende
Della ragion smarrita,
Par che a novella vita
Già la richiami amor.


ACTO TERCERO
Edmea ha vuelto a la vida junto al hombre al que ama. Pero todavía le asaltan negros pensamientos.

Aria de Edmea (http://www.divshare.com/download/16477652-df1)

EDMEA
E poss’io dubitar? Ecco le aiuole
Dove al maggio io veniva ogni mattina
A raccoglier viole
Ch’io vi baci, ch’io m’inebri
Dei profumi, o cari fior!
Su voi l’anima si strugga
Nell’anelito d’amor.
Ch’io vi baci, ch’io m’inebri
Dei profumi, o cari fior!

Qual tetro pensier mi arresta?
Si smarrisce ogni speranza!
O bel sogno d’amor di speranza infinita,
Raggio della mia vita paradiso del cor,
Dopo tanto soffrir dopo tanto desio,
Se tu avessi a svanir io morrei di dolor,
Nel mio buio pensier la speranza era morta,
Or la luce è risorta ed è luce di ciel;
A me intorno spirar sento l’aura del Dio,
Egli è qui presso a me sempre amante e fedel.


Ambos renuevan su juramento de no separarse nunca:

Dúo de Edmea y Oberto (http://www.divshare.com/download/16477701-898)

EDMEA (appoggia il capo sul petto di Oberto)
Tu sei qui, sul mio cor…
Più da me non partir!
Nell’ebbrezza d’amor
Sul tuo sen vuò morir.

OBERTO
Non parlar, mia fedel,
Non parlar di morir.
EDMEA
Tu sei qui, sul mio cor…
Più da me non partir!

EDMEA
Nell’ebbrezza d’amor
Sul tuo sen vuò morir.

OBERTO
L’astro sol de’miei dì,
L’angiol mio non sei tu?
Non può il ciel che ci unì
Separarci mai più.
EDMEA
Non temer, io vivrò
Fin che tu resti qui;
Ah! Morir non si può
Quando si ama così.

EDMEA
Tu sei qui.

OBERTO
Non temer.

EDMEA
Non partir.

OBERTO
Mia fedel!

EDMEA
Sei qui, sul mio cor.

OBERTO
Son qui, sul tuo cor.

Rememoran sus primeros días de enamorados y se las prometen muy felices, cuando de pronto, el semblante de la joven se nubla: le acaba de volver la memoria y ahora recuerda que el conde la obligó a casarse con Ulmo. Oberto, fuera de sí, resuelve matar a ambos: al conde por ser el autor del crimen, y a Ulmo por su complicidad. Pero no es necesario: el propio Ulmo aparece, moribundo. En una última muestra de amor, se ha suicidado para devolver la libertad a Edmea. Amargamente, le dice a Oberto: “Yo la salvé de morir ahogada, y creí que al agradecimiento seguiría el amor. Pero te la entrego pura, pues su corazón siempre fue tuyo.” Mientras el buenazo expira, entra el conde y anuncia, gozoso, que ha conseguido la anulación del matrimonio. “Ya no hace falta”, dice el hijo: “La muerte lo ha disuelto antes”. La ópera termina con el dolor de todos por la pérdida de un muchacho tan generoso y la promesa de Edmea de no olvidarle nunca.



Catalani dedicó “Edmea” a la soprano Virginia Ferni-Germano, que la estrenó en el papel protagonista el 27 de febrero de 1886, en el Teatro alla Scala de Milán, como integrante del siguiente reparto:

Edmea (Soprano): Virginia Ferni-Germano
Oberto (Tenor): Gaetano Ortisi
Ulmo (Barítono): Francesco Pozzi
El conde de Leitmeritz (Bajo): Napoleone Limonta
Fritz (Tenor): Giovanni Paroli
L’oste (Bajo): Giuseppe Tonali
Barón de Waldek (Bajo): Raffaele Terzi

Esta primera representación confirmó las expectativas de su autor. Tanto que, en vida de Catalani, “Edmea” fue su ópera más célebre de todas las que compuso, incluida “La Wally”. Pero el compositor no tardó en arrepentirse, como muestran estas palabras que confió a su maestro Bazzini: “No puedo renunciar a mí mismo para ir detrás del gusto del público. Es el público el que debe acomodarse a los tiempos y encaminarse sobre las nuevas vías del arte.”

A pesar de esto, la ópera refleja la evolución estilística de Catalani, atraído por Wagner y por los temas nórdicos, pero al mismo tiempo consciente de la tradición italiana y de la necesidad de continuar sirviéndose de alguna fórmula melodramática (sobre todo la romanza y el concertante). Opera de estructura simple y de fácil realización, “Edmea” constituye un caso aparte en el itinerario creativo de Catalani, pues, al contrario de otras óperas del maestro de Lucca, el tema del amor no se funde trágicamente con el de la muerte, ni es elevado al rol de fuerza fatal que determina los acontecimientos y guía irresistiblemente a los personajes.

(Fuente: Dizionario dell’opera, concretamente aquí: http://delteatro.it/dizionario_dell_opera/e/edmea.php)


Sólo hay una grabación en disco, de 1989:
Edmea (Soprano): Maria Noro Sokolinska
Oberto (Tenor): Murizio Frusoni
Ulmo (Barítono): Marco Chingari
El conde de Leitmeritz (Bajo): Graziano del Vivo
Fritz (Tenor): Pierre Lefebvre
Orquesta del Teatro del Giglio de Lucca. Director: Massimo de Bernart

Loge
January 25th, 2013, 10:20 AM
IL BACIO
(“El beso”), de Riccardo Zandonai

Esta ópera fue la última de Zandonai, quien murió antes de terminarla. Zandonai, que se significó como patriota italiano en la Primera Guerra Mundial, falleció durante la Segunda, en fecha tan señalada como el 5 de junio de 1944; es decir, un día después de la entrada de los Aliados en Roma y un día antes del desembarco de Normandía. Si hubiera sabido que esa operación de cálculos biliares le iba a costar la vida, tal vez hubiera esperado a escribir el tercer acto de “Il bacio” antes de pasar por el quirófano. Pero no. Ironías del destino: el músico recomendado por el mismísimo Puccini para terminar “Turandot” no pudo completar su propia obra y con sólo dos actos nos hemos quedado.

Esta obra se estrenó en Milán el 10 de marzo de 1954, con Angelo Lo Forese, Rosetta Noli y Lina Pagliughi en los principales papeles. De esa representación procede la única grabación existente, que es la que se ha usado en el youtube (donde figura el reparto completo)


http://img812.imageshack.us/img812/4333/rosettanoli1.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/812/rosettanoli1.jpg/)
Rosetta Noli


Los libretistas, Arturo Rosatto (que lo fue en las últimas seis obras de Zandonai, incluyendo “Giulietta e Romeo” e “I cavalieri di Ekebú”), y Emilio Mucci, se basaron en una obra del alemán Gottfried Keller para idear la siguiente historia:

ACTO I
El procónsul Marzio (tenor), enamorado de Vestilia (soprano) acude a casa de la muchacha para pedir su mano. La familia es favorable a la boda, en parte porque temen el poder del patricio romano. Pero la chica, que acaba de descubrir la transgresora poesía de Safo, se ha vuelto una rebelde. No sólo rechaza a Marzio sino que se burla de él y lo despide con cajas destempladas. Sólo después cae en la cuenta de la tontería que ha hecho y, temiendo represalias por parte del procónsul, huye de su casa acompañada por dos amigos, Narcisino y Narcisone, dejando consternados a sus parientes.


ACTO II
Un cenobio. En una suntuosa silla de manos llega la viuda Mirta, seguida de algunos criados que portan valiosos cofres. Es una de las visitas que hace habitualmente a los monjes para que éstos, a cambio de los donativos, le ayuden con sus rezos a encontrar otro marido. En esto, el Padre Guardián anuncia la llegada de tres jóvenes, que no son sino Narcisino, Narcisone y Vestilia, que lleva ropas masculinas. Vestilia se hace pasar por huérfano y ruega asilo en el convento para sí y para sus dos acompañantes. También pide que le permitan vestir el hábito. Peticiones, todas ellas, que son rápidamente atendidas.

De pronto, irrumpe Marzio. Ha sido informado de que Vestilia se ha escondido en ese cenobio y viene tras ella. “Usted anda un poco perdido”, le dice el Padre Superior, “porque aquí, la única mujer que hay es esta viuda de buen ver, que se llama Mirta” (Recordemos que la viuda subvenciona al monasterio a cambio de conseguir marido) Desilusionado y dolorido, Marzio se va. Seguido de cerca por la viuda, que ya está decidida a conquistar al procónsul. Pero la profunda y sincera efusión de afecto de Marzio al enterarse de que Vestilia no estaba allí llega al corazón de la muchacha. Entonces se da cuenta de que el amor del joven es sincero y siente nacer, dentro de sí, un sentimiento recíproco.


Escuchemos una pequeña selección de lo compuesto por Zandonai, que no alcanza ni una hora de duración:

“Io non son più la misera fanciulla“, del Acto I, donde Vestilia ya va avisando a sus padres de su evolución mental tras la lectura de Safo. Canta Rosetta Noli.
DivShare File - 1_ Zandonai_ Il bacio_ Io non son più la.mp3 (http://www.divshare.com/download/16711716-9e1)

“Aprite il passo!“, del Acto II. Aquí oímos al tenor: primero su intempestiva llegada y después el desengaño. Angelo Lo Forese y otros.
DivShare File - 2_ Zandonai_ Il bacio_ Aprite il passo!.mp3 (http://www.divshare.com/download/16711732-ff9)

“Tanto mi ama“, también del Acto II, claro. Rosetta Noli canta las últimas notas compuestas por Zandonai.
DivShare File - 3_ Zandonai_ Il bacio_ Tanto mi ama.mp3 (http://www.divshare.com/download/16711744-984)


Y, como dijo alguien, “hasta aquí llegó el maestro”. Fin.



(Voces de los espíritus del Foro Opera Lively):
¡Oiga, oiga! ¿Nos va a dejar así, sin saber cómo termina? ¡Acabe lo que ha empezado, hombre! ¡Que usted no es Toscanini!

Bueno, tienen razón. Además, si no se conoce el tercer acto no hay quien se explique el título de la obra. Veamos, pues, lo que Zandonai hubiera querido musicar pero no pudo:


ACTO III
Escena primera
Jardín, con una estatua erigida en honor de Vestilia, a quien la fantasía popular, a causa de su misteriosa desaparición, considera una diosa y la venera como tal. Es de noche. Aparece Vestilia, cubierta con una capa de peregrino. Ve la estatua y aunque su primer impulso es destruirla, se acaba quedando extática contemplándola, presa del remordimiento por haber despreciado su propia belleza. Oye un rumor de pasos y se esconde.

Y he aquí que aparece Marzio, quien, acercándose a la estatua, le dirige frases tiernas y afectuosas. Vestilia, no pudiendo dominarse, murmura suaves palabras de respuesta, pero siempre sin dejarse ver. Marzio, alucinado, cree que es la propia estatua la que le contesta. Exaltado, la abraza y la besa, pero los labios que intenta besar son de piedra. Asi que se va desilusionado otra vez.

Vestilia se dispone a volver al cenobio. Pero antes, una fuerza irresistible le impulsa a dejar un beso allí donde se posaron los labios de Marzio. Aparece Mirta de improviso, y al reconocer en el peregrino al joven monje que había visto en el cenobio, grita y monta un escándalo. Todo el pueblo sale de sus casas. Vestilia es detenida y sus parientes agobian a preguntas a Narcisino y Narcisone para confirmar si es cierto que el tercer fraile ha sido sorprendido besando la estatua.

Escena segunda
Sala de justicia del Palacio Pretorio.
Tenemos a Marzio, Vestilia y Mirta como juez, acusada y acusadora, respectivamente. Aparte, asustados, Narcisino y Narcisone. Vestilia dice que confesará, pero sólo a puerta cerrada. Una vez desalojada la sala, se quita la capa de peregrino y confiesa su verdadera identidad, declarándose arrepentida de haber despreciado el amor. A Marzio ya no le quedaba más que eso por ver. Y como no parece reconocerla, ella se arroja temblorosa en sus brazos.

Vuelto el público al tribunal, Marzio proclama solemnemente que lo que ha sucedido no es un escándalo, sino un maravilloso prodigio: Vestilia, la divina Vestilia, ha regresado desde el cielo para ofrendarle su belleza. Todos estallan de alegría, en particular los parientes de la muchacha. De pronto, y ante el estupor general, aparece otro monje. Se trata de Mirta, que se ha puesto los hábitos de Vestilia y continúa persiguiendo el milagro de un segundo marido. Vestilia y Marzio unen por fin sus labios en un largo, anhelado beso.



Lástima no tener música para este bello final.

Loge
January 25th, 2013, 10:21 AM
IL BACIO
(“El beso”), de Riccardo Zandonai

Esta ópera podemos encontrarla entera aquí:
http://www.youtube.com/watch?v=NdvdvA1xzZ4

Aunque sería más preciso decir que está toda la música que Zandonai compuso para “Il bacio”, porque entera, entera… es imposible, ya que su autor no llegó a terminarla. Zandonai, que se significó como patriota italiano en la Primera Guerra Mundial, falleció durante la Segunda, en fecha tan señalada como el 5 de junio de 1944; es decir, un día después de la entrada de los Aliados en Roma y un día antes del desembarco de Normandía. Si hubiera sabido que esa operación de cálculos biliares le iba a costar la vida, tal vez hubiera esperado a escribir el tercer acto de “Il bacio” antes de pasar por el quirófano. Pero no. Ironías del destino: el músico recomendado por el mismísimo Puccini para terminar “Turandot” no pudo completar su propia obra y con sólo dos actos nos hemos quedado.

Esta obra se estrenó en Milán el 10 de marzo de 1954, con Angelo Lo Forese, Rosetta Noli y Lina Pagliughi en los principales papeles.


http://img812.imageshack.us/img812/4333/rosettanoli1.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/812/rosettanoli1.jpg/)
Rosetta Noli


Los libretistas, Arturo Rosatto (que lo fue en las últimas seis obras de Zandonai, incluyendo “Giulietta e Romeo” e “I cavalieri di Ekebú”), y Emilio Mucci, se basaron en una obra del alemán Gottfried Keller para idear la siguiente historia:

ACTO I
El procónsul Marzio (tenor), enamorado de Vestilia (soprano) acude a casa de la muchacha para pedir su mano. La familia es favorable a la boda, en parte porque temen el poder del patricio romano. Pero la chica, que acaba de descubrir la transgresora poesía de Safo, se ha vuelto una rebelde. No sólo rechaza a Marzio sino que se burla de él y lo despide con cajas destempladas. Sólo después cae en la cuenta de la tontería que ha hecho y, temiendo represalias por parte del procónsul, huye de su casa acompañada por dos amigos, Narcisino y Narcisone, dejando consternados a sus parientes.


ACTO II
Un cenobio. En una suntuosa silla de manos llega la viuda Mirta, seguida de algunos criados que portan valiosos cofres. Es una de las visitas que hace habitualmente a los monjes para que éstos, a cambio de los donativos, le ayuden con sus rezos a encontrar otro marido. En esto, el Padre Guardián anuncia la llegada de tres jóvenes, que no son sino Narcisino, Narcisone y Vestilia, que lleva ropas masculinas. Vestilia se hace pasar por huérfano y ruega asilo en el convento para sí y para sus dos acompañantes. También pide que le permitan vestir el hábito. Peticiones, todas ellas, que son rápidamente atendidas.

De pronto, irrumpe Marzio. Ha sido informado de que Vestilia se ha escondido en ese cenobio y viene tras ella. “Usted anda un poco perdido”, le dice el Padre Superior, “porque aquí, la única mujer que hay es esta viuda de buen ver, que se llama Mirta” (Recordemos que la viuda subvenciona al monasterio a cambio de conseguir marido) Desilusionado y dolorido, Marzio se va. Seguido de cerca por la viuda, que ya está decidida a conquistar al procónsul. Pero la profunda y sincera efusión de afecto de Marzio al enterarse de que Vestilia no estaba allí llega al corazón de la muchacha. Entonces se da cuenta de que el amor del joven es sincero y siente nacer, dentro de sí, un sentimiento recíproco.


Bien, pues aunque lo compuesto por Zandonai no llega a la hora de duración, por si alguien no tiene paciencia ni para eso, o tal vez prefiere probar unos trocitos de la tarta antes de comérsela entera, ahí va una pequeña selección:

“Io non son più la misera fanciulla“, del Acto I, donde Vestilia ya va avisando a sus padres de su evolución mental tras la lectura de Safo. Canta Rosetta Noli.
DivShare File - 1_ Zandonai_ Il bacio_ Io non son più la.mp3 (http://www.divshare.com/download/16711716-9e1)

“Aprite il passo!“, del Acto II. Aquí oímos al tenor: primero su intempestiva llegada y después el desengaño. Angelo Lo Forese y otros.
DivShare File - 2_ Zandonai_ Il bacio_ Aprite il passo!.mp3 (http://www.divshare.com/download/16711732-ff9)

“Tanto mi ama“, también del Acto II, claro. Rosetta Noli canta las últimas notas compuestas por Zandonai.
DivShare File - 3_ Zandonai_ Il bacio_ Tanto mi ama.mp3 (http://www.divshare.com/download/16711744-984)


Y, como dijo alguien, “hasta aquí llegó el maestro”. Fin.



(Voces de los espíritus del Foro Opera Lively):
¡Oiga, oiga! ¿Nos va a dejar así, sin saber cómo termina? ¡Acabe lo que ha empezado, hombre! ¡Que usted no es Toscanini!

Bueno, tienen razón. Además, si no se conoce el tercer acto no hay quien se explique el título de la obra. Veamos, pues, lo que Zandonai hubiera querido musicar pero no pudo:


ACTO III
Escena primera
Jardín, con una estatua erigida en honor de Vestilia, a quien la fantasía popular, a causa de su misteriosa desaparición, considera una diosa y la venera como tal. Es de noche. Aparece Vestilia, cubierta con una capa de peregrino. Ve la estatua y aunque su primer impulso es destruirla, se acaba quedando extática contemplándola, presa del remordimiento por haber despreciado su propia belleza. Oye un rumor de pasos y se esconde.

Y he aquí que aparece Marzio, quien, acercándose a la estatua, le dirige frases tiernas y afectuosas. Vestilia, no pudiendo dominarse, murmura suaves palabras de respuesta, pero siempre sin dejarse ver. Marzio, alucinado, cree que es la propia estatua la que le contesta. Exaltado, la abraza y la besa, pero los labios que intenta besar son de piedra. Asi que se va desilusionado otra vez.

Vestilia se dispone a volver al cenobio. Pero antes, una fuerza irresistible le impulsa a dejar un beso allí donde se posaron los labios de Marzio. Aparece Mirta de improviso, y al reconocer en el peregrino al joven monje que había visto en el cenobio, grita y monta un escándalo. Todo el pueblo sale de sus casas. Vestilia es detenida y sus parientes agobian a preguntas a Narcisino y Narcisone para confirmar si es cierto que el tercer fraile ha sido sorprendido besando la estatua.

Escena segunda
Sala de justicia del Palacio Pretorio.
Tenemos a Marzio, Vestilia y Mirta como juez, acusada y acusadora, respectivamente. Aparte, asustados, Narcisino y Narcisone. Vestilia dice que confesará, pero sólo a puerta cerrada. Una vez desalojada la sala, se quita la capa de peregrino y confiesa su verdadera identidad, declarándose arrepentida de haber despreciado el amor. A Marzio ya no le quedaba más que eso por ver. Y como no parece reconocerla, ella se arroja temblorosa en sus brazos.

Vuelto el público al tribunal, Marzio proclama solemnemente que lo que ha sucedido no es un escándalo, sino un maravilloso prodigio: Vestilia, la divina Vestilia, ha regresado desde el cielo para ofrendarle su belleza. Todos estallan de alegría, en particular los parientes de la muchacha. De pronto, y ante el estupor general, aparece otro monje. Se trata de Mirta, que se ha puesto los hábitos de Vestilia y continúa persiguiendo el milagro de un segundo marido. Vestilia y Marzio unen por fin sus labios en un largo, anhelado beso.



Lástima no tener música para este bello final.

Loge
February 1st, 2013, 06:57 AM
Una obra, dos compositores, tres sorpresas.

Ocurrió poco antes de Navidad. Repasando una lista de obras de Umberto Abyecto Giordano, mi atención recayó sobre un título que hasta entonces se me había escapado, y eso que ya había leído esa lista unas cuantas veces. Se trataba de una “ópera” escrita en colaboración con Alberto Franchetti. (Entrecomillo lo de ópera porque, como enseguida se verá, no es exactamente eso. La página donde lo leí no había hilado muy fino). Primera sorpresa. ¡Dos campeones del verismo más desgarrado, los autores de “Mala vita” y “La figlia di Iorio”, habían unido sus fuerzas, y yo sin enterarme! ¿Qué pudo salir de semejante coalición? ¿Una enorme tragedia rural y costumbrista?

Pues no. Segunda sorpresa: la obra en cuestión se titula “Giove a Pompei”. Ah... De entrada, uno se queda parado. Un argumento mitológico. Extraño. Pero démoslo por bueno. Después de todo, hablamos de Pompeya. Seguro que hay algún honor mancillado de por medio, alguna venganza pendiente o alguna vestal traidora, y que todo termina con la lava desbordándose por las calles, madres corriendo con sus bebés en brazos, gritos del estilo “¡Te amaré eternamente!” o “¡Los dioses me han vengado!”, y la aparatosa destrucción de la ciudad.

Pues tampoco. Y aquí viene la tercera y mayor sorpresa: “Giove a Pompei”... ¡es una opereta! Y no, ni siquiera es una opereta como las que por entonces empezaba a componer Franz Lehar, con finales tristes. Es una opereta al estilo Offenbach, una mezcla de “La bella Helena” (por la convivencia entre dioses y hombres) y “Golfus de Roma” (por su ubicación geográfica y temporal)


http://img444.imageshack.us/img444/4377/otromomentodelarepresen.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/444/otromomentodelarepresen.jpg/)

Como era previsible, aunque no por eso menos lamentable, no existen grabaciones de ella. En cuanto a representaciones, sólo consta una: la del 5 de julio de 1921, que fue la primera y, al mismo tiempo, la única. En esa fecha se estrena en el Teatro all’aperto La Pariola, de Roma, con más éxito de público que de crítica. A los romanos de la Belle Epoque, según las crónicas, les impresionó el aparato escénico. Después de eso, no hay más.

Pero hete aquí que, en una pequeña ciudad separada de Pompeya por poco más de cien kilómetros, una entidad llamada “Música Cívica” organiza, entre noviembre de 2009 y febrero de 2010, la primera edición de unas jornadas culturales que consisten en ocho días de conferencias, cada una de ellas amenizada, ilustrada o arropada con un concierto. Ahora mismo, en pleno febrero de 2013, están inmersos en la IV edición. (http://www.musicacivica.it/programma.asp) Pues bien, la quinta “Conversazione” entre palabra y música de la I Edición, celebrada el 17 de enero de 2010, lleva por título “Hombres y dioses a la sombra del Vesubio”. Y la obra que sigue a la charla es... ¡Giove a Pompei!, que se presenta como la máxima atracción del ciclo.

Para entenderlo todo hay que decir que la pequeña ciudad que organiza esto es Foggia, cuna de Umberto Giordano. Por supuesto, la producción es modestísima. Para empezar, porque el programa de obras musicales que acompañan a las conferencias durante el ciclo no está concebido como una temporada lírica, sino de conciertos. El que se represente una ópera, aun en formato semiescenificado, es una excepción, justificada sólo porque se trata casi un estreno mundial, y además de una obra de su hijo más ilustre. En segundo lugar, porque Foggia no dispone de los recursos de La Scala o de La Fenice, y ha de contentarse con una versión reducida, tanto en la duración de la obra como en la envergadura de la orquesta. Los cantantes que asumen los principales papeles son Cuneyt Unsal (barítono: Júpiter), Eugenio Leggiadri (bajo-barítono: Parvolo Patacca) y Raffaella Palumbo (soprano: Lalage) Marco Moresco dirige la Civica Orchestra.


http://img826.imageshack.us/img826/8347/unmomentodelarepresenta.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/826/unmomentodelarepresenta.jpg/)

El artículo periodístico que anuncia el evento habla del largo y difícil trabajo de reconstrucción realizado para sacar a la luz esta obra, teniendo en cuenta que desde hace aproximadamente un año, Casa Ricordi, por impulso e idea del maestro foggiano Dino De Palma (musicólogo y estudioso de Giordano), aceptó trabajar en la reconstrucción de la partitura que estaba perdida, y que nunca había sido interpretada con orquesta desde los años veinte. Del trabajo de Giordano tan sólo quedó la partitura para voz y piano (habiéndose interpretado algún aria en el Festival del Valle d’Itria), y partes aisladas para algunos instrumentos de la orquesta. Tras la petición de De Palma a Ricordi para llevar a término la reconstrucción, y después de varios meses de trabajo, éste se terminó en otoño de 2009 e inmediatamente se ofreció al público en el marco de esas jornadas organizadas por Música Cívica. El artículo sigue con unas declaraciones del director artístico de Música Cívica, el maestro Gianna Fratta, que habla del orgullo por haber recuperado esta obra, y al final expresa su esperanza de que en el futuro se represente en mejores condiciones e incluso se grabe en disco o DVD. Demasiado optimismo, creo yo.

Por el momento, el testimonio audiovisual que podemos ver en youtube no es que no recuerde precisamente a Rosellini ni a Fellini, es que entra directamente en la categoría de “Menos da una piedra” con cara de resignación incluida. Tres breves trailers donde apenas si se llega a oir un poco de la música compuesta conjuntamente por Giordano y Franchetti. Pero… el valor histórico, y sobre todo anecdótico, de este descubrimiento, merece, en mi opinión, que los veamos y así nos hacemos una idea de cómo es esta obra:

http://www.youtube.com/watch?v=CIlTmc_HCKQ&feature=youtu.be

http://www.youtube.com/watch?v=F1B5zuAnz5w

http://www.youtube.com/watch?v=kT513q8oFgc


El argumento, en tres actos, es el siguiente:

Año 79 d. C. Los pompeyanos intentan atraer a su ciudad el turismo cultural, ése que se chifla por los monumentos, las antigüedades clásicas y los restos arqueológicos. Pero, a diferencia de otras ciudades de su zona, como Roma o Nápoles, ellos no tienen nada que ofrecer en ese campo. Así que, ni cortos ni perezosos, falsifican las antigüedades, pintan sus casas con productos especiales para que parezcan casi de la época etrusca, y, lo que es peor porque atrae sobre ellos la ira divina, arrancan las estatuas de los dioses de sus emplazamientos en la ciudad y las entierran para desenterrarlas luego ante los crédulos turistas, haciéndoles creer que han sido testigos de un valioso hallazgo.

Ante tal estado de cosas, Júpiter decide intervenir y baja a Pompeya, acompañado por su fiel Ganímedes, a poner orden. A partir de aquí, la obra consiste en mostrar las diversas trampas y encerronas que los taimados pompeyanos van poniéndole al padre de los dioses (pasatiempos, juegos de inteligencia, situaciones dudosas…) para que desvíe su atención del objetivo con que ha ido allí. Pero Júpiter es mucho Júpiter. Se acaba dando cuenta de los intentos de engaño y con ello su ira aumenta, por lo que ordena a Vulcano que active el Vesubio a fin de arrasar la ciudad.

Los pompeyanos aún tienen una carta en la túnica: la bella Lalage, una campesina con la que Júpiter se ha encontrado en el mercado y de la que, como buen calavera que sabemos que es por otras operetas, se ha enamorado. Ellos confían en que Lalage interceda ante el dios. Y realmente lo hace, y logra suavizar el castigo, aunque no hasta el punto de obtener un perdón total. El dios mantiene la condena a la ciudad pero salva a sus habitantes, concediéndoles el tiempo justo para escapar antes de la erupción. Sin embargo, éstos, incorregibles, consideran que el volcán en acción es un espectáculo digno de ver, y se quedan a presenciar el acontecimiento. Con las consecuencias imaginables, claro.

¿Cómo se compone una ópera entre dos autores? ¿Se reparten el libreto y uno compone una parte y el otro, otra? ¿Uno pone la casa y el otro la bebida, y se pegan tardes enteras discutiendo si aquí va un do sostenido o un re bemol? ¿Todo lo compone uno y el otro lo va revisando? Entre Giordano y Franchetti no sé quien llevaría la voz cantante. Cierto que en 1921 el foggiano ya era una celebridad, pues tenía en su curriculo “Mala vita”, “Andrea Chénier”, “Fedora”, “Siberia” y “Madame Sans-Gêne”. De sus obras importantes sólo le faltaba por componer “La cena delle beffe”. Franchetti, siete años mayor, no tenía en su haber éxitos tan resonantes: “Asrael”, “Cristoforo Colombo”, “Germania”, “La figlia di Iorio”. Sin embargo, el turinés era tenido en muy alta consideración por sus contemporáneos. Fue el propio Verdi quien, en respuesta a una consulta del municipio de Génova, propuso su nombre para el “Cristoforo Colombo” con el que se quería celebrar los 400 años del descubrimiento de América. Al trío Puccini-Mascagni-Franchetti se le consideraba como el más prometedor de la “Giovane Scuola” y se decía que Puccini era el más melódico, Mascagni el más fogoso y Franchetti el más docto y erudito. Y me dejo lo mejor para el final. El propio Giordano reconoció que "Franchetti è stato il maestro di tutti noi"

A pesar de todo, cuando en la actualidad uno busca información sobre “Giove a Pompei”, lo normal es que se atribuya sólo a Giordano, o bien a ambos pero puntualizando lo de la colaboración como si el jefe hubiera sido Umberto Abyecto y Franchetti un mero ayudante. A la vista de cómo la historia ha relegado al olvido a este compositor (por demasiado intelectual, por las leyes raciales contra los judíos italianos promulgadas en 1938, no se sabe muy bien por qué) complicado se presenta el panorama para quien intente rehabilitarlo. Esperemos que alguien en Turín tenga tanto interés y ganas como han tenido Dino De Palma y los entusiastas foggianos para recuperar la obra de su conciudadano más famoso.

Loge
February 9th, 2013, 06:53 AM
LA FALCE (La guadaña)
de Alfredo Catalani

Nacido en Lucca en 1854, Catalani estudio composición en Milán con Antonio Bazzini. A través de éste conoció a algunos miembros de la Scapigliatura (movimiento que, como todos, rechazaba las convenciones artísticas existentes y trataba de establecer otras nuevas) entre ellos a Arrigo Boito y Franco Faccio. Ellos le pusieron en contacto con la música de Wagner, de la que a partir de entonces se convirtió en admirador y seguidor. En 1875, para graduarse en el Conservatorio de Milán, compuso “La falce”, una égloga en un acto, de unos cuarenta minutos de duración y sólo dos cantantes y coro, que se estrenó el 19 de julio de 1875.

El libreto, de Boito, permitió al compositor crear una ópera que, junto a páginas en línea de la tradición verdiana, contenía también concesiones a exigencias más vanguardistas, como la renuncia a la separación entre los números de la partitura, cuya ligazón es asegurada por una escritura orquestal que deriva de la melodía infinita de Wagner. Recibida con comentarios muy positivos, “La falce” supuso el inicio de la colaboración con Lucca, que editaba las obras de los músicos más revolucionarios, por así decir, pero que en mayo de 1888 se fusionó con Ricordi, que pasó así a detentar los derechos de las obras de Catalani.

La parte más elogiada de la obra es el Preludio. Naturalmente, en una composición que no alcanza los tres cuartos de hora, un preludio de diez minutos tiene que tener alguna enjundia, y en este caso así es. El preludio es, en realidad, un poema sinfónico que describe un episodio bélico: el ataque a una caravana conducida por Mahoma, que fracasa debido a una tormenta de arena y la intervención de los ángeles. Está basado en la batalla de Badr (que ocurrió realmente y fue clave para que Mahoma lograse imponerse a sus rivales Quraysh de La Meca) aunque los hechos están tergiversados, ya que, en realidad, fue Mahoma quien atacó la caravana y los Quraysh quienes enviaron un ejército para defenderla.

Escuchamos ese fragmento sinfónico a la Orquesta de la RAI dirigida por Ferruccio Scaglia en 1966:



http://www.youtube.com/watch?v=sdrt2gn55II


Terminado el preludio, y sin solución de continuidad, entra en escena la joven Zohra y descubre, aterrada, que toda su familia ha perecido en la batalla. (“Tutti son morti!”) Nos hace partícipes de la tragedia Antonietta Cannarile-Berdini, en la misma grabación de antes:



http://www.youtube.com/watch?v=CmW86BFs-rU


En ese paisaje desolado aparece el tenor llevando una guadaña. ¿Será un mensajero de la muerte, que viene a completar el trabajo? No: es un mensajero de vida. Los jóvenes se enamoran y se disponen a seguir a la victoriosa caravana que se oye a lo lejos, empezando una nueva vida juntos. El final de la ópera lo escuchamos a Paola Romanó y Carlo Torriani, y el Coro Filarmónico de Pesaro, en la más reciente de las grabaciones existentes.

Final de La Falce (http://www.divshare.com/download/17036662-9c0)


http://img11.imageshack.us/img11/4870/lafalce2.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/11/lafalce2.jpg/)

Hay otras, pero deben de ser más bien piratas: 1950 con Hofmann, Pasini, Dir: Martini / 1966 con Cannarile-Berdini, Infantino, Dir. Scaglia / 1987 con Noto, Frusoni, Dir: Zani

Loge
February 16th, 2013, 10:28 AM
OCEANA
de Antonio Smareglia

Al igual que Catalani, Antonio Smareglia formó parte de la Scapiaglitura. Compositor desubicado, no gozó de muchos éxitos en vida porque su música, claramente en línea con las tendencias germánicas, fue considerada demasiado austríaca o eslava por los italianos, y demasiado italianizante por los austríacos y eslavos. Siendo como era un gran admirador de Wagner, Smareglia intentó con “Océana” (compuesta cuando ya estaba ciego) crear una ópera lírica italiana nueva, más deudora de Wagner que del melodrama verdiano. La operación tuvo un éxito parcial: las mejores páginas de la ópera son justamente la obertura y los cuadros sinfónicos, lo que convierte a la orquesta en la verdadera protagonista. La página vocal más apreciada por la pureza del canto es el quinteto del último acto.

La información siguiente está extraída del artículo de Orietta Sverko “El teatro lírico smaregliano” para “La voce” -página 6-: http://www.edit.hr/lavoce/2005/inpiu/palcoscenico050405.pdf

“Océana” es la penúltima de las óperas de Antonio Smareglia. Pertenece, junto con “La Falena” y “Abisso” al tercer periodo, llamado “teatro di poesia” en que los estudiosos han dividido su producción (los otros dos serían: 1) Las óperas de juventud y 2) Las de madurez “diversa”, entrando en este segundo grupo “Nozze istriane”). Los libretos de sus tres últimas óperas fueron escritos por Silvio Benco, con el que Smareglia creó sus obras más complejas, maduras y originales, que sorprendieron al público con un discurso que las penetra de un sinfonismo continuo, no dramático pero poético, fantasioso, sugestivo, de reflexiones más que de acciones, un mundo fantástico que fascina, que hechiza.


http://img69.imageshack.us/img69/106/cartuladeoceana.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/69/cartuladeoceana.jpg/)

Estrenada el 22 de enero de 1903 en la Scala, bajo la batuta de Toscanini, “Oceana” fue alabada por personalidades tan prestigiosas como D’Annunzio, Puccini, Franchetti, Leoncavallo o Richard Strauss, por sus innovaciones expresivas. Por su parte, los críticos le dedicaron, entre otros calificativos, los de “puro teatro musical”, “poema lírico”, “continua sinfonía descriptiva”, “fábula de pura imaginación lírica”, etc.
Los intérpretes fueron:

Nersa, una joven: Amelia Karola (Soprano)
Init, dios de las aguas: Giovanni Zenatello (Tenor)
Vadar, viejo enamorado de Nersa: Nestore della Torre (Barítono)
Ers, espíritu del mar: Rodolfo Angelini-Fornari (Barítono)
Uls, espíritu del mar disfrazado de anciano: Oreste Luppi (Bajo)
Hareb, hermano de Vadar: Michele Wigley (Barítono)

La acción transcurre en Siria, en la época de los Patriarcas. La joven y hermosa Nersa es amada por el viejo Vadar, que la ha recogido de la calle y le ha dado empleo en la hacienda de la que es dueño. Las segadoras manifiestan su envidia hacia Nersa quejándose de que trabaja poco Está a punto de iniciarse una riña entre ellas cuando aparece un extranjero rubio con barba de chivo que pone en fuga a las segadoras. Se trata de Ers, un genio marino, que se queda a solas con Nersa, la única segadora que no ha huido. Ers fascina a la muchacha hablándole sobre la misteriosa vida del mar y de su señor, un dios de las aguas que la espera para hacerla compartir con ella su reino. Nersa abandona el pueblo con Ers, pero se cruzan con Hareb, hermano de Vadar, quien informa a éste de la fuga.

Vadar se lamenta amargamente y muestra en sus lamentos cuánto la ama. Envía gente en su busca pero no la encuentran. De pronto, la ven venir de la mano de un viejo venerable de barba blanca (que es Uls, otro genio marino, disfrazado de anciano). Vadar recupera la felicidad y está dispuesto a dejar correr el asunto. Sin embargo, los viejos del lugar le recuerdan la tradición de la tribu: si una muchacha se escapa, nadie debe protegerla y debe servir a todos. La gente del pueblo pide que se aplique la ley. Vadar se enfrenta a todos, y es Uls quien da con la solución: que la joven sea castigada, sí. Y que el castigo consista en tener que pasar tres noches a solas a la orilla del mar. Todos aceptan esa sentencia, y Uls se lleva a Nersa hacia el mar.

El acto segundo empieza con un intercambio de insultos entre Ers y Uls, mediante el cual descubrimos las motivaciones de ambos para obrar como lo han hecho en el acto precedente. Init, dios del mar, les había enviado a buscarle esposa, prometiendo al que la encontrara la más bella perla de su tesoro. Como sabemos, Ers la encontró antes, pero cuando Vadar ordenó la persecución y el genio vio acercarse a la gente con horcas y palos, abandonó a la muchacha. Uls la encontró, y con su estratagema ha logrado traerla a los dominios de Init con el consentimiento del pueblo. Así que la perla será para él. La joven está durmiendo, y Uls se acuesta también.

En ese momento aparece Init, rodeado de su corte de ondinas y sirenas. Aprovechando que Uls duerme, Ers le presenta a Nersa llevándose el mérito y la perla. El dios marino, prendado de la joven, la corteja y le ofrece ser reina. Nersa, ahora llamada Océana, acepta convertirse en la esposa del dios, pero en el mismo momento en que acepta ve llegar por el mar a Vadar y su hermano Hareb. Conmovida por el amor que le muestra Vadar al afrontar los peligros para llegar hasta allí, le asaltan los remordimientos por haberlo abandonado. Init hace cantar a las sirenas, lo que enloquece a Hareb. Pero no a Vadar, quien, salvado del naufragio por Uls (recién despertado) llega a la costa y reitera sus promesas de amor a Océana. La muchacha le insta a salir de allí cuanto antes, dispuesta ahora a casarse con él por compasión.

Llega el día de la boda con Vadar, pero Océana sigue soñando con Init. Vadar se da cuenta de que ella está triste. Vadar se va y aparece Ers, anunciando a Océana la llegada de Init. Un nuevo dúo entre los dos amantes, que se trunca cuando Vadar vuelve y los encuentra en actitud amorosa. Comprendiendo que en cuestión de amor está en desventaja contra un joven, que además es un dios (según le informa Uls), deja en libertad a Nersa. Pero, puesto que la vida sin su amada no tiene sentido, pide a Init una gracia: que le haga enloquecer y que, a cambio, su hermano Hareb recupere la razón. El dios cumple su deseo. Con Océana anegada en lágrimas por el sacrificio de Vadar, atrae sobre éste una nube y le priva de la razón. A continuación, le devuelve el juicio a Hareb, quien pasa a ser el dueño de las tierras de su hermano, ahora incapacitado. Océana e Init celebran finalmente su boda.


http://img844.imageshack.us/img844/6535/discodesmareglia.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/844/discodesmareglia.jpg/)

Podemos escuchar la obertura en el disco del sello Bongiovanni “Antonio Smareglia: Ouvertures e Intermezzi”, con la Orquesta Sinfónica Lituana de Vilnius, dirigida por Silvano Frontalini:



http://www.youtube.com/watch?v=uOn-rKhUvWE


Y un par de fragmentos, de la única grabación de la que tengo constancia: directo desde Zagreb 2003 con Antonija Borosa (Oceana), Branko Robinsak (Init), Tomislav Bekic (Vadar), Paolo Rumetz (Ers), Ivica Trubic (Uls). Director: Zoran Juranic

Dúo de Oceana e Init (Acto II) (http://www.divshare.com/download/23732266-be3)

NERSA
(Tra veglia e sonno)
Ti desidero
ne l’aurora,
sol che timido
lambi il crin!

(Apre gli occhi)

Dove son? Dove son? Sei tu venuto?
Principe? Dio? Qual ti chiamai piangendo...
Umile poverella ora mi sento;
ora che il sogno è mio!

INIT
Vedi? Comprendi?
Un popolo di numi in esultanza
ti saluta regina
e sei mia sposa, amata più che il mar!

NERSA
(Levandosi)
Regina? E di che regno? D’un chimerico
soggiorno a plenilunio sfavillante,
ove ogni pietra ha rai di diamante,
quale la madre mia solèa cantar!
Diceva il ver!

INIT
Il vero!

NERSA
E m’ami tu?

INIT
T’adoro!

NERSA
Io t’amavo in pensiero
così che or languo e moro
vedendoti...

INIT
(La bacia)
Ma un bacio
fuga la dolce morte!

NERSA
Un bacio, un bacio!
O bacio, che sei tu, si tenero e si forte,
che liberi e incateni,
che suggi una ferita...

INIT
(Ribaciandola)
... e che avveleni
con un rumor di foco,
ed eterni ne ‘l poco
istante ogni malia di nostra vita?

NERSA
Baciami ancora!

INIT
O bacio, un alveare
sei che il miele ha perenne e la fragranza!

NERSA
Baciata ribaciare
ardore avviva e spegne ricordanza!

INIT
Steso su ‘l mondo un velo,
solo ne gli occhi tuoi limpidi io vedo!

NERSA
O amplesso, o porto anelo,
questa languida nave accogli, io chiedo!

INIT
Essenze ignote esalami
la chioma che discior su’ flutti io vo’!

NERSA
Nei tuoi marini talami
le rose de la terra io porterò!

INIT
O rosa mia, Ocèana!

(L’abbracia con impeto e la tiene stretta)


Li abbiam tutti ne l’anima (Acto III) (http://www.divshare.com/download/23732286-327)

NERSA
Li abbiam tutti ne l’anima,
il mar, la notte, ben tu dici, o Vadar!
Ma tu non dici: gli amor nostri ancora!
Ma tu non dici: il sole ai sogni nostri!
Ma tu non dici: l’iride, il baleno,
l’estasi, il cielo constellato d’astri,
e ne le spire degli odor salmastri
l’inno dei flutti ed il bacio immortal!

(Con accento cupo e fatale)

Tristi le nozze a noi
i desideri nostri si ricorrono
per l’aria, aneli ed avidi,
ma come si ritrovano si sfuggono
e tra gli amplessi gemono!

(Ironica mormora l’antica canzone)

Ti desidero
ne l’aurora
sol che timido
lambi il crin...

(Non prosegue; lo sconforto la invade)

Ah! La malìa de ‘l foco,
canzone, in te s’è spenta!
Gelida mi sgomenta
la vita; e morte invoco!
Morir! Cinta le chiome
di serto nuzial!

Bardamu
February 20th, 2013, 12:46 AM
El propio Giordano reconoció que "Franchetti è stato il maestro di tutti noi"

Franchetti era un gran señor con Giordano.
Cuando Umberto se encontró en dificultades financieras con Sonzogno, Franchetti ha vendido los derechos del libretto de Andrea Chenier y convenció al editor a pagar su sueldo de todos modos.
Siempre me gustó la forma en Giordano ha buscado y logrado el éxito con Andrea Chenier.

Schigolch
February 20th, 2013, 08:38 PM
Andrea Chenier es una de las grandes operas italianas finiseculares. Curiosamente, es tambien una de las mas despreciadas por los detractores del "verismo".

Loge
February 22nd, 2013, 10:54 AM
FOSCA
de Carlos Gomes

En este hilo hemos oído ya algo del compositor brasileño Antonio Carlos Gomes. Concretamente, gracias a Schigolch conocimos su última ópera, “Condor”. Gomes empezó a componer muy influido por Verdi, por quien siempre sintió una gran veneración. Esta influencia es notoria hasta “Il guarany” (la más conocida, hoy en día) estrenada en 1870. Pero a partir de aquí, se va a producir una progresiva evolución en la forma de componer de Gomes que le va a ir llevando hacia los dominios del verismo, y esa evolución empieza con “Fosca”, de 1873, que es la obra a la que nos dedicaremos hoy. Más adelante iremos siguiendo esa evolución con otros títulos.

Cuando Carlos Gomes llega a Milán, en 1864, el belcanto agonizaba y Verdi dominaba la escena, si bien desde lejos, pues en esos años el maestro vivía en París y apenas componía obras nuevas (“La forza del destino” y “Don Carlo”). En esa especie de “vacío de poder” surge el movimiento de la Scapigliatura. Gomes no fue un scapigliato en la verdadera acepción de la palabra, pero simpatizó con el movimiento en cuanto suponía una renovación de la ópera y de las artes en general, y conoció a Boito, Faccio, Praga y Mariani.

“Fosca” representa el gran progreso hacia la personalísima caracterización melódico-rítmico-armónica de Gomes. Los nuevos caminos se aprecian ya aquí: abandono del esquema de números cerrados con tendencia a la melodía infinita, ausencia de belcantismo, utilización de temas recurrentes y caracterizadores de un determinado personaje o situación, grandes saltos melódicos ascendentes y descendentes, tendencia acentuada al cromatismo, uso deliberado de los intervalos de quintas y séptimas (principalmente los llamados quinta aumentada y séptima disminuida), uso atrevido de novenas, nuevas combinaciones tímbricas en la orquesta, tratamiento objetivo del libreto de Ghislanzioni sin divagaciones ni repeticiones innecesarias… “Fosca” alerta ya de la llegada de una nueva tendencia literaria-musical: el verismo. Y Gomes ya está muy seguro de sí mismo: melodía, armonía y ritmo se unen para integrar la que muchos consideran la más perfecta y bella de sus óperas.

Los intérpretes del estreno, en la Scala, fueron:
Fosca: Gabriella Kraus (Soprano)
Paolo: Carlo Bulterino (Tenor)
Delia: Cristina Lamare (Soprano)
Gajolo: Ormondo Maini (Bajo)
Cambro: Victor Maurel (Barítono)
Director: Franco Faccio

http://img853.imageshack.us/img853/9789/gabriellekrausscomofosc.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/853/gabriellekrausscomofosc.jpg/)
Gabrielle Krauss como Fosca


A diferencia de lo sucedido con “Il Guarany”, “Fosca” no viajó inmediatamente a otros teatros de ópera europeos. En Sudamérica hubo que esperar cuatro años para oírla, y ello fue posible gracias a la visita de una compañía italiana que ofreció el estreno de la obra en el continente el 7 de julio de 1877.

En 1878, Gomes decidió revisar la partitura, y reemplazó el aria para barítono del Acto I “Or viene o donna” por la más lírica “D’amore le ebbrezze”. Además, acortó drásticamente el final del Acto II, que originalmente exigía un largo concertante, y reescribió amplias partes del duetto de Fosca y Delia del Acto III. Así revisada, se presentó de nuevo en La Scala. El público aplaudió el resultado, pero la guerra declarada entre Lucca (editor de Gomes) y Casa Ricordi contribuyó a que la ópera sufriera desgracias inmerecidas. Algunos oyentes pro-Ricordi estaban convencidos de haber encontrado rastros de pernicioso wagnerismo en “Fosca”. Un revival en el Teatro Dal Verme con la última gran campeona europea del compositor, la soprano Hariclea Darclee en 1890, fue su última representación fuera de Sudamérica durante más de un siglo.


La acción sucede en Piran (Istria) y Venecia, en el año 944

Acto I
En Piran, en un refugio de piratas.

Gajolo anuncia a sus piratas el siguiente golpe que van a dar: se infiltrarán en una ceremonia nupcial en la iglesia de San Pedro de Venecia, donde, siguiendo la tradición de la ciudad, contraerán matrimonio varias parejas, y a su señal caerán sobre los ricos invitados a la boda. Cambro, un antiguo esclavo veneciano ahora al servicio de Gajolo, entra con noticias: Michele Giotta, noble veneciano y padre de Paolo, al que los piratas tienen prisionero, ha ofrecido pagar un generoso rescate por su heredero. Los piratas brincan de gozo, pero su celebración es interrumpida por Fosca, la hermana de Gajolo. Fosca le recuerda al jefe pirata que el prisionero está bajo su custodia, y que no piensa devolverlo ni por todo el oro del mundo. Evidentemente, Fosca se ha enamorado de Paolo, a quien curó las heridas cuando fue hecho prisionero.

Para contentar a los bandidos, Fosca les propone coger la recompensa, pero sin devolver al joven. En una palabra: estafar a Giotta. Los piratas se niegan: no piensan faltar a su palabra. Se van todos excepto Fosca y Cambro. Este, mirándola fijamente, le insinúa que es su único aliado, y aunque sabe que ella le aborrece, confía en lograr su amor a la larga. Cambro aprovecha un momento en que Fosca sale para cantar y contar que, en realidad, sólo la quiere como instrumento para hacerse con el poder entre los piratas.

Aria de Cambro del Acto I: “D’amore l’ebrezze”. Paulo Fortes

http://www.youtube.com/watch?v=sP9Wrtmmq94

¡Vete, insensata!
La mirada de Cambro te vigila.
El prisionero volverá a Venecia.
El, amado por ti.
Tú, despreciada y separada de él.
Por tanto, sólo te queda un amigo:
este Cambro a quien tanto aborreces.
¡Pero tú serás mía!
¡Mi gran sueño va a realizarse!
Reinando en el corazón de Fosca
reinaré sobre todos.
La ebriedad del amor y de las caricias
no quiero, no necesito de ti.
El oro me basta para sustentarme
pues me da armas
cuya pólvora me hace rey.
¡Ah, sí!
Esta degradación de quien antes fue oprimido,
marginado del mundo, insultado,
entregado al dolor, aplastado,
ahora se eleva
con semblante de inmenso orgullo.
¡Oprimidos, alzaos!


Fosca saca a Paolo de la gruta en que lo tenían confinado. El joven se da por muerto, pero Fosca le ofrece la libertad a cambio de su amor. Paolo la rechaza: ama a Delia, una joven veneciana a la que está prometido. Furiosa, Fosca está a punto de devolverlo a prisión, cuando aparece Gajolo con el dinero del rescate en la mano. Michele Giotta ha pagado, así que hay que devolver al muchacho. De nada le valen a Fosca sus protestas. El barco de Giotta se hace a la mar con Paolo a bordo y Fosca se queda mirando cómo su amado navega hacia los brazos de otra mujer. Cambro, que lo ha observado todo, se le ofrece para lo que haga falta. “Serás mi amigo si me ayudas a vengarme”, responde ella. El pacto queda sellado: él se compromete a capturar de nuevo a Paolo; a cambio, Fosca se entregará a Cambro.



Acto II

Escena 1. Casa de Delia en Venecia
Paolo y Delia van a casarse dentro de una hora, precisamente en la iglesia que tenían previsto asaltar los piratas. Ajenos al peligro, se declaran su amor.

Escena inicial del Acto I. Zaccaria Marques y Agnes Eyres:

http://www.youtube.com/watch?v=YZuKNmqfZTY

DELIA
No vuelvas a dejarme, oh Paolo.
No tengo energía
y me debilita la ansiedad.

PAOLO
¿Y crees, oh, Delia,
que yo podría dejarte?

DELIA Y PAOLO
Solos, olvidados por el mundo,
viviremos de besos y canciones.
¡Como dos cisnes errantes,
por los amplios caminos del mar!

DELIA
¿Me amarás siempre?

PAOLO
¡Siempre! ¡Siempre!

DELIA Y PAOLO
Una palabra, una promesa:
¡amarte siempre!

PAOLO
¡Oh, Delia, sobre la tierra
te amaré solamente a ti!
No se puede destruir
el primer amor.

DELIA Y PAOLO
¡Sí! ¡Sentimos
un éxtasis celestial en el corazón.
Recorreremos la tierra
con los ojos fijos en el cielo,
viviremos como dos flores
con el mismo tallo!


Entra Cambro, disfrazado de buhonero, para espiar a los novios y conocer sus planes. Trata de vender a Delia un collar o alguna otra joya para adornarse en su boda, pero ella lo rechaza con modestia: es una huérfana sin dote, ha vivido siempre sin lujos y nos los quiere tampoco ahora. Delia pide que echen al mercader, que, no sabe por qué, le da muy mala espina. Los futuros esposos se despiden hasta dentro de una hora.


Escena 2: Una plaza frente a la Iglesia de San Pedro.

Fosca y Cambro, disfrazados, aguardan la llegada de las parejas de novios. Fosca se justifica a sí misma por la acción que va a realizar con el aria “Quale orribile pecato”. Podemos oir en este fragmento a Ida Miccolis y a Nadir de Mello Couto:

Ida Miccolis

http://www.youtube.com/watch?v=NHmR3rRpJUA


Nadir de Mello Couto

http://www.youtube.com/watch?v=kS4U-oh09RM

¡El estaba junto a ella!
¡Le juraba amor eterno!
¡Y respondía con dulces acentos,
con una tierna mirada y una sonrisa
a aquélla que tanto aborrezco!
¡Para ellos, la ebriedad de un placer divino,
para mí el dolor de un amor desesperado!
¡Cielos! Para ellos la alegría, el gozo…
¡Ah! ¡Y yo llevo el infierno en el corazón!

(Se cubre el rostro con las manos y llora)

¿Qué horrible pecado debo expiar?
¿Acaso me has dado un corazón
para destrozarlo, oh adverso?
¡Dios! ¡Oh, Dios!
Me revelaste un secreto arcano.
¡Ah, cruel! ¡Ah, cruel!
Y después volviste a arrojarme
al abismo del dolor! ¡Ah!
¡Me arrojaste, me arrojaste de nuevo
al dolor, al abismo del dolor!
¡Ah, cruel! ¡Ah, cruel!


Llega Gajolo con sus hombres, dispuestos a dar el golpe. A una palabra de su jefe, los piratas se abalanzan sobre los invitados. Pero éstos también llevan armas y se entabla una batalla. Mientras sus compañeros luchan, Cambro secuestra a Delia. El telón cae mientras el resultado de la escaramuza todavía es indeciso.

Como se dijo anteriormente, Gomes escribió originalmente un largo concertante para terminar este Acto II, concertante que acortó en una revisión posterior. En esa versión original sí que se llegaba a ver la victoria de los venecianos, aunque era una victoria amarga, ya que Fosca aparecía para revelarles el secuestro de Delia, obligando así a Paolo a volver con ella a la guardia de los piratas.



Acto III
La gruta de los prisioneros en la isla de los piratas. Delia lamenta su destino y suspira por Paolo. Viene Fosca, que se revela como rival suya y le dice que el hombre al que aman ambas está en su poder. Delia suplica ofrece cambiar la vida de Paolo por la suya. (Orfana e sola nel materno tetto) Conmovida por el amor de Delia, Fosca se ablanda, pide perdón y le ofrece asumir todo el sufrimiento ella sola. Las dos mujeres se abrazan y salen de escena.

Orfana e sola nel materno tetto (Duetto de Fosca y Delia) por Ida Miccolis y Agnes Ayres (Acto III) (http://www.divshare.com/download/17681795-2a2)

DELIA
¡Tu esclava!
Pero indómita y sin miedo.
¡Tu esclava!
Pero libre de mente y de corazón.
Aceptaré mi destino.
Tú eres más fuerte
Lo veo, lo sé.
Me verás morir con coraje,
pero rogar ante ti… No, jamás.

FOSCA
Te venzo con una sola palabra.
¡Paolo está en mi poder!

DELIA
¡Oh, cielos! ¡Cielos!
¡Pero tú le salvarás!

FOSCA
No lo esperes.
¡Ya tengo noticias de vuestro amor!

DELIA
Huérfana y sola bajo el techo materno,
mis días pasaron entre llantos.
¿Qué culpa tuve si, joven,
Paolo me vio y me ofreció su corazón?
Lo trajiste prisionero y te enamoraste de él.
El no podía incumplir sus promesas
pero mantuvo el recuerdo bendito
de aquella Fosca que le salvó.

FOSCA
Eres astuta, pero no lo salvarás.
¡Ese indigno morirá!

DELIA
¡Mátame sólo a mí!

FOSCA
¡Morirá!

DELIA
¡Así ya no tendrás rival!

FOSCA
Incluso muerta, él te amará.

DELIA
Renunciaré a su amor.
Si así lo quieres, me alejaré de él.
Consuélate pensando
que por siempre seré tu esclava y tu amiga.

FOSCA
¿Y tengo que creerte?
¿Serías tan generosa?
¡Me vence su dolor!

DELIA
¡Oh, qué veo! ¡Ah! ¡Sí!
El llanto está en tus ojos,
¡te habla la voz de Dios!

FOSCA
¡Delia! Mi sufrimiento es grande.
Mi corazón está conmovido
por tanto afecto.
Quiero llorar, pero no puedo.
Si escucho la voz del perdón,
todo castigo desaparecerá.

DELIA
¡Sí! ¡Dios te inspira el perdón!

FOSCA
Serás salvada
por las palabras de mis labios.
Verás desaparecer tu castigo
en el mismo instante en que, apenado,
se abre mi corazón.

DELIA
¡Reprime el desprecio de amante ofendida!

FOSCA
¡Te perdono y olvido mi dolor!

DELIA
Las ansias de tu dolor cesarán.

FOSCA
Ahora te perdono y olvido mi dolor.
Sígueme.

(Salen)


Bellísimo, ¿verdad?

Llegan los piratas supervivientes de la escaramuza. No les gusta nada la actitud de Cambro, que ha dejado vendido a su jefe, y que ahora, en clara connivencia con su hermana, maniobra para sustituirle. Decididos a impedir semejante golpe de estado por parte de un antiguo esclavo, organizan una célula de salvamento que parte hacia Venecia para intentar liberar a Gajolo.

El grupo se va y reaparece Fosca, ahora acompañada por Cambro. Cuando éste se entera de que Fosca ha decidido dejar con vida a Paolo, monta en cólera y desliza insidiosas alusiones a que Paolo y Delia, una vez libres, se reirán de ella y de su clemencia. Con ello logra reavivar sus celos, dando lugar a un dúo muy macbethiano, al menos en las intenciones: matar a Paolo y Delia, y tomar el poder pirata.



Acto IV
El palacio del Dux.

El intento de rescatar a Gajolo ha fracasado y ahora hay más piratas que antes en los calabozos ducales, con un corto y negro futuro que incluye el trayecto por el Puente de los Suspiros. De ello nos enteramos por los nobles que al comienzo de este acto intercambian novedades en los mentideros venecianos. Todo apunta a que el Dux va a dirigir una expedición naval de castigo. Michele Giotta, temiendo que ello ponga en peligro la vida de su hijo, pide un día de prórroga, pero nadie cree que eso vaya a servir para algo.

Gajolo solicita audiencia al Dux y le ofrece un trato: Su Excelencia me deja volver a mi guarida y yo libero a Paolo. Si para cuando llegue allí, mi hermana ya lo ha colgado, fusilado o descuartizado, yo vuelvo aquí para que me ejecutéis. El Dux acepta, pero le advierte que, si incumple el trato, enviará inmediatamente a toda la armada veneciana contra los piratas. (“Di Venezia la vendetta”).

Como me parece que es en los coros donde más se nota la todavía existente influencia verdiana sobre esta ópera, aprovecho para incluir el que se produce al final de esta escena:

“Son capitano” y “Di Venezia la vendetta”, del Acto 4º, por Newton Paiva

http://www.youtube.com/watch?v=PbaHvCAGFFQ

DUX
La gracia que imploraste,
te la concedo.
Di lo que tengas que decir
y sé breve.

GAJOLO
Breve seré.
Quiero volver a Istria
antes del día fijado.

CORO
¿Nada más quieres del Dux?

GAJOLO
Nada.

CORO
Este corsario es experto y astuto.

GAJOLO
¡Ah! Soy capitán de gente valiente.
Con el hierro en la mano,
entre las olas y el viento,
en campo abierto,
quiero morir como un héroe.

DUX
¡Hablas bien!

CORO
Sus palabras me agradan.

GAJOLO
En Piran, una hermana
y un infame renegado
están difundiendo la noticia
de que aquí me han ejecutado.
Si no desmiento esta falsedad,
Paolo y su esposa
morirán cruelmente.

GIOTTA
¡Paolo! ¡Gran Dios!
¡Piedad de mi hijo!

GAJOLO
¡Ah! Soy capitán de gente valiente…

DUX
¿Cómo te has enterado de eso?

GAJOLO
Por mis fieles
aprisionados esta mañana.

DUX
¿Y tú querrías…?

GAJOLO
Si Paolo está vivo,
os lo enviaré de vuelta
y seguiré combatiendo
con los míos.
Si Paolo estuviera muerto,
me entregaré a vosotros.

CORO
Esta propuesta es aceptable.

DUX
¿Podemos confiar en ti?

GAJOLO
Dux, ¿faltó Gajolo alguna vez
a su juramento y a su fe?

DUX
Sin embargo, lo habéis oído.
Tomará las armas nuevamente.

CORO
¿Va a temblar Venecia
por un solo hombre?

DUX
Partirás esta noche.

GAJOLO
Y en dos días
verás volver a Paolo o a Gajolo.

CORO
Escucha, corsario.
Te quedes allí o vuelvas,
el destino te espera.
¡La venganza de Venecia
es como un aguacero.
Sobre la playa maldita
encontraréis guerra y muerte.
De los valles a los despeñaderos
sacaremos a los enemigos
de sus nidos!

GAJOLO
Soy capitán de gente valiente.
Y allí, en Piran, moriré como un héroe.

CORO
¡Guerra! ¡Guerra!
¡Ningún ladrón
escapará de la matanza!


De nuevo en la isla de los piratas, Paolo tiene una breve entrevista con Cambro, quien con ambigüedad calculada le hace creer que Delia ha sido ejecutada y que él mismo debería ir pensando en arreglar sus cuentas con Dios: “Intenditi con Dio”. Cuando Cambro se va, Paolo canta el fragmento más conocido de la ópera. Tenemos varias interpretaciones disponibles:

Armando de Assis Pacheco

http://www.youtube.com/watch?v=u8KBE-_Gnaw


Sergio Albertini

http://www.youtube.com/watch?v=fCRLVyA0rHg


Zaccaria Marques

http://www.youtube.com/watch?v=hBzOw1PXyww


José Carreras

http://www.youtube.com/watch?v=BdGbVAAc4xQ


PAOLO
Entiéndete con Dios.
¡Entiéndete con Dios!
¡Bandada de impíos!
A mi amada le habrán destrozado el corazón.
En vano la mísera,
cayendo ante ellos de rodillas,
habrá implorado piedad.
¡Delia! ¡Muerta por mí!
¡Mi ángel! ¡Muerta por mí!
¡Ven, ven, apresúrate, oh muerte,
caiga sobre mí tu ala fatal!
Envidiable suerte,
para quien tanto ha sufrido,
ser mortal.
¡Ah! Si estás entre los ángeles,
oh, Delia mía,
si subiste al cielo,
para mí la vida es un cruel suplicio.
¡Oh, Delia, para mí
la vida es un cruel tormento!
Ya te veo radiante,
entre los nimbos,
oh, mi fiel.
Ya te veo entre los nimbos,
oh, fiel, al deseado amante
extender la mano desde el cielo.
¡Ven, ah, ven!

Oh, Delia, para mía la vida
es un cruel tormento.
¡Ven! ¡Ven! ¡Ah, ven!
Extender la mano al deseado amante,
extender la mano desde el cielo



Fosca ordena a los piratas que acaben con Paolo, y ya están empuñando los sables cuando aparece Gajolo, justo a tiempo de impedir la ejecución que hubiera ocasionado la suya propia. Antes ha encontrado tiempo para matar al traidor Cambro. Gajolo ordena liberar a la pareja. Fosca ruega que la perdonen, alegando en su defensa el gran amor que siente por Paolo. (Non mi abborrir… compiangimi) Apenas Paolo y Delia se van, Fosca saca un puñal que llevaba oculto y se lo clava, muriendo en brazos de su hermano. Y mientras cae el telón, Gajolo y sus piratas juran humillar a la altiva Venecia.


DISCOGRAFÍA

Existe un primer disco, grabado en Rio de Janeiro en 1962, que no recoge la ópera completa sino una selección, a cargo de:
Leda Coelho de Freitas: Fosca
Armando de Assis Pacheco: Paolo
Aracy Bellas-Campos: Delia
Paulo Fortes: Cambro
Y la Orquestra Sinfônica Nacional da Rádio MEC

Puede verse en esta página, el sexto de la lista: http://www.soarmec.com.br/catalogo2.htm


Luego, tenemos la grabación de la función del Teatro Municipal de Sao Paulo, el 14 de septiembre de 1966 con los siguientes intérpretes:
Fosca: Ida Miccolis
Paolo: Sergio Albertini (o Antonio Ghislanzioni)
Delia: Agnes Ayres
Gajolo: Mario Rinaudo (o Zaccaria Marques)
Cambro: Costanzo Mascitti
Orquesta y Coro del Teatro Municipal de Sao Paulo
Director: Armando Belardi

http://img811.imageshack.us/img811/8564/caratuladisco1966.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/811/caratuladisco1966.jpg/)



Reparto casi idéntico al de la versión que circula por Youtube, grabada en el mismo lugar el 27 de septiembre de 1973:
Fosca.............. Ida Miccolis (soprano)
Paolo.............. Zaccaria Marques (tenor)
Delia.............. Agnes Ayres (soprano)
Cambro............. Constanzo Mascitti (barítono)
Gajolo............. Mário Rinaudo (baixo)
Director: Armando Belardi


En cuanto a discos, la lista termina con el de Ebony Opera, del año 2000 en el que cantan Marie Robinson (Fosca), César-Antonio Suárez (Paolo), Mary Winston Smith (Delia) y Mark Rucker (Cambro), y dirige a la orquesta Warren Wilson. Pero se trata de una versión de concierto, y además, sólo recoge una selección de fragmentos.
Aquí hay una referencia: http://www.operaebony.org/recordings.html



Y ya sólo queda por citar el DVD de la Opera Nacional de Sofía, 1997
Fosca: Gail Gilmore
Paolo: Roumen Doykov
Delia: Krassimira Stoyanova
Gajolo: Svetozar Ranguelov
Cambro: Niko Issakov
Director: Luis Fernando Malheiro

http://img829.imageshack.us/img829/2412/caratuladeldvd.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/829/caratuladeldvd.jpg/)

Schigolch
February 22nd, 2013, 11:23 AM
Fosca me parece una ópera muy disfrutable (claramente superior, desde luego, a Condor). Creo que a muchos amantes de la melodía y la ópera italiana del siglo XIX les encantaría. Sin embargo, y con la excepción parcial del Guarany, escuchar en el teatro óperas de Carlos Gomes es complicado, incluso en Brasil. Hace poco había funciones de Lo schiavo en Alemania.

¿Se imaginan un ciclo, en varias temporadas, de Carlos Gomes en el Teatro Real con, pongamos: Il Guarany, Fosca, Salvator Rosa y Lo Schiavo?.

Se engarzaría además en ese propósito de abrirse hacia América Latina que forma parte de los postulados de la actual dirección artística del Teatro....

Luiz Gazzola (Almaviva)
February 22nd, 2013, 12:30 PM
A mí, me gustan las cuatro arriba, Il Guarany, Fosca, Salvator Rosa y Lo Schiavo. No conozco Il Condor.

Schigolch
February 22nd, 2013, 12:46 PM
Tambien se conoce como Odalea. Se encuentra completa en youtube:


http://www.youtube.com/watch?v=9y9EMr8tWXE

Loge
February 22nd, 2013, 04:34 PM
A mí, me gustan las cuatro arriba, Il Guarany, Fosca, Salvator Rosa y Lo Schiavo. No conozco Il Condor.

Salvator Rosa me parece aún excesivamente deudora de Verdi como para traerla a este hilo, pero Maria Tudor y Lo Schiavo sí que las presentaré más adelante... si es que no hay algún otro forero que se anime. :)

Loge
March 1st, 2013, 09:48 AM
MARIA EGIZIACA
de Ottorino Respighi

La historia de Maria Egiziaca es bien conocida en el mundo cristiano: María ejercía la prostitución en Alejandría, hasta que embarcó hacia Jerusalén siguiendo a unos peregrinos. Allí trató de entrar en la Iglesia del Santo Sepulcro, pero una fuerza sobrenatural se lo impidió. Este milagro, junto con una aparición de la Virgen, la llevaron a abandonar su vida inmoral y a reformarse. Se dirigió al santuario de San Juan Bautista, donde sus pecados fueron perdonados, y se retiró al desierto, en el que vivió como eremita durante cuarenta años. Siendo ya anciana, la encontró en el desierto el abate Zósimo. Este le dio la comunión un Viernes Santo y quedaron en reencontrarse dentro de un año. Pero cuando Zósimo acudió a la cita encontró a la santa muerta. Llevaba así exactamente un año, pues había fallecido tras recibir la comunión. Junto al cuerpo, en la arena, había trazado un mensaje en el que pedía a Zósimo que la enterrase. Como éste no tenía fuerzas para cavar la fosa, lo hizo un león por él.


http://img580.imageshack.us/img580/2186/mariaegiziacaderibera.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/580/mariaegiziacaderibera.jpg/)
Maria Egiziaca, de Ribera

De esta leyenda se hicieron abundantes adaptaciones literarias y ha constituido también el tema de varias obras pictóricas. Entre las primeras figura la “Vida de Santa Maria Egiziaca” de un monje de Pisa, Domenico Cavalca, que fue la utilizada por el libretista Claudio Guastalla para la ópera de Respighi, aunque hay unas cuantas diferencias entre la obra de Cavalca y la de Guastalla. Así, el primero narra la leyenda a modo de flasback (empieza con el encuentro de María y Zósimo en el desierto, y ella le cuenta su vida), mientras que en la ópera los hechos se disponen de forma lineal. En el cuadro segundo, quien se aparece a María no es la Virgen, sino un ángel. No hay mención al mensaje en la arena, ni al acuerdo de reencontrarse cada año: en la ópera, cuando el abate encuentra a la santa, ésta ya está expirando.

“Maria Egiziaca” está dividida en tres cuadros, unidos por dos interludios. Dura sólo setenta minutos, aunque el segundo y el tercer cuadro son tan lentos que a mí casi se me ha hecho larga.

En el cuadro primero, María se halla en el puerto de Alejandría, tratando de animar con sus ofertas lascivas a un melancólico marino. Aparece un peregrino que va a embarcar hacia Jerusalén. Maria, deseosa de aventuras en países lejanos, le pregunta si puede acompañarle. “Si tienes dinero para el pasaje, sí”, responde el peregrino. Ella no lo tiene, pero está convencida de que podrá conseguirlo a bordo seduciendo a los marinos. El peregrino se indigna y trata de boicotear las negociaciones de María con los marineros. Pero no lo consigue, y María sube al barco.

El primer interludio describe el viaje. Al principio, el mar está agitado. La descripción de esta agitación se alterna con figuras que representan la voluptuosidad desplegada por María a bordo para pagarse el viaje. La segunda parte del interludio es más sosegada, casi pastoril, y nos trae a la mente una apacible llegada a puerto. Como indicaré más adelante, algunos críticos detectan en esta obra la influencia de Richard Strauss; incluso se compara la caracterización musical de María con la que el maestro alemán había hecho de Salomé. Precisamente, parece ser en los interludios donde la sombra de Strauss es más alargada. Pero a mí, éste, el primero, me recuerda más bien a Wagner y, en concreto, el descenso al Nibelheim. Oigamos y opinemos:

Primer interludio (http://www.divshare.com/download/19514896-85a)

Cuadro segundo: María, junto con un pobre y un leproso, todos ellos guiados por una ciega a la que María le ha dado un pan, alcanzan el templo. Los acompañantes pasan, pero cuando llega su turno el peregrino le corta el paso alegando que no es digna de pisar la casa de Dios. Ella se mofa y se dispone a entrar de todos modos, pero algo, algo invisible, sobrehumano, se lo impide. Es entonces cuando María se convierte y pregunta cómo puede purificarse. Aparece un ángel que le informa: primero debe ir a la ermita que hay junto al río Jordán, donde se purificará. Y después deberá cruzar el río, es decir, ir a vivir al desierto. El cuadro termina con María entrando finalmente en la iglesia, acompañada por un imponente coro en latín.


http://img545.imageshack.us/img545/7805/iglesiadelsantosepulcro.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/545/iglesiadelsantosepulcro.jpg/)
Iglesia del Santo Sepulcro

La conversión de María es la escena central de la obra. Como el aria en que ocurre es muy amplia, ofrezco sólo la parte nuclear de la misma:

O bianco astore (http://www.divshare.com/download/19514930-2ca)

O bianco astore, Angelo del Signore,
che si mi mordi il cuore col
duro rostro, umile a te mi prostro
che verità m’ai mostro
nel divin segno.
Nunzio dell’alto Regno,
porre l’ira e lo sdegno
pur che tu voglia, lenirò
l’acre doglia lambendo,
lambendo questa soglia…
Nunzio dell’alto Regno, ecc
Oh, blanco halcón, Angel del Señor,
que aferras mi corazón con tu
duro pico, ante Ti me postro, humilde,
pues me has mostrado la verdad
con tu divino signo.
Enviado del alto Reino,
aflígeme con tu ira o tu desprecio,
y si lo deseas, aliviaré
mi gran dolor lamiendo,
lamiendo este umbral.
Enviado del alto Reino, etc.

Ahora viene el segundo interludio, que nuevamente nos lleva de viaje con la protagonista. En este caso refleja el cruce del río Jordán y la internada en el desierto.

Segundo interludio (http://www.divshare.com/download/19514995-adb)


Cuadro tercero: El abate Zósimo sale de una cueva y se encuentra un león terminando de cavar una fosa y a María junto a ella. Zósimo cree que la fosa es para él, pero la ya casi santa le contesta que está equivocado y se la adjudica a sí misma. Hay un detalle que al abate le maravilla y que le convence de que está ante una elegida de Dios: ella conoce su nombre. Zósimo pide que le bendiga, pero ella se declara indigna incluso de desatarle los cordones de las sandalias. Lentamente, María expira mientras Zósimo y un coro de ángeles alaban al Señor. Así:

Final (http://www.divshare.com/download/19516730-665)

ZOSIMO
Beata, il Paradiso
già luce nel tuo viso:
arde negli occhi un riso
che è divino messaggio.

MARIA
L’ombra dei di perduti
fa i cieli oscuri e muti
se grazia non m’aiuti
nel dubbioso passaggio.
L’anima mia, buon santo,
è affannata tanto,
ma le alleggia il tuo canto
la pena del viaggio.
Luce increata che nel ciel si spazia,
luce che tutt’umana voglia sazia,
ecco m’invade e avvolge di sua grazia.
Ecco le rose del mattino eterno!
Ecco i suoi gigli!
Nel cerchio superno
il santo volto di Maria discerno. Ah

ZOSIMO
Il martiro sofferto
tant’anni nel deserto
dell’angelico serto
è il più sicuro gaggio.
Arde negli occhi un riso
che è divino messaggio.
Ave, Signore, che versi la pietà
nel nostro cuore,
come rugiada in prato al primo albore,
per cui virtù fior di verde
non muore state né verno!
Vergine, ave!
Ben è tua vision gioia soave premio
che accede nostre anime prave,
meta per cui nullo cammino è grave.
Ave, Maria.

MARIA
Come trema la nuda anima mia!
Abbi pietà di me, Vergine pia…
Perdono… Io m’abbandono…
in tua balla. E così sia.

ANGELI, ZOSIMO
Laudato sii, Signore!
Tua la gloria e l’onore.
Tue le benedizioni
onde salvi e perdoni,
Tue son l’anime belle
coronate di stelle.
Laudato sii, Signore!
ZÓSIMO
Feliz mujer, el Paraíso
ya luce en tu rostro:
brilla en tus ojos una sonrisa
que es la del divino mensaje.

MARIA
La sombra de los días desperdiciados
hace el cielo oscuro y silencioso
a menos que me ayude la gracia
en mi incierto tránsito.
Mi alma, hombre santo,
está muy agitada,
pero tu canto aleja
el miedo al viaje.
La luz no creada que habita el cielo,
la luz que satisface los deseos humanos,
me invade y me envuelve con su gracia.
¡He aquí las rosas de la mañana eterna!
¡He aquí los lirios!
Entre los poderes divinos
distingo el rostro de María. ¡Ah!

ZÓSIMO
El martirio sufrido
con tantos años en el desierto
es la promesa más segura
de lograr la corona de los ángeles.
Brilla en tus ojos una sonrisa
que es la del divino mensaje.
Ave, Señor, que diriges la piedad
hacia nuestro corazón
como el rocío al prado al amanecer,
por quien las flores y plantas
no mueren en verano ni en invierno.
¡Ave, Virgen!
Tu visión es un dulce premio
que sobrepasa nuestras almas pecadoras,
la meta por la que ningún camino es duro.
Ave, María

MARIA
¡Cómo tiembla mi alma desnuda!
Ten piedad de mí, Virgen pía…
Perdóname… Me abandono
en tu poder. Así sea.

ANGELES, ZÓSIMO
¡Alabado seas, Señor!
Tuya es la gloria y el honor.
Tuyas las bendiciones
con las que salvas y perdonas.
Tuyas son las bellas almas
coronadas de estrellas.
¡Alabado seas, Señor!


“Maria Egiziaca” ha seguido el camino inverso al de muchas óperas: empezó como ópera de concierto y después pasó a los teatros. Respighi la comprometió en 1929 para la sala de conciertos Augusteo de Roma. La intención era que en el escenario de la sala se colocase un tríptico y que los cantantes fuesen saliendo de detrás de él. Además, cada uno de los tres cuadros en que está dividida la ópera se correspondería con uno de los paneles del tríptico, que dos ángeles irían abriendo y cerrando ceremoniosamente según correspondiera. Guastalla vio en esta idea una recuperación de las Representaciones Sacras medievales, en las que sacerdotes y alumnos de los seminarios representaban, con acompañamiento musical, las escenas evocadas para las grandes festividades, principalmente de la Pasión.

Como las primeras representaciones tuvieron lugar, efectivamente, en salas de concierto, se siguió la idea prevista y se utilizó como decorado un tríptico de Nicola Benois inspirado en la “Danza macabra” del camposanto de Pisa, pintura del Trecento en la que aparece Maria Egiziaca. Estas primeras representaciones tuvieron lugar en el Carnegie Hall de Nueva York (estreno absoluto, el 16 de marzo de 1932), con el propio compositor dirigiendo, y en la Sala Augusteo de Roma (abril del mismo año), con Gina Cigna en el papel titular y Bernardino Molinari a la batuta. En su estreno neoyorkino cosechó bastante éxito entre el público, no así entre la crítica que la acogió con opiniones divididas.

En agosto se representó por primera vez en un teatro de ópera. Sucedió en Venecia, y para la ocasión se adaptó el tríptico de Benois a las dimensiones, bastante mayores, del escenario de un teatro. Aquí fue Maria Canigia quien interpretó a la protagonista. De nuevo dirigía el propio Respighi. Posteriormente viajó por Turín, Barcelona, Florencia, Cagliari, Buenos Aires, Amsterdam (aquí, en concierto), Aix-le-Chapelle, París, etc. En el Liceo la estrenó la soprano catalana Lina Richarte, en 1957.


http://img802.imageshack.us/img802/8038/linaricharte.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/802/linaricharte.jpg/)
Lina Richarte, la primera Maria Egiziaca en España

Muy influido por las ideas y el estilo de D’Annunzio, Guastalla empleó para el libreto de “Maria Egiziaca” (y en realidad, para casi todos los libretos que le escribió a Respighi) un lenguaje arcaico que exasperaba al redactor de “Il Giornale d’Italia” que hizo la crítica tras su estreno en Roma: “¿Qué motivos hay para complicar la vida al intérprete, al lector, y aún más, al oyente, con unas palabras difíciles y muertas, con expresiones retorcidas y oscuras?”

De ese arcaísmo participa hasta cierto punto el propio Respighi pues, buscando la simplicidad del estilo medieval de las antes citadas Representaciones Sacras, incluye texturas de la clase conocida como organum, que fue la primera forma medieval de polifonía. Pero la obra no es sólo eso. Aunque Respighi incluye melodías escritas en el espíritu del Gregoriano, la música de “Maria Egiziaca” tiene múltiples estratos, y se pueden detectar influencias de compositores contemporáneos, sobre todo de Richard Strauss.

Existen dos grabaciones:
http://img585.imageshack.us/img585/3732/discobongiovanni.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/585/discobongiovanni.jpg/)
Bongiovani, con:

Javora Stoilova (soprano) como María

Nazzareno Antinori (tenor) como el marino.

Carlo Desideri (barítono) como el Peregrino.

Orquesta y coro del Conservatorio de Santa Cecilia.

Director: Ottavio Ziino.

Es una grabación de la representación en directo realizada en 1980 en el Festival Respighi de Assisi.

http://img705.imageshack.us/img705/9787/discohungaroton.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/705/discohungaroton.jpg/)
Hungaroton (1989), con:

Veronika Kincses (soprano) como María

Janos B. Nagy (tenor) como el marino y el leproso

Lajos Miller (barítono) como el Peregrino y el Abate Zósimo

Coro de la Radio y Televisión Húngaras y la Orquesta del Estado Húngaro

Director: Lamberto Gardelli.


Los fragmentos que hemos ido escuchando a medida que desarrollábamos el argumento proceden de la segunda.

Schigolch
March 1st, 2013, 11:33 AM
Personalmente, es la ópera de Respighi que más me atrae.

Bardamu
March 5th, 2013, 10:41 AM
No me gustan mucho las Opera de Respighi.
Lo que más me atrae es La bella dormiente nel bosco.

Nervous Gentleman
March 6th, 2013, 11:50 PM
Alfredo Catalani - La Wally (1990)

con subtitulos en castellano y italiano

Dedicado a la Schigolch :laugh4:


Wally - Mara Zampieri
Hagenbach - Michael Sylvester
Gellner - David Malis
Walter - Ildiko Raimondi
Stromminger - Norman Bailey
Afra - Liliana Nichiteanu
pedone - Kolos Kováts

Dirigent: Pinchas Steinberg

Wiener Symphoniker
Chor der Wiener Volksoper
Kammerchor Sofia
Bregenzer Festspielchor


http://www.youtube.com/watch?feature=player_detailpage&v=b9gi8b-H9c0

Loge
March 9th, 2013, 06:51 AM
LE PREZIOSE RIDICOLE,
de Felice Lattuada

http://imageshack.us/a/img193/4888/caratuladedisco.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/193/caratuladedisco.jpg/)

Se estrenó en La Scala el 9 de febrero de 1929, con libreto de Arturo Rossato (que había escrito los de otras óperas de Lattuada, como “La tempesta” o “Don Giovanni”), y está basado en la comedia homónima de Moliere. El cast del estreno fue ilustre: Ebe Stignani, Mafalda Favero y Jan Kiepura, dirigidos por Gabriele Santini. “Le preziose ridicole” tuvo numerosas representaciones, llegando al Met en 1931, así como a Buenos Aires, Praga, Berlín, Bruselas, Roma y al San Carlos de Nápoles. En 1991 se representó en el Teatro Rossini de Lugo de Romaña.

Junto a un lenguaje musical influido por el verismo y la “giovane scuola”, se hallan rastros de cierto “settecentismo” cercano a Wolf-Ferrari, e influencias asimismo de la concepción dramática del Falstaff de Verdi.

La acción transcurre en las afueras de París, en 1650. Las jóvenes “preciosas” Madelon y Cathos, hijas del rico burgués Gorgibus, rechazan las propuestas de matrimonio que les hacen los caballeros La Grange y Croissy, a los que consideran vulgares y poco refinados, y se burlan de ellos. Poco después se deja caer por la casa un tal Mascarille, poeta extravagante, y otro desconocido, un héroe militar llamado Jodelet. Ambos engatusan a las dos muchachas regalándoles flores y cantándoles madrigales. Las chicas improvisan una fiesta para presentar a sus elegantes novios y presumir a base de bien. Pero en mitad del baile aparecen unos hombres que, ante el pasmo de la concurrencia y la vergüenza de las jóvenes, muelen a palos a Mascarille y Jodelet, y los dejan en traje de sirvientes. Que es lo que son en realidad: unos criados enviados por La Grange y Croissy para dejar en ridículo a las dos “preciosas”.

La obra es cortita, apenas una hora, y podemos escucharla entera en youtube:



http://www.youtube.com/watch?v=2vgDO9p7QZ8

Loge
March 15th, 2013, 07:52 AM
PASQUALE AMATO

http://img818.imageshack.us/img818/9622/pasqualeamato.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/818/pasqualeamato.jpg/)

Nació en Nápoles en 1878, donde debutó (Teatro Bellini) en 1900 como Germont. En sus primeros años de carrera cosechó mucho éxito en Maria de Rohan de Donizetti, y Zazà de Leoncavallo. Su repertorio era fundamentalmente italiano (Rigoletto, Aida, La bohème) pero también realizó incursiones en la ópera francesa (Escamillo, Galaud en el estreno italiano del Pelléas) y alemana (Kurwenal, Amfortas)

En 1907 es invitado a cantar en La Scala, bajo la dirección de Toscanini, y allí, además de verle en La traviata y Falstaff, estrena “Gloria”, de Cilea (con bien poco éxito, por cierto) Al otro lado del Atlántico, canta en el Teatro Colón de Buenos Aires, pero finalmente se establecerá unos cuantos paralelos hacia el norte, en Nueva York. Durante una década aproximadamente, su segunda casa será el Met, cuyas tablas pisará junto a Caruso en numerosas ocasiones.

Pero en 1920, con sólo 42 años y dos décadas de carrera, se retira debido a un exceso de esfuerzo vocal, posiblemente por cantar con demasiada tensión muscular. Regresa en 1933 con el papel en el que había debutado, el de Germont, pero ya nada es como antes. Sus últimos años se reparten entre actuaciones en teatros de provincias, giras con compañías de todo tipo y condición, y la enseñanza de estudios vocales en la Universidad de Luisiana. Muere en Nueva York en 1942.

En lo que a nuestro hilo interesa, encarnó a los barítonos protagonistas de Tosca, La Wally, La Gioconda, Pagliacci, Germania, Francesca da Rimini… Y estrenó los roles de Jack Rance en La fanciulla del West (1910, junto con Caruso y Emmy Destinn; fue la primera vez que en el Met estrenó algo a nivel mundial) y de Napoleón en Madame Sans-Gêne (1915; aquí, acompañando a Geraldine Farrar, Giovanni Martinelli y Andres De Segurola)

Oigámosle en algunos pasajes:

En PAGLIACCI: “Si può? Si può?”



http://www.youtube.com/watch?v= vr9x6_Bcp94



En ZAZÀ: “Zazà, piccola zingara”



http://www.youtube.com/watch?v= SaD3SfuP3VY



En GERMANIA: “Germania, ascolta”



http://www.youtube.com/watch?v= HYwUloXG8PA

Schigolch
March 20th, 2013, 10:01 PM
Pasquale Amato era el barítono preferido de Toscanini, que lo prefería incluso a cantantes que se antojaban claramente superiores, como Stracciari o De Luca.

Nervous Gentleman
March 21st, 2013, 02:40 AM
Antonio Smareglia - Pittori Fiamminghi

Libreto en italiano de Luigi Illica:

http://www.mediafire.com/view/?htlafh2lt222cy0


Héctor (Ettore) Panizza - Bisanzio

Libreto en italiano de Gustavo Macchi:

http://www.mediafire.com/view/?zp7lar40tjhu2z7

Loge
March 22nd, 2013, 09:13 AM
LE VILLI

Puccini es el gran ausente de este hilo. Contemporáneo de muchos de los compositores que han pasado por aquí, influido por unos e influyente sobre otros, es sin duda el más importante de todos. Y es esa preponderancia la que explica su ausencia aquí pues, aunque sea tácitamente, hemos circunscrito el ámbito del hilo a autores y obras poco conocidos. No obstante, creo que podemos dedicar un día a “Le Villi” sin incumplir del todo esa premisa, pues aunque Puccini sea un autor muy famoso, su primera ópera no lo es en absoluto.


Cuenta la leyenda que la decisión de dedicarse al teatro musical la tomó después de asistir, en 1876, a una representación de “Aida” en Pisa. Esa decisión tomó cuerpo por primera vez con la ópera “Le Villi”, que, con veinticinco años y recién diplomado por el Conservatorio de Milán, presentó a la primera edición del concurso para óperas en un acto patrocinado por la editorial Sonzogno. La idea de presentarse a este concurso se la sugirió uno de sus maestros del Conservatorio, Amilcare Ponchielli, quien también le puso en contacto con el libretista, Ferdinando Fontana.


http://imageshack.us/a/img23/5038/fontanaepuccini.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/23/fontanaepuccini.jpg/)
Fontana y Puccini

Sobre esta ópera existe un artículo muy completo en italiano, del que traduzco algunas partes:
http://it.wikipedia.org/wiki/Le_Villi#N._9_-_Scena_drammatica_e_romanza_di_Roberto_.28II.2C_2. 29


1.-El concurso Sonzogno
El manuscrito fue presentado al concurso el último día del plazo, el 31 de diciembre de 1883, con el título de “Le Willis”. Es bien sabido que el jurado, compuesto por Ponchielli (que lo presidía), Galli, Faccio, Dominiceti y Platania, no otorgó a Puccini el primer premio, ni tan siquiera una de las cinco menciones. Como a posteriori, con un Puccini reverenciado como uno de los mayores genios de la ópera, esto resulta difícil de entender, se ha intentado explicarlo con tres hipótesis:

a) Que llegó fuera de plazo.
b) Que el jurado fue incapaz de descifrar la grafía de Puccini.
c) Que algunos de los miembros del Jurado (Ponchielli y Faccio, sobre todo) estaban muy vinculados a la editorial rival Ricordi y viendo el potencial del joven compositor, trataron de evitar que firmase con Sonzogno.

Todas me parecen incongruentes. La primera la desmiente la anotación, en la propia partitura, de la fecha de presentación; si fue el 31 de diciembre, fue dentro de plazo. La segunda también es rara, habida cuenta que algunas partes de la partitura habían sido escritas por un copista y que, en todo caso, Ponchielli, como profesor de Puccini que había sido, tenía que estar familiarizado con su grafía. Y la tercera mostraría a un Ponchielli incoherente con sus propios actos: si no quería que Puccini se relacionase con Sonzogno, ¿para qué le hizo participar?

El premio se lo llevaron exaequo las obras de otros dos jóvenes compositores: “La fata del Nord” de Zuelli y “Anna e Gualberto” de Mapelli, óperas y autores que hoy en día casi nadie sabe quiénes son. Da la casualidad que la obra de Mapelli también tenía como libretista a Fontana.


2.-Modificaciones y representaciones.
El pinchazo en el concurso no desanimó al libretista, que organizó una audición privada de la ópera a la que asistieron, entre otros, el periodista Marco Sala y los compositores Boito y Catalani. Con la ayuda financiera de unos cuantos suscriptores, relacionados con Casa Ricordi, Puccini pudo estrenar “Le Villi” en el Teatro Dal Verme el 31 de mayo de 1884 con gran éxito de público y crítica. Los intérpretes fueron Antonio D’Andrade (Roberto), Rosina Caponetti (Ana) y Erminio Peltz (Guglielmo), dirigiendo Arturo Panizza. Ricordi se movió rápido y compró los derechos. Para mortificar a la editorial rival, en el anuncio en que comunicaba dicha compra hizo constar: “Otra de las óperas presentadas al concurso del “Teatro Ilustrado” (la revista de Sonzogno) que no alcanzó ni premio ni mención”.


http://imageshack.us/a/img819/3781/fondotr.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/819/fondotr.jpg/)

La crítica aplaudió la obra. Cundía la sensación de haber asistido al advenimiento del compositor que lograría relanzar la ópera italiana, anquilosada tras la aplastante figura de Verdi. Pese a ello, Puccini revisó la obra entre junio y octubre de 1884. De un acto se pasó a dos, separados por un intermezzo que, a su vez tiene dos partes: “El abandono” y “El aquelarre”. Cada una de esas partes va precedida por unos versos explicativos que relatan los acontecimientos ocurridos entre el primer acto y el segundo. Curiosa técnica, que en ese punto convierte el libreto en algo parecido a una novela corta. Porque, aunque lo más frecuente es que haya un narrador que declame esos versos, lo que Puccini pretendía era que el público los leyera en el libreto.

Además de este cambio estructural, el compositor añadió partes solistas para los dos protagonistas, que extrañamente no tenían ninguna en la versión original. Así nació la romanza de Ana “Se come voi piccina” del primer acto, y el monólogo dramático de Roberto “Per te quaggiù sofferse ogni amarezza” del segundo. También se amplió la escena final. Con todos estos cambios, se reestrenó en el Teatro Regio de Turín el 26 de diciembre de 1884, con Enrico Filippi-Bresciani (Roberto), Elena Boronat (Ana) y Agostino Gnaccarini (Guglielmo) y Giovanni Bolzoni como director. Un mes después, Andrea Anton (Roberto), Romilda Pantaleoni (Ana), Delfino Menotti (Guglielmo) y Franco Faccio (Director) la llevaron a La Scala, con gran éxito. Durante esas representaciones scalígeras Puccini añadió para Roberto una romanza, “Torna ai felici di”. Y aún en 1888 retocó la partitura, eliminando el monólogo que había incluido en 1884.

“Se come voi piccina”, esa romanza que Puccini añadió en la primera revisión, ha sido interpretada por numerosas sopranos. Aquí tenemos a Ghena Dimitrova:


http://www.youtube.com/watch?v=5bEYdjIXQ1I

ANA
(con un mazzolino di Nontiscordardimé)
Se come voi piccina io fossi,
o vaghi fior, sempre, sempre
vicina potrei stare al mio amor.
Allor dirgli potrei:
"Io penso sempre a te!"
Ripeter gli vorrei:
"Non ti scordar di me!"
Voi, di me più felici,
Lo seguirete, o fior;
Per valli e per pendici
Seguirete il mio amor...
Ah, se il nome che avete
Menzognero non è,
Al mio amor ripetete:
"Non ti scordar di me!"
ANA
(Con un ramo de nomeolvides)
Si fuese pequeña como vosotras,
oh hermosas flores, siempre, siempre
podría estar cerca de mi amor.
Entonces me gustaría decirle:
"¡Siempre estoy pensando en ti!"
Podría repetirle:
"¡No te olvides de mí!"
Vosotras, más dichosas que yo,
lo seguiréis, oh flores;
por valles y laderas
seguiréis a mi amor..
Ah, si el nombre que tenéis
no es engañoso,
repetidle a mi amor:
"¡No te olvides de mí!"


Si la Dimitrova no os gusta, hay un amplio abanico de opciones. Tal vez vuestra preferida sea una de éstas:

Renata Scotto:
http://www.youtube.com/watch?v=swb106kdWn0

Leontyne Price
http://www.youtube.com/watch?v=1k4jeLRS_F4&feature=related

Montserrat Caballé
http://www.youtube.com/watch?v=H4zVAShyFGs&feature=related

Kiri Te Kanawa
http://www.youtube.com/watch?v=5SlhW1W_g3k&feature=related

Después de Milán, “Le Villi” se representó en Nápoles (donde cosechó un fracaso memorable), Hamburgo (dirigida por Mahler), Manchester y Nueva York (con Toscanini en el podio). Poco a poco se fue viendo arrinconada por el inmenso éxito de sus hermanas, las popularísimas óperas que empezó a producir Puccini una tras otra, y acabó siendo casi olvidada. Y así sigue: en las estadísticas de operabase.com aparecen 18 representaciones durante el periodo 2005-2010.


3.-Discografía
Aunque sea de las “olvidadas” de Puccini y tenga pocas grabaciones en comparación con casi todas las demás de este autor, “Le Villi” tiene muchísimas para los parámetros de este hilo. En esta página aparecen ordenadas por décadas. Se puede comprobar que desde los años 50 no ha habido década en que no se haya registrado, al menos, una vez:
http://www.esdf-opera.de/komponisten/puccini/le_villi/le_villi_1950-1959.htm

Destaca la de 1979/80, en estudio, con Plácido Domingo (Robert), Renata Scotto (Ana), Leo Nucci (Guglielmo) y Tito Gobbi (Narrador), con Lorin Maazel como Director, que fue nominada para los Premios Grammy.

Y en Spotify está el disco de 1972, con Veriano Luchetti, Mietta Sighele y Mario Zanasi, con Hans Georg Ratjen como director.
Le Villi (1972) (http://open.spotify.com/track/3UXjqbdb0T3iwT4ZsKyMU8)

Si antes hemos escuchado a la soprano, ahora es el turno del barítono. El padre de Anna está en escena casi durante todo el primer acto, pero su aria importante aparece en la única intervención que tiene en el segundo, que empieza con esta “Anima santa della figlia mia”.
Podemos escucharla a Silvano Verlinghieri:


http://www.youtube.com/watch?v= XHb35hjuWo0

GUGLIELMO
No, possibil non è che invendicata
Resti colpa sì grande!
Anima santa della figlia mia,
Se la leggenda delle Villi è vera,
Deh non esser con lui, qual fosti, pia...
Ma qui l'attendi al cader della sera...
S'io potessi saperti vendicata
Lieto saluterei l'ultimo dì...
Ah, perdona, o Signor, l'idea spietata
Che dal mio cor, che sanguina, fuggì...
Perdona, Signor...
GUILLERMO
¡No, no es posible
que quede sin vengar culpa tan grande!
Alma santa de mi hija,
si la leyenda de las Villis es cierta,
¡ay!, no seas, como entonces misericordiosa...
Espéralo aquí al caer la tarde.
Si pudiese saberte vengada
feliz saludaría a mi último día.
Ah, perdona, Señor, la idea inhumana
salida de mi corazón ensangrentado.
Perdona, Señor...


En una grabación antigua tenemos a Domenico Viglione
http://www.youtube.com/watch?v=fpdjm9RVkNQ

Y finalmente, Michele Kalmandi
http://www.youtube.com/watch?NR=1&v=iskwhATqACg&feature=endscreen




4.-El argumento
Entre los miembros de la Scapigliatura, a la que pertenecía Fontana, estaban de moda los temas fantásticos, mágicos y metafísicos, y por ello se le ocurrió escribir un libreto sobre la leyenda centroeuropea de las Villi, que son los los espectros de las mujeres que, habiendo sido engañadas por sus maridos, novios o amantes, vienen desde el más allá para vengarse de quienes las han traicionado. El antecedente literario es el cuento de Alphonse Karr “Les Willis”, que a su vez bebía del libreto de Théophile Gautier para “Giselle”, ballet con música de Adolphe Adam.

El libreto está traducido en Kareol: http://www.kareol.es/obras/levilli/acto1.htm


Acto I
Un pueblo indeterminado en la Selva Negra. Es primavera. Los campesinos celebran con una fiesta el compromiso entre Ana (soprano) y Roberto (tenor). Hija del guardabosques Guglielmo (barítono), Ana canta aquí su aria “Se come voi piccina” en la que, dirigiéndose al ramo de nomeolvides que trae, les dice a las flores que “Si fuese pequeña como vosotras siempre podría estar junto a mi amor”. Porque la fiesta tiene también un componente de despedida. Roberto está a punto de salir hacia Maguncia para asumir la herencia de una rica tía suya que acaba de fallecer. Ana está muy inquieta ante ese viaje. Teme que su novio la olvide y además, ha tenido un sueño en el que se ha visto a sí misma moribunda, sin que él haya regresado todavía. Roberto la tranquiliza con fervientes promesas de amor (“Duda de Dios, pero no dudes de mi amor”) y emprende el viaje.

Intermezzo
Un narrador cuenta en dos partes los hechos que suceden desde la marcha de Roberto hasta su regreso. La primera parte se titula “El abandono”: al llegar a Maguncia, Roberto es seducido por una sirena, que le atrae a una orgía obscena. Mientras tanto, Ana le espera en vano, presa de una pena indecible, y al llegar el invierno muere. La segunda parte lleva el título de “El aquelarre”. Aquí es donde se nos cuenta la leyenda de las Villis: si muere de amor una jovencita, su espíritu y el de sus compañeras vienen en aquellare a danzar y esperar al traidor, y cuando lo encuentran bailan con él hasta matarlo.


http://imageshack.us/a/img90/3255/levilli.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/90/levilli.jpg/)

Al mismo tiempo, en el escenario se ve primero el cortejo fúnebre de Ana, y después el aquelarre de las Villis, que ejecutan un ballet. Y en realidad, ya no paran de danzar hasta el final de la ópera, rodeando y sirviendo de telón de fondo al encuentro entre Ana, que se ha convertido en una de ellas, y Roberto. Por eso, esta obra se califica a veces como ópera-ballet.


Acto II
El mismo claro en el bosque del primer acto. Ahora es invierno.


http://imageshack.us/a/img832/415/levilliactii.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/832/levilliactii.jpg/)

Guglielmo llora la muerte de su hija y reclama la venganza de las Villis (“Anima santa della figlia mia”). En cuanto entra a la cabaña aparece Roberto, cantando su aria “Torna ai felici di”, que en mi opinión es lo mejor de la ópera. El joven vuelve con remordimientos por haber engañado a su prometida. Cuando ve que ella le está esperando, lanza un suspiro de alivio: está viva. Pero no. Ya es una de las Villis ("Ya no soy el amor, soy la venganza", dice) y, cumpliendo los designios de la leyenda, y no sin recordarle antes que le había dicho aquello tan bonito de “Duda de Dios, pero no dudes de mi amor”, le obliga a danzar sin descanso, haciendo oídos sordos a sus súplicas de piedad. Roberto cae muerto y las jóvenes espectrales desaparecen.


Al igual que el aria de Ana para las sopranos, la de Robert ha resultado un bocado muy sabroso para los tenores. Nos despedimos de esta ópera comparando algunas versiones:

Plácido Domingo:

http://www.youtube.com/watch?v= HkqHVk4PhSU

ROBERTO
Torna ai felici dì
Dolente il mio pensier...
Ridean del maggio i fior,
Fioria per me l'amor...
Or tutto si coprì
Di lugubre mister
Ed io non ho nel cuor
Che tristezza e terror!
ROBERTO
Mi pensamiento doliente
vuelve a los felices días...
Cuando reían las flores de mayo
y el amor florecía para mí...
Ahora todo se ha cubierto
de un lúgubre misterio
y mi corazón sólo alberga
tristeza y terror.


Yoshihisa Yamaji
http://www.youtube.com/watch?v=xR-BbPciOEg&feature=related

Roberto Alagna y José Cura:
http://www.youtube.com/watch?v=hQfutloQD2A&feature=related

Y sin salir de Youtube se pueden encontrar algunos otros, como Jaime Aragall, Thiago Arancam o Michael Fabiano.

Schigolch
March 27th, 2013, 02:55 PM
Le Villi es una interesante ópera. Tuve ocasión de presenciarla representada en Frankfurt hace algunos años, en la versión de dos actos. Personalmente la prefiero claramente a Edgar, e incluso a Il Tabarro.

Loge
March 28th, 2013, 07:33 AM
Me alegro. Así me queda "Edgar" para mí, que me gusta bastante más. :angel: "Le Villi" me parece extraña, con esa parte central contada. Hubiese preferido que de ahí hubiera sacado Puccini otro acto, y quizás entonces me parecería "más ópera".

Loge
March 29th, 2013, 07:17 AM
Giannina Arangi-Lombardi

Nació en Nápoles en 1891. Primero estudió piano; después canto con Beniamino Carelli, quien la orientó hacia la cuerda de mezzo. Debutó en 1920 (por tanto, con casi treinta años) como Lola en “Cavalleria Rusticana”. Durante los siguientes tres años cantó como mezzo-soprano en varios teatros italianos, hasta que descubrió que se encontraba más a gusto como soprano. Sus estudios para esta cuerda los realizó con Adelina Stehle (la primera Nanetta en el “Falstaff” de Verdi) para convertirse en soprano. Apareció entonces como Santuzza.


http://img29.imageshack.us/img29/9545/gianninaarangilombardi.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/29/gianninaarangilombardi.jpg/)

Como muchos cantantes italianos de la época, realizó una gira por América del Sur, obteniendo gran éxito en Río de Janeiro y en el Teatro Colón de Buenos Aires. En este último representó el papel de Asteria en el “Nerone” de Arrigo Boito, y el de Gioconda. En “Cavalleria Rusticana” alternó el papel de Santuzza y Lola con Claudia Muzio.

Pero fundamentalmente cantó en los teatros europeos (curiosamente, nunca en París ni en Londres), y sobre todo en La Scala, donde en 1926 dejó impresionado al público con sus creaciones de Aida y Gioconda. En 1929 obtuvo tan gran éxito como Aida bajo Toscanini, en la Scala, que el director la invitó a Berlín, donde cantó con Aureliano Pertile y Giacomo Lauri-Volpi. Sus últimas apariciones tuvieron lugar en Palermo en 1938 (“I Vespri Siciliani”).

Se retiró en plenas facultades para enseñar en el Conservatorio de Milán, teniendo a Maria Stader como discípula. Posteriormente, se estableció en Ankara, donde fue maestra de Leyla Gencer. Murió en 1951, en Milán.

Tiene grabaciones de Cavalleria (1930), Mefistofele (1931), La Gioconda (1931), por supuesto de Aida y también de Le nozze di Figaro. Además de duetos con Carlo Galeffi, Antonio Melandri y Francesco Merli.

Podemos escucharla en algunos de los papeles veristas que interpretó más asiduamente:

En Cavalleria rusticana: Voi lo sapete, o mamma


http://www.youtube.com/watch?v=vzLrpoUwpkw


En Mefistofele: La luna immobile


http://www.youtube.com/watch?v=0qu1kSaclzA


En La Gioconda: O cor, dono funesto (La música tarda 16 segundos en empezar)


http://www.youtube.com/watch?v=zjeKccM5Qho

Schigolch
March 29th, 2013, 10:57 AM
Extraordinaria soprano spinto (aunque empezó su carrera cantando papeles de mezzo, pronto se orientó hacia la vocalidad de soprano), capaz de insuflar clase y delicadeza al rol más verista que pueda imaginarse, sin duda.


http://www.youtube.com/watch?v=LJLZMgPYI20

Pero sus grandes papeles se encontraban más bien en Verdi, especialmente su fantástica Aida. Escuchemos este "O patria mia" donde respeta hasta el ppp de la subida al Do5.

Por cierto, estimado Loge, se le ha colado una pequeña errata en el texto. En "Cavalleria" Arangi-Lombardi y Muzio se alternaron los papeles de Santuzza y Lola.

Loge
March 29th, 2013, 02:30 PM
Corregido. Muchas gracias, amigo Schigolch. :tiphat:

Schigolch
April 3rd, 2013, 06:10 PM
Otra de las grandes divas del verismo fue Rosina Storchio.

http://farm6.staticflickr.com/5449/7005556568_dcce67ca10_z.jpg

Estrenó operas de compositores como Leoncavallo (La Bohème, Zazà), Mascagni (Lodoletta) y Giordano (Siberia), y fue una gran estrella, especialmente en Italia, Francia y España, desde su debut en 1892, hasta su retirada en 1923, a los 51 años de edad. Acabó, como tantas otras cantantes, siendo profesora y su alumna más destacada fue Gina Cigna.

Mimi Pinson, la biondinetta


http://www.youtube.com/watch?v=kOKSKRVs8Rw

Dal tuo amor rianimata


http://www.youtube.com/watch?v=u5pQoZOGDFA

Loge
April 5th, 2013, 09:35 AM
http://imageshack.us/a/img51/4486/portadalibrodosrivalesd.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/51/portadalibrodosrivalesd.jpg/)

“Dos rivales incomparables: Puccini y Franchetti”. Un libro que debe de ser muy interesante… para quien entienda alemán. Pero, ya que servidor no puede leerlo, me voy a permitir plantear aquí mi propio cara a cara (por desgracia, en condiciones bastante desiguales) entre Puccini y Franchetti presentando, tras una obra de aquél, una ópera de éste en la que también hay un espectro femenino que se dedica a asesinar amantes.

Se trata de “NOTTE DI LEGGENDA”, que, con libreto de Giovacchino Forzano, fue estrenada en La Scala el 14 de enero de 1915, siendo sus primeros intérpretes Giulio Cirino (El Conde Aldovrandi –bajo-), Cecilia Gagliardi (Vanna –soprano-), Giuseppe De Luca (Gualberto –barítono-) y Manfredi Polverosi (Gilfredo –tenor-); director: Gino Marinuzzi.

Habían transcurrido nueve años desde “La figlia de Iorio” y la gente deseaba mostrar su aprecio por el maestro. De ahí que, según las crónicas del día siguiente, el público escalígero aplaudiera generosamente esta “Notte di leggenda”:
aaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaa“Después de una hora y treinta y cinco minutos, y con el telón bajado, resonaron vivos aplausos por la sala, con un gran crescendo cuando, tras la primera llamada a los cantantes, apareció con ellos el maestro Franchetti, que fue obligado por las aclamaciones a presentarse cinco veces, la penúltima con el maestro Marinuzzi y la última solo, recibiendo una imponente ovación. El público de la Scala quiso, del modo más elocuente, demostrar al maestro Franchetti su agrado por verle de nuevo, tras una ausencia de nueve años.”aaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaa
Pero al crítico no le conmueven los aplausos y se pregunta si la audiencia se ha dado cuenta del poco valor de la ópera, y si “Notte di leggenda” justifica un silencio tan prolongado del compositor. Se lo pregunta y se lo responde él mismo: no. Con esta ópera Franchetti quería revitalizar el melodrama, pero los tiempos del melodrama habían pasado ya. A comienzos del siglo XX se imponían otras corrientes musicales, con nuevos principios estéticos y el esfuerzo de Franchetti quedó como algo anacrónico. Por eso, el crítico añade:

“La música de “Notte di leggenda” no tiene, en mi opinión, un carácter decidido. ¿Es sincera? El maestro es siempre poderoso, siempre fuerte, siempre seguro exponiendo sus ideas musicales, pero a veces sacrifica su crédito por empresas que no son dignas de él, resaltando así la contradicción entre medios y fines.”

Tras su estreno, “Notte di leggenda” no tuvo mucho recorrido ni en los escenarios ni en las discográficas. No existe de ella ninguna grabación completa, ni siquiera fragmentos. En la página http://www.freundefranchettis.com/ leemos que la partitura de “Notte di Leggenda” se ha perdido y sólo existe en la actualidad la reducción para piano.aaaaahttp://imageshack.us/a/img856/8668/caricaturadefranchetti.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/856/caricaturadefranchetti.jpg/)

Alberto Franchetti

Escuchemos, pues, en Youtube lo único que a día de hoy es posible conocer de esta obra: el principio y el final, en su reducción para piano.



http://www.youtube.com/watch?v=dOADCCeG5rU


ACTO UNICO

La acción se desarrolla en Mugello, en el castillo Aldrovandi, a comienzos del siglo XVII. Al alzarse el telón son las ocho de una tarde de diciembre. A través de los ventanales de la sala se ve confusamente el exterior con los abetos cargados de nieve. La sala está casi a oscuras: sólo llega desde el camino de acceso al castillo una luz rosada, que permite ver a Neri, un viejo guerrero, haciendo conjuros ante la chimenea con dos pequeños saquetes de azufre y de ruda. Cada vez que arroja al fuego un puñado de azufre o de ruda sale una llamarada.

Neri cuenta a los pajes del castillo que el Conde Aldovrandi descubrió una noche a su esposa con un amante y lo mató. Según la leyenda, el día que caen las primeras nieves viene el fantasma de la asesinada a cobrarse una vida, sofocando el amor de otra Aldrovrandi. Las primeras nieves han caído hoy, dice Neri, y el fantasma ha vuelto. Vanna, la joven hija del Conde, conoce la leyenda y está aterrorizada, pues sabe que el espectro ya ha destruido en dos ocasiones anteriores los amores de dos Aldovrandi. Vanna confiesa que está enamorada a su padre, pero éste no consigue ni tranquilizarla ni arrancarle el nombre del amante.


http://img850.imageshack.us/img850/8940/espectrofemenino.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/850/espectrofemenino.jpg/)

Afuera, los campesinos cantan festejando las primeras nieves. El Conde, para alejar de su casa el terror de la atroz leyenda, ordena dar una fiesta. Disfrazado de juglar, llega el príncipe Gualberto Vismundi, junto con unos músicos. Gualberto ama a Vanna y ésta le correspondió en tiempos, pero ahora le rechaza. El Conde piensa que, si consigue truncar la relación de Vanna matando al amante, la salvará a ella de la muerte. Por ello, se confía al que cree juglar y le dice que Vanna está enamorada de alguien, y le incita a descubrir quién es. A Neri le encarga que, cuando se sepa el nombre, lo mate.

Una vez sola, Vanna hace entrar por una puerta secreta a su enamorado, Gilfedo dei Vaschi. Deciden fugarse juntos esa misma noche. De pronto, aparecen el Conde, el juglar y Neri. Gilfredo huye, pero Gualberto, siguiendo la pista de una rosa deshojada, descubre el acceso secreto. Además, un guante con un blasón bordado le revela la identidad del amante, en cuya persecución se lanza Neri.

Como Vanna sigue rechazando a Gualberto, éste le dice que ha informado al Conde del nombre del amante, y le amenaza con enseñarle las fogosas cartas que ella le había escrito en tiempos. Vanna finge plegarse a sus deseos para robarle las cartas, pero cuando fracasa en el intento saca una pistola de una de las panoplias de las paredes y le dispara. A continuación corre hacia una ventana para avisar a Gilfredo de que ha sido descubierto. Pero cuando mira al exterior comprende que es demasiado tarde: Gilfredo está tendido en el suelo, recién asesinado por Neri. Gualberto también acaba muriendo por el balazo y Vanna enloquece.

Schigolch
April 8th, 2013, 10:56 AM
He leído el libro, estimado Loge, que apenas costaba 5 Euros en la edición Kindle de Amazon. La verdad es que no resulta muy interesante, es básicamente la vida de Franchetti, combinada con apuntes sobre la de Puccini, y muy poca música.

El fragmento de "Notte di Legenda" en la reducción para piano sí que parece más interesante. No me importaría escuchar la ópera, tal vez decidan orquestarla si no se encuentra la partitura original.

Loge
April 9th, 2013, 08:35 AM
En Alemania parecen más interesados que en la propia Italia en recuperar las obras de Franchetti. La página web que menciono, freundefranchettis.com, es alemana. Parece un grupo de entusiastas del barón, pero no sé si tendrán tantas posibilidades como para promover la orquestación de "Notte di legenda". Ojalá sí.

Gracias por trasladar sus impresiones sobre el libro.

Loge
April 12th, 2013, 07:22 AM
PINOTTA
de
Pietro Mascagni

No cabe decir que “Pinotta” representase un avance en la carrera de Mascagni, ni en lo referente al estilo, ni en cuanto a éxito profesional. Más bien semeja una de esas operaciones comerciales de los grupos de rock o pop que llevan lustros separados y un buen día se juntan para sacar un disco de grandes éxitos por Navidades. O de los escritores que, cuando alcanzan la fama, desempolvan sus archivos y ponen a la venta hasta los ejercicios de caligrafía que hacían en párvulos. Porque “Pinotta”, aunque se estrenó el 23 de marzo de 1932, y por tanto habría que considerarla como la penúltima ópera del maestro, no es sino la reelaboración de un material escrito mucho antes de la primera: la cantata “In Filanda” (no “In Finlandia”), estrenada el 9 de febrero de 1881 en el Instituto Cherubini, con la cual Mascagni ganó un concurso musical en Milán, y la canción “La tua Stella” del año siguiente. De “In Filanda” existe una grabación de 2003, con Rosella Redoglia, Massimiliano Fichera y Antonio de Palma; I Solisti di Napoli, dirigidos por Susanna Pescetti.


http://img407.imageshack.us/img407/1730/discodeinfilanda.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/407/discodeinfilanda.jpg/)


En 1883, Giovanni Targioni-Tozzetti (amigo de Mascagni y libretista habitual suyo, pues le escribiría “Cavalleria rusticana”, “I Rantzau”, “Silvano”, “Zanetto” y “Nerone”) hizo con esos mimbres un LIBRETO (http://musicologia.unipv.it/collezionidigitali/ghisi/pdf/ghisi186.pdf) de sólo siete páginas, al que Mascagni proporcionó 50 minutos de música. Por tanto, en 1883 Mascagni ya tenía terminada “Pinotta”, y la presentó a un concurso en el Conservatorio, pero lo hizo fuera de plazo y no fue aceptada. El compositor se la guardó y, como decía al principio, la sacó del cajón en 1932, año en que Mafalda Favero (Pinotta), Alessandro Ziliani (Baldo) y Ernesto Badini (Andrea) la estrenaron en el Casino de San Remo. Dirigía la orquesta el propio autor, como venía haciendo siempre que se estrenaba una ópera suya desde “Gugliemo Ratcliff” (1895).


http://img9.imageshack.us/img9/3915/badinifaveromascagniyzi.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/9/badinifaveromascagniyzi.jpg/)
Badini, Favero, Mascagni y Ziliani, en San Remo


Tras su estreno, “Pinotta” ha sido muy cara de ver sobre un escenario: aunque su primera representación fue exitosa, y hubo un puñado de funciones entre 1932 y 1933 (Florencia, Nápoles, Roma y Turín), después llegó un silencio de más de cuarenta años hasta su revival en Génova (1977), tras el cual volvió a caer en el olvido durante dos décadas largas. En agosto de 2002 se representaba en Collesalveti, pequeña localidad a 15 km. de Livorno (ciudad natal de Mascagni), en la que se ha realizado durante algunos años un pequeño homenaje al maestro con la representación de algunas óperas infrecuentes suyas: “Pinotta” (2002) “Silvano” (2003), “Amica” (2005). Esa “Pinotta” de 2002 contó con Serena Farnocchia (Pinotta), Leonardo Melani (Baldo) y Alessandro Luongo (Andrea) Orquesta Clara Schumann, Coro Lírico Toscano. Director: Mario Menicagli.


http://img543.imageshack.us/img543/2706/pinottaencollesalvettil.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/543/pinottaencollesalvettil.jpg/)
Un momento de la representación en Collesalvetti


En el periodo 2005-2010 las estadísticas de Operabase arrojan CERO representaciones. Posterior a 2010 debe de ser la representación realizada en Venaria Reale (cerca de Turín), a la que corresponde el dúo final que existe en Youtube, pero en la información del vídeo no se precisa la fecha.
http://www.youtube.com/watch?v=gBWwzjliIvI

Existen tres grabaciones:
1962. Marcella Pobbe (Pinotta), Piermiranda Ferraro (Baldo), Rinaldo Rola (Andrea). Orquesta de San Remo. Director: Tulio Serafin
1974. Maria Luisa Cioni (Pinotta), Giuseppe Vertechi (Baldo), Lino Puglisi (Andrea). Orquesta de la RAI de Milán. Director: Gennaro D’Angelo. Unique Opera Records Co.
1995. Gloria Guida Borelli (Pinotta), Antonio De Palma (Baldo), Thomas Mürk (Andrea). Orquesta del Festival de Bruselas. Director: Dirk de Caluwé. Bongiovanni.


http://img208.imageshack.us/img208/3845/discodepinottaversindeg.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/208/discodepinottaversindeg.jpg/)

Además, Denia Mazzola-Gavazzeni grabó en 1999 “Il rispetto” (fragmento del final del Acto I), con la Orquesta Filarmónica de Montpellier Languedoc-Roussillon dirigida por Enrique Diemecke.


En el argumento (¿argumento?) apenas hay acción y nada de conflictos. Lo que sí hay, como siempre cabe esperar en Mascagni, es una música muy bella, especialmente en el segundo acto.

Acto I
Interior de una hilandería, a primera hora. Antes de ponerse a trabajar, Andrea, el dueño del negocio, conmina a los trabajadores y trabajadoras a rezar para que la labor se haga más agradable.

"La Preghiera" (http://www.divshare.com/download/20350832-be8)

ANDREA
Signor cui sempre loda
l’angelica armonia
gode l’anima mia
di sollevarsi a Te.

CORO
¡Ah, gode l’anima mia
di sollevarsi a Te!

ANDREA
A Te che miri il pianto
e lo converti in riso,
che sei del Paradiso
e della Terra il Re!

CORO
¡Che sei del Paradiso
e della Terra il Re!

ANDREA
Signor, Signor…

CORO
Che sei del Paradiso
e della Terra il Re…

PINOTTA
Santa Maria, dall’intimo del core
mi esce un accento
che tu comprendi:
Madre Santa, Tu guidami.

CORO
Sopra i tuoi figli volgasi
dolce il tuo sguardo, o Padre
e all’opre nostre vigili
l’immenso tua bontà!
ANDREA
Señor, a quien siempre alaba
la angélica armonía,
mi alma goza
al elevarse ante Ti.

CORO
¡Ah, mi alma goza
al elevarse ante Ti!

ANDREA
Ante Ti, que miras el llanto
y lo conviertes en risa,
que eres del Paraíso
y de la Tierra el Rey!

CORO
¡Que eres del Paraíso
y de la Tierra el Rey!

ANDREA
Señor, Señor…

CORO
Que eres del Paraíso
y de la Tierra el Rey…

PINOTTA
Santa Maria, de lo más íntimo del corazón
me surge una expresión
que tú comprendes:
Madre Santa, guíame Tú.

CORO
¡Extiende sobre tus hijos
tu dulce mirada, oh Padre,
y que guarde nuestras obras
tu inmensa bondad!


Baldo, un operario, quiere contarle a Andrea que se ha enamorado de una de las hilanderas, Pinotta. No sabe cómo empezar, pero no tiene ni que decirlo, pues Andrea ya se ha dado cuenta y le contesta que sería muy feliz si la chica le correspondiera. Pinotta, mientras tanto, canta “Il rispetto”, donde en pocas palabras cuenta su historia: su madre murió, su padre la abandonó y ahora ella vive con la esperanza de que Baldo le ame para remediar su soledad.

"Il rispetto" (http://www.divshare.com/download/20351038-fb9)

PINOTTA
La mamma mia che, poveretta, è in cielo,
solea dirme sovente in su la sera:
Pinotta mia, prima che venga il gelo,
il male che mi strugge m’avra spenta.
Il babbo a ritrovar mamma è volata
e sola in questo mondo io son restata.
Il babbo a ritrovar mamma è volata
e sola in questo mondo io son restata.

Ma Baldo mi guardò chinai la testa
e in cor mi secese un sovrumano incanto.
Corsi dal confessore lesta, lesta
mi disse: Prega.
Ed ho pregato tanto…
Se Baldo m’ama e il cuore mio consola,
in questo mondo non sarò più sola!
Se Baldo m’ama e il cuore mio consola,
in questo mondo non sarò più sola!
PINOTTA
Mi madre que, pobrecilla, está en el cielo,
me decía a menudo al caer la noche:
Pinotta mía, antes que lleguen las nieves,
el mal que me consume me habrá apagado.
Mi padre se fue tras otra mujer
y quedé sola en el mundo.
Mi padre se fue tras otra mujer
y quedé sola en el mundo.

Pero Baldo me miró y bajé la cabeza,
y el corazón destiló un hechizo sobrehumano.
Corrí veloz al confesor.
El me dijo: Reza..
Y he rezado tanto…
Si Baldo me ama y consuela mi corazón,
¡no volveré a estar sola en el mundo!
Si Baldo me ama y consuela mi corazón,
¡no volveré a estar sola en el mundo!

Viendo a Pinotta tan melancólica, Andrea intenta animarla: es mayo, mes del amor y de las flores. Con un breve coro de las hilanderas, que cantan al hilo del amor que une los corazones, termina el acto.


Acto II
La plaza del pueblo. Es la hora del crepúsculo. Las muchachas corretean alegres, pero Pinotta sigue triste. En una nueva preghiera, pide a la estrella de la noche que haga nacer el amor en el corazón de Baldo.

O stella della sera (http://www.divshare.com/download/20351194-219)

PINOTTA
O stella della sera,
limpida e senza vel,
accogli la preghiera
che innalzo fino a te.
Tu che immutabil scorri
tutte le vie del ciel,
quest’anima soccorri
che in braccio a te si diè.
Suscita a lui nel petto
un palpito d’amor
gli svela il casto affetto
col tremulo splendor.
Oh, l’ansie ed i tormenti
tutti dovran svanir,
se i nostri cuori ardenti
un di potremo unir.
O stella della sera,
accogli la preghiera
che innalzo fino a te!
PINOTTA
Oh, estrella de la noche,
Límpida y sin velo,
Acoge la oración
que elevo hacia ti.
Tú, que inmutable recorrer
todos los caminos del cielo,
socorre a esta alma
que en tus brazos se arrojó.
Suscita en su pecho
un pálpito deamor,
revélale mi casto afecto
con tu trémulo brillar.
¡Oh, el ansia y los tormentos,
habrán de desaparecer
si nuestros ardientes corazones
pudiéramos unir un día!
¡Oh, estrella de la noche,
accge la oración
que elevo hacia ti!

Arrodillada y rezando la encuentra Baldo. Y se produce la mutua declaración de amor que nos conduce al hermoso final de la obra:

Duo final (http://www.divshare.com/download/20351446-4ef)

BALDO
Dimmi, o gentil, se è l’astro luminoso,
che sfolgora sul tuo volto grazioso,
o se é il chiaror della tua pura fronte,
che all’astro sal, di viva luce fonte.

(Gradatamente scende la notte)

PINOTTA
Queste parole nel mio cor, soave,
incantevole, arcano, un sentimento
ignoto a me fan sorgere. Mi sento,
o Madre del Signor, tutta tremare.
La notte é buia.

BALDO
(Amoroso)
Pinotta bella!

PINOTTA
Ho paura.

BALDO
C’illumina la stella.

PINOTTA
Un grande affetto hai tu per me?

BALDO
Io t’amo.

PINOTTA
Nè sola al mondo più sarò
se meco starai.

BALDO
Io t’amo!

PINOTTA
Io t’amo tanto.

BALDO
Io t’amo tanto…

PINOTTA
La notte é buia…

BALDO
C’illumina la stella…

BALDO E PINOTTA
(Si prendono per le mani e si guardano)
Andrem beati, tranquilli, uniti,
per sempre verdi colli fioriti…
Vivremo in estasi la nostra vita,
godremo amandoci gioia infinita.

BALDO
Saranno eterni gli affetti nostri.

PINOTTA
Sarà più ardente la nostra fe.

BALDO E PINOTTA
Vivrem felici sciogliendo gl’inni
del nostro amore, o stella a te!
T’amo! T’amo!
BALDO
Dime, hermosa, si es el astro luminoso,
el que brilla sobre tu rostro agraciado,
o es el calor de tu frente pura
el que al astro da una viva fuente de luz.

(Gradualmente cae la noche)

PINOTTA
Estas palabras suaves,
encantadoras, hacen surgir en mi corazón
un sentimiento desconocido para mí.
Me siento, oh Madre del Señor, toda temblorosa.
La noche es oscura.

BALDO
(Amoroso)
¡Pinotta bella!

PINOTTA
Tengo miedo.

BALDO
Nos illumina la estrella.

PINOTTA
¿Sientes un gran afecto por mí?

BALDO
¡Te amo!

PINOTTA
Nunca más estaré sola en el mondo
si tú estás conmigo.

BALDO
¡Te amo!

PINOTTA
Te amo tanto...

BALDO
Te amo tanto…

PINOTTA
La noche es oscura…

BALDO
Nos ilumina la estrella…

BALDO E PINOTTA
(Se cogen de lamano y se miran)
Iremos felices, tranquilos, unidos,
por colinas siempre verdes y floridas...
Viviremos en éxtasis nuestra vida,
gozaremos amándonos de alegría infinita.

BALDO
Nuestro amor será eterno.

PINOTTA
Nuestra fe será más ardiente.

BALDO E PINOTTA
¡Oh, estrella, viviremos felices elevando a ti
los himnos de nuestro amor!
¡Te amo!¡ Te amo!

Schigolch
April 13th, 2013, 09:51 PM
La primera Pinotta, la estupenda soprano italiana Mafalda Favero, nos canta "O tu ch'el sai" de L`ombra, ópera compuesta en 1899 por Ugo Bottacchiari:


http://www.youtube.com/watch?v=nYGiwElDqjM

Bardamu
April 15th, 2013, 06:46 PM
La reciente compra de Mirra de Alaleona me llevó a leer algunas de las post anteriores de este thread.

Vi en youtube que ha estado presente desde hace varios meses una versión completa de Aurora de Hector Panizza.
http://www.youtube.com/watch?v=zxk43lwO9_k

En cuanto a Adriano Lualdi poco o nada que escuchar, tal vez por el velo del secreto debido a sus vínculos con el fascismo.

Afortunadamente, la institución central para la preservación del patrimonio sonoro y audiovisual italiano ha digitalizado algunas de sus obras que habían sido grabadas en discos de 78 rpm.
Podemos escuchar algunos avances:

Le furie di Arlecchino
http://opac2.icbsa.it/vufind/Record/IT-DDS0000040369000000

La granceola
http://opac2.icbsa.it/vufind/Record/IT-DDS0000055531000000
http://opac2.icbsa.it/vufind/Record/IT-DDS0000055537000100

Bardamu
April 15th, 2013, 06:56 PM
En el periodo 2005-2010 las estadísticas de Operabase arrojan CERO representaciones. Posterior a 2010 debe de ser la representación realizada en Venaria Reale (cerca de Turín), a la que corresponde el dúo final que existe en Youtube, pero en la información del vídeo no se precisa la fecha.
Pinotta estuvo representada en Lecce en 2008.

Schigolch
April 16th, 2013, 01:58 PM
Gracias por esos fragmentos de Lualdi, estimado Bardamu.

Espero que le haya gustado Mirra, una ópera que me agrada especialmente.

Bardamu
April 18th, 2013, 10:23 AM
Junto con Mirra también tuve otra rareza:
Jacquerie de Gino Marinuzzi

1918

Marinuzzi era un director muy conocido, muy apreciado por R. Strauss por ejemplo.
Entre otras cosas, por la que se recuerda que hay estrenos actuación de Rondine de Puccini, Il campiello y La vedova scaltra de Wolf-Ferrari,Dafni de Mulè, Il principe Zilah de Alfano, Lucrezia de Respighi y Fedra de Pizzetti.
Pero el músico de Palermo no se limitó sólo a directas las opera de los demás, de hecho, también ha compuesto tres opera:
Barberina (1903)
Jacquerie (1918)
Palla de' Mozzi (1932)


Jacqueri es el único de la obra antes mencionada, que ha tenido un renacimiento moderno en Catania en 1994 y disponible en el mercado CD es sólo el registro de esa actuación.

Para mí Jacquerie me recuerda Amica de Mascagni.


http://www.youtube.com/watch?v=Wl8WK8zebuk

Loge
April 19th, 2013, 09:53 AM
TOTI DAL MONTE (1893-1975)

http://img15.imageshack.us/img15/7615/totic.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/15/totic.jpg/)

Llamada “La Toti” por muchos de sus admiradores, Toti Dal Monte era el nombre artístico de Antonietta Meneghelli. Poseía una voz de coloratura cuyo delicado tono le valió ser comparada a menudo con un ruiseñor. Por ello, apareció generalmente en roles de mujer vulnerable o de heroína inestable, como Amina, Lucía o Gilda, aunque añadió algunos del verismo, como La Wally y el que, sin duda, fue su personaje más conseguido: Cio-Cio-San. Tras estudiar con la contralto Barbara Marchisio y con el barítono Antonio Pini-Corsi, debutó en La Scala, a los diecisiete años, con un estandarte el personaje de Biancofiore en "Francesca da Rimini". Giordano escribió para ella su ópera "Il Re". Triunfó en Milán, París, Londres, Chicago, Nueva York (1924, Lucía), Australia, donde fue invitada a un tour por Nellie Melba en 1924, con tanto éxito que lo repitieron dos veces, y el Teatro Colón de Buenos Aires (1923 y 1927 como Gilda)

Para muchos, su mayor legado a la ópera se produjo en 1939, con una grabación de "Madama Butterfly" en la que Beniamino Gigli cantaba el rol de Pinkerton. La Butterfly de Dal Monte es considerada por muchos críticos la mejor, y el propio disco, uno de los mejores que se han grabado de esa obra. Ese mismo año, Dal Monte apareció en su primera película, "Carnaval de Venecia", a la que siguieron otras en las décadas siguientes, como "Assi della risate" (1943) y "Cuore di Mamma" (1954). Su último film fue "Anónimo veneciano" (1970)

Como es costumbre entre los cantantes, tras su retirada de los escenarios de ópera se dedicó a la enseñanza, y tuvo como alumnas a Gianna d'Angelo y a Halina Lukomska. Murió en Treviso, el 26 de enero de 1975.

"Flammen, perdonami", de Lodoletta



http://www.youtube.com/watch?v=4shO7-IyLsk


Aquí la tenemos, en la histórica grabación de Madama Butterfly, junto con Gigli: "Viene la sera"



http://www.youtube.com/watch?v=gcH7LMstaXk


Y aquí, cantando en español una canción popular argentina: "Vidalita"



http://www.youtube.com/watch?v=3RvO5D1_QEg

Schigolch
April 19th, 2013, 10:25 AM
Una de las soprano "jilguero" (como Galli-Curci o Tetrazzini, ambas algo mayores que Dal Monte, o Lily Pons, algo más joven) que triunfaban a principios del siglo XX. Ese timbre tan peculiar quizás ha envejecido mal, y quizás más en Dal Monte, que en las otras sopranos mencionadas. El color de su voz, tan ligero, casi infantil, y sus estupendos agudos, atraían a buena parte de la audiencia, y compensaban su canto un tanto plano.

Loge
April 26th, 2013, 07:34 AM
RE LEAR,
de Antonio Cagnoni (1/2)

Uno de los mayores quebraderos de cabeza que tuvo Verdi fue la composición de una ópera sobre la tragedia shakespeariana del Rey Lear. Llegó a disponer de un libreto empezado por Salvatore Cammarano y terminado, por deceso del anterior, por Antonio Somma. Pero, aunque estuvo toda la década de los cincuenta dándole vueltas al proyecto, no logró culminarlo. Mascagni cuenta que en 1896 se encontró con el genio de Roncole. Este, creyendo que su joven colega estaba pensando en componer una ópera sobre el Rey Lear, le ofreció el material que había reunido para ahorrarle una pesada tarea de documentación a Mascagni. Naturalmente, éste preguntó: “Maestro, ¿y por qué no la ha musicado usted?” Suave y lentamente, Verdi replicó: “La escena en la que el rey Lear se encuentra en el bosque me aterraba”. Mascagni concluye su recuerdo del asunto con estas palabras: “En toda mi vida no he vuelto a hablar del Rey Lear”.

Y sin embargo, Antonio Cagnoni, a día de hoy compositor desconocido como el que más, clavó su bandera allí donde ni Verdi ni Mascagni osaron hacer pie.

Claro que cuando Cagnoni empezó a componer su obra (en 1893; por tanto, tres años antes de la oferta de Verdi a Mascagni) no era en absoluto desconocido. Tenía ya a sus espaldas casi medio siglo como compositor y diecinueve óperas, algunas de ellas, sobre todo las cómicas como “Don Bucefalo” o “Papà Martin”, bastante exitosas. Incluso fue uno de los compositores elegidos para aportar su granito de arena a la Messa per Rossini, impulsada por el propio Verdi; en concreto, Cagnoni compuso el “Quid sum miser”, un dueto para soprano y alto. También tiene en su haber una “Francesca da Rimini”, justamente la ópera anterior a “Re Lear”. Fue Director del Instituto Musical de Novara y, a la muerte de Ponchielli, maestro de capilla en Santa Maria Maggiore de Bérgamo, ciudad en la que falleció el 30 de abril de 1896.


http://img94.imageshack.us/img94/3732/fachadadestamariamaggio.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/94/fachadadestamariamaggio.jpg/)
Fachada de la preciosa Basílica de Santa Maria Maggiore de Bérgamo

La obra consta de siete escenas, distribuidas en cuatro actos. Veamos hoy el argumento de los dos primeros.



ACTO I

El Rey Lear, hombre anciano que ve acercarse la muerte, decide repartir su reino entre sus tres hijas Guneril, Regan y Cordelia. Para determinar a quién entrega la mejor parte, el Rey organiza un concurso entre ellas a ver cuál le lisonjea más a fondo. Guneril empieza fuerte:

Guneril (http://www.divshare.com/download/20707068-e77)

GUNERIL
A voi ch’io parli prima!
Più della luce v’amo, o Signore,
che il cielo effonde da’ suoi pianetti
più d’ogni cosa che il mondo allieti,
più d’gni bene che un Re può offrir...
Io v’amo, o padre, di quell’amore
che umano accento non può ridir!

CORO
Se quegli accenti smentisse il core,
gli angeli istessi potrian mentir.

LEAR
(Da sé, commoso)
Oh, a lei potessi per tanto amore
dell’universo l’impero offrir!
GUNERIL
¡Yo hablaré la primera!
Os amo más que a la luz, oh Señor,
más que el cielo a sus planetas,
más que a nada que alegre el mundo,
más que a ningún tesoro que un Rey pueda ofrecer...
¡Os amo, oh padre, con un amor
que ningún acento humano podría expresar!

CORO
Si no siente lo que dice,
hasta los mismos ángeles podrían mentir.

LEAR
(Para sí, conmovido)
¡Oh, ojalá pudiese, en premio a tanto amor,
ofrecerle el reino del universo!

No está mal, no está mal. El rey otorga tierras a Guneril sobre las que reinará, y que aportará como dote para su matrimonio con el Duque de Albany. A continuación, cede la palabra a Regan, que también se luce:

Regan (http://www.divshare.com/download/20707100-8f7)

REGAN
Quanto ai mortali può dar fortuna
onor, ricchezze, gloria, splendori,
quanti ha la terra sorrisi e fiori,
gioie e lusinghe non han per me.
Tutto, o mio padre, per me si aduna
nel grande amore che porto a te.

CORO
¡Sublimi accenti d’amor son questi;
d’una tal prole t’allegra, o Re!

LEAR
(Da sé, come sopra)
Del grande amore che al padre attesti
qual premio degno può darti il Re?
REGAN
Cuanto a los mortales pueda dar fortuna,
honor, riquezas, gloria, esplendor,
las sonrisas de la tierra y de las flores,
nada me alegra ni me deleita.
Todo, oh padre, se une
en el gran amor que te ofrezco.

CORO
¡Sublimes palabras de amor son éstas,
alégrate de semejantes hijas, oh Rey!

LEAR
(Para sí, como antes)
Por un amor tan grande como el que muestras,
¿qué premio digno puede darte el Rey?

Complacido, el Rey otorga otra buena porción de posesiones a Regan, que se casará con el Duque de Cornwall. Es el turno de Cordelia, la menor y más querida por el Rey, que espera de ella una declaración de amor todavía más exaltada, y a la que ha reservado el mejor tercio en el reparto. Pero, a diferencia de sus hermanas, Cordelia, pretendida por el Duque de Borgoña, no es una hipócrita ni busca ganancias materiales y se limita a decir que ama al Rey como cualquier hija ama a su padre.

Cordelia (http://www.divshare.com/download/20707111-965)

CORDELIA
Mio Re, mio padre, ebbi da voi la vita.
Guida e conforto il vostro amor mi fu...
E v’amo anch'io, perché da voi largita
ogni dolcezza ch’io provai quaggiù;
pure, a voi solo, o padre, io non potrei
tutti gli affetti del mio core offrir,
se affermarvelo osassi, io mentirei,
né giammai fu il mio labbro uso a mentir.

LEAR
(Con sdegno crescente)
Giovine tanto e muta
agli affetti così?

CORDELIA
Giovine tanto,
dir dovresti, e sincera...

LEAR
(Con impeto scendendo dal trono)
Oh! Per gli dei!
A te dunque sia dote
l’orgoglio tuo. Mia figlia
non più!

CORDELIA
Padre...

LEAR
(Respingendola)
Straniera a me tu sei...
Lunge, lunge da me!

EDGAR
(Avanzandosi)
Nobil sensi
ella esprimea...

LEAR
(Come sopra)
Tu il credi?

EDGAR
(Con forza)
Io lo proclamo!

GLOSTER
(A Edgar)
Frenati!

LEAR
(Mettendo mano a la spada)
Sleale vassallo!

DUCHI E GLOSTER
(Interponendosi)
Sire... vi placate!

CORDELIA
(Gettandosi ai piedi di Lear)
Padre!

LEAR
(Al colmo dell’ira)
Lunge! Lunge da me!

TUTTI
Strano furore!
CORDELIA
Mi Rey, padre mío, vos me disteis la vida.
Guía y consuelo fue vuestro amor...
Y os amo yo también, pues de vos recibí
toda la alegría que he conocido.
Pero, oh padre, no podría ofreceros sólo a vos
todo el amor de mi corazón.
Si afirmase tal cosa mentiría,
y nunca mis labios han dicho una mentira.

LEAR
(Con desdén creciente)
¿Tan joven y tan muda
para los afectos?

CORDELIA
Tan joven y tan sincera,
deberíais decir...

LEAR
(Bajando impetuosamente del trono)
¡Oh! Por los dioses!
Pues que el orgullo
sea tu dote. ¡Ya no eres
hija mía!

CORDELIA
Padre...

LEAR
(Apartándola)
Eres una extraña para mí...
¡Vete, déjame!

EDGAR
(Adelantándose)
Ella ha expresado
nobles sentimientos...

LEAR
(Como antes)
¿Eso opinas?

EDGAR
(Con fuerza)
¡Lo proclamo!

GLOUCESTER
(A Edgar)
¡Detente!

LEAR
(Echando mano a la espada)
¡Vasallo desleal!

DUCHI E GLOUCESTER
(Interponiéndose)
¡Señor... calmaos!

CORDELIA
(Arrojándose a los pies de Lear)
Padre!

LEAR
(En el colmo de la ira)
¡Vete, fuera de aquí!

TODOS
¡Extraño furor!

La declaración de Cordelia ha sido demasiado tibia para Lear, quien, demostrando que sólo pretendía que le regalasen los oídos, la deshereda, la rechaza como hija y entrega su parte a las otras dos. Estas, envidiosas de la preferencia que el Rey tenía hacia su hermanita, no la defienden. El único que lo hace es Edgar, hijo del leal Gloucester. El muchacho ama a Cordelia y ve su ocasión cuando, al quedarse sin tierras que aportar como dote, Cordelia libera al Duque de Borgoña de su compromiso. El Rey expulsa de la Corte a la díscola. Y a Edgar también, por descarado.





ACTO II

Escena Primera
Cordelia y Edgar viven exiliados cerca de Dover. El Conde de Kent trae a Edgar una carta de Gloucester, donde éste cuenta a su hijo las desgracias que se han abatido sobre el reino: Guneril y Regan ejercen despóticamente el poder y maltratan incluso a su viejo padre, a quien han privado de la dignidad real que él esperaba retener aun después de abdicar. Kent se dispone a volver a la corte cuando sale Cordelia y le pide que transmita al Rey el amor que aún siente por él:

Se di Cordelia il nome (http://www.divshare.com/download/20707124-aff)

CORDELIA
Se di Cordelia il nome
da lui pur anco udrete nell’ira proferir...
Deh! Lo placate! Deh gli narrate
come pari all’amor che per lui sento
è grande il mio soffrir...
E se averrà che sovra a lui si addensi
delle sventure il nembo...
E se averrà che nel dolor ripensi
quant’io l’amava nei felici di...
Il volerò al suo fianco,
inonderò di lacrime,
di baci le sue pallide gote e il suo crin bianco;
gli griderò: leva la fronte mesta!
Per amarti una figlia ancor ti resta:
la tua Cordelia che ti adora é qui.
CORDELIA
Si el nombre de Cordelia
le oyeras proferir aún con ira...
¡Ah, aplácalo! Cuéntale
que igual que el amor que por él siento
es mi gran sufrimiento...
Y si sobre él se acumulan
las nubes de la desgracia,
y si enmedio de su dolor recuerda
cuánto le amaba yo en los días felices...
Yo volaré a su lado,
inundaré de lágrimas
y de besos sus pálidas mejillas y su blanco cabello;
le gritaré: ¡alza la triste frente!
Todavía te queda una hija amante:
tu Cordelia, que te adora, está aquí.


Edgar decide ir a buscar al Rey para ayudarle en lo que pueda y, en el dúo que cierra la escena, él y Cordelia se declaran mutuamente su amor.


Escena Segunda
Sirve como confirmación visual de lo descrito en la carta de Gloucester. Transcurre en el castillo de Regan, donde Lear reside en condiciones que rozan lo miserable. Durante un banquete, Regan entona una alabanza de la juventud, que completa con una furiosa diatriba contra la vejez. Edmund, uno de los jóvenes nobles presentes, celebra con especial énfasis las gracias de Regan. En el último acto se nos revelará que Edmund es hijo bastardo de Gloucester (por tanto, medio hermano de Edgar) y que está enamorado de Regan.

Pulula por allí un personaje llamado “Il Matto” (“El loco”) Es el bufón que tenía Lear y que, tal y como hacían los bufones en las cortes medievales, entre bromas y veras va soltando las verdades a el mundo. Este personaje, que ha sido comparado con El Idiota de “Boris Godunov”, fue encomendado en la representación de Valle d’Itria a una soprano (Rasha Talaat), aunque en la correspondencia cruzada entre Cagnoni y La Scala se valoró la posibilidad de que el rol lo cantase un tenor.

Las pullas del Matto proporcionan la excusa para que presenciemos la humillación de Lear a manos de su hija. Esta, ante las quejas de los invitados, exige a su padre que despida a los pocos leales que aún están a su servicio. El anciano no da crédito a lo que oye y, con una percepción poco realista de la situación, amenaza con vengarse.

Sii forte, mio povero core (http://www.divshare.com/download/20707138-d3b)

LEAR
Sii forte, sii forte, mio povero core...
Sicché non ti franga l’immenso dolore...
E voi, che le sorti del mondo reggete,
o Numi, volgete lo sguardo su me.
Siccome un imbelle non fate ch’io pianga
dinnanzi alle belve che furon mia prole;
ancora una larva nel vecchio rimanga
del forte guerriero, del fulgido re.
Farò tal vendetta di queste reiette,
che il mondo atterrisca,
che ottenebri il sole.

(Volgendosi alle figlie)

Col grido del padre che v’ha maledette
su voi l’anatema prorompa dal ciel.
Quel grido vi introni le sale festose...
Quel grido vi turbi le veglie affannose...
Vi aggravi la morte di spasimo orrendo...
Fantasma tremendo v’incalzi all’avel.

(Esce precipitoso, seguito dal Matto e da pochi)

EDMONDO, DAME, DUCHI, ECC.
Quel folle ove corre?

GLOSTER
Si insegua... si arresti!

CORO ED ALTRI
Sta ben ch’ei sen vada...

DAME
Presagi funesti!
LEAR
¡Sé fuerte, sé fuerte, pobre corazón mío!
Que no te rompa este inmenso dolor...
Y vosotros, que regís la suerte del mundo,
oh Dioses, volver la mirada hacia mí.
No dejéis que llore como un cobarde
ante las fieras que fueron mi prole;
aún queda algo en el viejo
del fuerte guerriero, del fúlgido rey.
Me cobraré tal venganza de estas renegadas
que el mundo se aterrorizará,
que el sol se entenebrecerá.

(Volviéndose hacia las hijas)

¡Con el grito del padre que os ha maldecido
caiga sobre vosotras el anatema del cielo!
¡Que ese grito atruene en las salas festivas!
¡Que ese grito turbe vuestras veladas insomnes!
¡Que acompañen vuestra muerte horrendos dolores!
¡Que un terrible fantasma os lleve a la tumba!

(Sale precipitadamente, seguido del Loco y de unos pocos)

EDMUND, DAMAS, DUQUES, ETC.
¿Adónde corre ese loco?

GLOUCESTER
¡Seguidle! ¡Paradle!

CORO Y OTROS
Dejad que se vaya...

DAMAS
¡Funestos presagios!


Lear abandona la sala (y en consecuencia, la escena) seguido del Matto y de un puñado de leales.

Bardamu
April 27th, 2013, 03:46 PM
Me gusta esta parte de Mirra


http://www.youtube.com/watch?v=Jc2c9XsAVZI

Schigolch
May 1st, 2013, 06:44 PM
http://www.operasiempre.es/wp-content/Fernando-de-Lucia.jpg

El gran tenor Fernando de Lucia, cuyo estilo de canto parece a veces tan alejado del verismo, fue sin embargo un asiduo colaborador de los compositores de la época. Y participó nada menos que en los siguientes estrenos:

L'Amico Fritz, I Rantzau, Il Profeta Velato (de Daniele Napoletano), Silvano, Iris, Fedora, Marcella y Vita Bretone (de Leopoldo Mugnone).

Vamos a escuchar un par de arias de Fedora, cantadas por Fernando de Lucia:


http://www.youtube.com/watch?v=Hb7lf5l6g1I


http://www.youtube.com/watch?v=AZOWjEE7ZWs

Loge
May 2nd, 2013, 04:25 PM
RE LEAR,
de Antonio Cagnoni (2/2)


Cagnoni terminó “Re Lear” en 1895, pero una pérdida de interés de La Scala por la obra y el fallecimiento del compositor al año siguiente convergieron para frustrar su estreno, que no se produjo hasta el 19 de julio de... ¡2009!, en la 35ª edición del Festival della Valle d’Itria. Los intérpretes fueron: Costantino Finucci (Barítono; Lear), Danilo Formaggia (Tenor, Edgar), Serena Daolio (Soprano; Cordelia), Eufemia Tufano (Mezzo; Regan), Rasha Talaat (Soprano; il Matto), Vladimer Mebonia (Bajo, Conde de Gloucester), Domenico Colaianni (Barítono, Conde de Kent), Maria Leone (Soprano, Guneril), Gianni Coletta (Duque de Cornwall), Cristian Camilo Navarro Diaz (Edmund), Coro eslovaco de Bratislava, Orquesta Internacional de Italia. Director: Massimiliano Caldi.

De esta representación procede la única grabación existente, comercializada por Dynamic.


http://img255.imageshack.us/img255/782/portadadeldisco.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/255/portadadeldisco.jpg/)

Para su “Re Lear” Cagnoni no contó con el libreto de Cammarano-Somma, sino con uno de Ghislanzoni, que si bien sigue el original shakespeariano en algunos puntos, se aparta escandalosamente en otros. Hay que tener en cuenta que la obra teatral es muy enrevesada, y para presentarla como ópera era necesario simplificar bastante. Por ejemplo, del libreto operístico desaparece el personaje del Rey de Francia, y en consecuencia, no sabemos de dónde saca Cordelia las tropas en el Acto IV. Guneril, una de las hermanas, se queda casi sin papel. Edmund, que es fundamental para el desenlace, sólo aparece en el Acto II como un invitado más, y hasta el último momento no nos enteramos de que es medio hermano de Edgar, y que ama a Regan. Por otro lado, Edgar mantiene una relación amorosa con Cordelia que no aparece en Shakespeare. En cambio Ghizlanzioni guardó bastante fidelidad al drama en el primer acto y, sobre todo, mantuvo la escena clave, la de la tormenta en el bosque. Todo ello se puede comprobar en el libreto: http://www.eclassical.com/shop/art81/CDS648.pdf-872007.pdf



ACTO III
Escena Primera
Aquí tenemos la escena del bosque, ésa que arredraba a Verdi. En mitad de la noche aparecen Kent y Edgar, éste vestido como un mendigo, en un bosque desde el que se divisa a lo lejos el castillo de Gloucester. Edgar se queda allí. Kent, que sigue camino hacia el castillo, se despide de él. En un ratito que le queda hasta que aparecen otros personajes, aprovecha para cantar una quejumbrosa aria:

Comienzo del Acto III (http://www.divshare.com/download/20707151-dcf)

EDGAR
Delle sventure mie
come pianger potrei?
Esiglio, povertà, carcere, morte...
Tutto con gioia affronterò per lei.
O celeste Cordelia, io vivo solo
di questa fiamma che si accende al raggio
di tua bellezza. Una caligin tetra
l’universo ricopre... Il ciel minaccia
ire tremende... E solo io qui m’aggiro
in veste da mendico, entro una selva
ov’è smarrita d’ogni uman la traccia.

Ma tu, divina, eterea
larva, i miei passi guidi,
tu nelle dense tenebre
qual astro a me sorridi...
Fiso lo sguardo in quella
luce serena e bella,
il mio sentier di triboli
parmi una via di fior.
Per te morrei, Cordelia,
col paradiso in cor.
EDGAR
¿Cómo podría
llorar mis desventuras?
Exilio, pobreza, cárcel, muerte...
Todo lo afrontaría con alegría por ella.
Oh, celeste Cordelia, tan sólo vivo
para esta llama que se enciende con el rayo
de tu belleza. Una tétrica niebla
recubre el universo... El cielo amenaza
con ira tremenda... Y solitario ando por aquí
vestido de mendigo, en un bosque
sin rastro de existencia humana.

Pero tú, divino, etéreo
espíritu, guía mis pasos,
entre las densas tinieblas
sonríeme como un astro...
Fijo la mirada en aquella luz
serena y bella,
y mi senda llena de tribulaciones
me parece un camino de flores.
Por ti moriría, Cordelia,
con el paraíso en el corazón.

Aparecen unos leñadores buscando refugio ante la tormenta que se prepara. Como no sabe de qué bando están, Edgar se hace pasar por tonto y da una identidad falsa. A la reunión se suman Lear y su bufón, que surgen sobre un promontorio. La aparición del Rey, también en harapos y con evidentes síntomas de enajenación mental, coincide con el estallido de la tormenta, en clara muestra de que no sólo asistimos a una alteración de la naturaleza sino que, además y sobre todo, estamos ante una representación del estado de ánimo del monarca, igualmente alterado. Por cierto, que la descripción musical de la tormenta que hace Cagnoni recuerda mucho a la de “Rigoletto”.

Edgar reconoce al Rey y se pone a su disposición. El monarca, viéndole hecho un mendigo, le pregunta si acaso tiene hijas ingratas a las que haya donado sus bienes. Cuando se calma la tormenta, una nueva figura aparece al fondo: Gloucester, que ha sido cegado por Regan en pago a su lealtad al Rey Lear. Padre e hijo cruzan unas emocionantes frases de reencuentro. Los leñadores se van y la escena concluye con el cuarteto formado por los personajes que quedan.


Escena Segunda
Aquí se produce el reencuentro entre el Rey depuesto y la hija exiliada. Conducido por Edgar y Kent, Lear llega ante Cordelia, quien, enterada de las penurias que ha sufrido, le ofrece un vaso de agua. El Rey se lo devuelve y con ello comienza el dúo:

Dúo de Lear y Cordelia (http://www.divshare.com/download/20707175-b1a)

LEAR
Prendi: mercé ti rendano
di tua pietà gli dei...
Come soavi posano
le tue pupille in me!
Ch’io ti contempli: un candido
spirto del ciel tu sei.
No, tu non sei mia figlia,
non diedi un trono a te.

CORDELIA
(Baciandolo in fronte)
Ah! Questo bacio dissipi
le angosce tue crudeli...
Tua figlia son, ravvisami...
la tua Cordelia son.

LEAR
(Alzandosi)
Sì, dal tuo labbro echeggiano
le melodie dei cieli;
il nome tuo ripetimi...

CORDELIA
La tua Cordelia io son

LEAR
Cordelia era una gracile
bambina... or lo rammento...
Su’ miei ginocchi assidersi
io la vedea talor;
mi sorridea baciandomi,
mi carezzava il mento,
e poi... laggiù nel prato
toglea farfalle e fior...

CORDELIA
Quella son io...

LEAR
Il nome tuo ripetimi...

CORDELIA
La tua Cordelia.
¡Cordelia, oh padre!

LEAR
¡Cordelia, oh figlia!
LEAR
Ten: que los dioses
premien tu piedad...
¡Con qué suavidad posas
tu pupilas en mí!
Deja que te mire: eres
un cándido espíritu del cielo.
No, no eres hija mía,
a ti no te di un trono.

CORDELIA
(Besándole en la frente)
¡Ah! Que este beso disipe
tus crueles angustias...
Soy tu hija, mírame....
Soy tu Cordelia.

LEAR
(Levantándose)
Sí, en tus labios resuenan
las melodías del cielo;
repíteme tu nombre...

CORDELIA
Soy tu Cordelia.

LEAR
Cordelia era una grácil
muchacha... Ahora lo recuerdo...
Sobre mis rodillas
la veía sentarse a veces;
me sonreía besándome,
me acariciaba la barbilla,
y después... allí, en el prado,
cogía mariposas y flores...

CORDELIA
Aquella muchacha soy yo...

LEAR
Repíteme tu nombre...

CORDELIA
Soy tu Cordelia.
¡Cordelia, oh padre!

LEAR
¡Cordelia, oh, hija!

Lear acaba recordándolo todo y recuperando el juicio. Viendo el estado al que les ha llevado su decisión de abdicar y su ingenua confianza en las hijas mayores, pide perdón a la pequeña y la reconciliación llega de inmediato. A lo lejos, un coro anuncia que va a empezar una guerra contra los Duques y sus consortes Regan y Guneril.




ACTO IV
Escena Primera
Entre el acto anterior y éste, ha estallado la guerra. Y de hecho, está ya decidida. Rodeada por los insurgentes en su castillo, Regan es informada del transcurso de la batalla por su marido, el Duque de Cornwall. La derrota es total. Guneril ha sido hecha prisionera, el Duque de Albany herido de muerte... Regan le confía que aún espera dar la vuelta a la situación con la ayuda de un traidor: Edmund. Resulta que el hijo bastardo de Gloucester la ama y por ello ha aceptado el encargo de infiltrarse en el campamento enemigo, ganarse la confianza de Cordelia y asesinarla. Cornwall, harto de crímenes, no quiere más manejos turbios. Decide lavar su nombre muriendo honrosamente en la batalla, y eso sí que lo consigue plenamente. Regan lo presencia desde las ventanas del castillo.

La reina llama a la guardia, a sus leales, pero no acude nadie. A los únicos que ve, en un momento de trastorno mental, es a los fantasmas de Gloucester y de Lear, que le acusan silenciosamente de sus crímenes. El siguiente al que ve es Edgar, pero éste es de carne y hueso, y blande una espada. Regan lanza su órdago: si me matas, tu hermano Edmund ejecutará a Cordelia. Edgar sale con el corazón en la boca hacia el campamento donde ha dejado a su amada, mientras a lo lejos se oyen voces que anuncian la quema del castillo.


Escena Segunda
En el campamento de los sitiadores se celebra la victoria. Gloucester pregunta a Kent por unos y otros, y cuando se entera de que Cordelia está con Edmund, el ciego demuestra que ve más que ninguno: “¡Corre!” le grita a Kent. ”¡No me fío de Edmund!”. Kent sale hacia la tienda de Cordelia pero no llega a tiempo. El bufón, que viene de allí, se presenta ante los alegres vencedores y les da la funesta noticia: Cordelia ha sido asesinada. Al compás de una marcha fúnebre traen su cadáver sobre una camilla, para desesperación de Edgar, que llega en ese momento, y del Rey Lear, que cae muerto de dolor junto a su hija.

Final (http://www.divshare.com/download/20708695-d13)

BUFFONE
Di danze e canzoni
questa vi par giornata?
Dei pazzi e dei buffoni
la stella è tramontata...
Dacché cadea reciso
quel fiore di beltà,
su labbra umane il riso
più mai non spunterà.

CORO
Oscura è troppo e mesta
la tua canzon...

BUFFONE
Credete?
Pure, canzon di questa
più gaia non mi udrete
mai più cantar.

CORO
(Respingendolo)
Va! Porta
tai nenie altrove! Va!

BUFFONE
(Piangendo, con disperazione)
E morta! E morta! E morta!

CORO
(Con sorpresa)
Ei piange... Che sarà?

(Squillo funebre a poca distanza)

Qual suon lugubre!

BUFFONE
E dessa...
Addio per sempre!

(Fugge verso il castello)

CORO
(Osservando)
Quale triste corteo si appressa!

GLOSTER
(Alzandosi)
Numi! Qual suon ferale!

(Kent, indi soldati che portano sovra
una barella la salma di Cordelia; Donne, ecc.)

KENT
(Piangente)
Cordelia!

CORO
(Circondando Kent)
Ebben? La buona Cordelia?

KENT
Non è più...

TUTTI
Spenta! O dolor!

KENT
Dal perfido Edmondo uccisa fu...

(Tutti vanno incontrao ai soldati che portano
La barella al suon di marcia funebre)

GLOSTER
Ah! Fu il mio cor presago...

CORO
Pera chi osava infrangere
questa celeste imago
d’ogni gentil virtù!

LEAR
Ululate! Ululate!
Uomini, siete di macigno? Oh! S’io
le vostre lingue avessi e gli occhi vostri!
Gridar... pianger vorrei, finché disfatta
si spezzasse la volta ampia dei cieli...

CORO
Ei delira...

KENT
Nessuna voce lo turbi...

LEAR
(Additando)
E là... Guardate... E là...
Mio cor, ti sciogli in lagrime,
per sempre ella è partita...
Pur... se in quel petto un alito
spirasse ancor di vita...

(Gettandosi sulla salma di Cordelia)

Come la terra è gelida
la mano... e muto il cor!

TUTTI
Sventura atroce! Quale
strazio del suo maggior?

LEAR
(Parlando alla salma)
No! Non è ver che il candido
fior di tua vita è spento!
Cordelia mia, Cordelia...
Dimmi che vivi ancor!
Sciogli le labbra... parlami
col tuo celeste accento...
Gli occhi dischiudi, irradiami
d’un tuo sorriso il cor.

CORO
Si tragga altrove il misero.

KENT
(Accostandosi a Lear)
Sire...

LEAR
(Alzandosi)
Chi a me favella?
Dessa è ben morta! Vivono
i corvi, i lupi; ed ella,
ella si pia... si amabile...
più mai, più non vivrà...
Questo collar scioglietemi...
Colà guardate! Là.

(Cade presso la salma di Cordelia)

EDGAR
(Correndo allarmato)
Cordelia!

GLOSTER
(Intercettandogli il passo)
Arresta!

EDGAR
(A Gloucester)
Oh, vista atroce! Spenta!
E vivere poss’io?

GLOSTER
Lo dei per me...

(Edgar si getta piangendo nelle braccia di Gloucester)

CORO
Pace alla pia Cordelia,
pace all’estinto Re.

(Le donne gettano fiori sulla salma di Cordelia,
i soldati abbassano le bandiere. Gloucester, Edgar
e Kent formano un gruppo al lato della scena,
su cui dal castello in fiamme vienne a
proiettarsi una luce rossastra)
EL BUFÓN
¿Os parece que hoy es día
para danzas y canciones?
De los locos y los bufones
ha caído hoy la estrella...
Desde que fue cortada
aquella flor de belleza,
ninguna sonrisa apuntará
en los labios de los hombres.

CORO
Demasiado oscura y triste
es tu canción...

EL BUFÓN
¿De verdad?
Y sin embargo,
no me oiréis cantar
una canción más alegre.

CORO
(Apartándolo)
¡Vete! ¡Llévate
tus endechas a otra parte! ¡Vete!

EL BUFÓN
(Llorando desesperadamente)
¡Está muerta! ¡Muerta! ¡Muerta!

CORO
(Con sorpresa)
Está llorando... ¿Qué pasarà?

(Suena cerca una trompeta funebre)

¡Qué lúgubre sonido!

EL BUFÓN
Es ella...
¡Adiós para siempre!

(Corre hacia el castillo)

CORO
(Mirando)
¡Qué triste cortejo se acerca!

GLOUCESTER
(Levantándose)
¡Dioses! ¡Qué funesto sonido!

(Kent y varios soldados que llevan sobre
una camilla el cadáver de Cordelia; mujeres, etc.)

KENT
(Lloroso)
¡Cordelia!

CORO
(Rodeando a Kent)
¿Qué? ¿La buena Cordelia?

KENT
Ya no existe...

TUTTI
¡Muerta! ¡Oh, dolor!

KENT
La asesinó el pérfido Edmund.

(Todos van al encuentro de los soldados que llevan
la camilla al son de marcha fúnebre)

GLOUCESTER
¡Ah! Mi corazón lo presintió...

CORO
¡Perezca quien haya osado destruir
esta celestial imagen
de todas las virtudes!

LEAR
¡Aullad! ¡Aullad!
Hombres, ¿sois de piedra? Oh! ¡Si yo
tuviese vuestra lengua y vuestros ojos!
Quisiera gritar... llorar, hasta que
se derrumbase la bóveda de los cielos...

CORO
Delira...

KENT
Que ninguna voz le moleste...

LEAR
(Señalando)
Ahí está... Mirad... Ahí está...
Corazón mío, te disuelves en lágrimas,
ella se ha ido para siempre...
Sin embargo... si aún quedase en su pecho
un hálito de vida...

(Arrojándose sobre el cadáver de Cordelia)

Como la tierra está helada
su mano... ¡y mudo el corazón!

TODOS
¡Atroz desventura! ¿Hay tormento
mayor que el suyo?

LEAR
(Hablando al cadáver)
¡No! ¡No es verdad que la cándida
flor de tu vida se haya apagado!
Cordelia mia, Cordelia...
¡Dime que vives aún!
Separa los labios... Háblame
con tu acento celestial...
Abre los ojos, ilumíname
el corazón con una sonrisa tuya.

CORO
Llevémonos al infeliz.

KENT
(Acercándose a Lear)
Señor...

LEAR
(Levantándose)
¿Quién me habla?
¡Ella está muerta! Viven
los cuervos, los lobos; y ella,
ella tan buena... tan amable...
no más, no vivirá más...
Quitadme este yugo...
¡Mirad ahí! Ahí.

(Cae junto al cadáver de Cordelia)

EDGAR
(Corriendo alarmado)
¡Cordelia!

GLOUCESTER
(Cerrándole el paso)
¡Detente!

EDGAR
(A Gloucester)
¡Oh, visión atroz! ¡Muerta!
¿Y puedo vivir yo?

GLOUCESTER
Debes hacerlo por mí...

(Edgar se arroja llorando en los brazos de Gloucester)

CORO
Paz a la buena Cordelia,
paz al difunto rey.

(Las mujeres echan flores sobre el cadáver de Cordelia,
los soldados bajan las banderas. Gloucester, Edgar
y Kent forman un grupo a un lado de la escena,
sobre la cual el castillo en llamas proyecta una luz
rosácea)

Schigolch
May 6th, 2013, 08:01 PM
Il Guarany (http://www.youtube.com/watch?v=og28667fRbY), Fosca (http://i2.ytimg.com/vi/mEkn7SyBJ-w/mqdefault.jpg) y Maria Tudor (http://www.youtube.com/watch?v=JHrY-xEobfk), desde Sofía.

Loge
May 10th, 2013, 09:51 AM
GIUSEPPE DANISE

http://img560.imageshack.us/img560/1791/giuseppedanise.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/560/giuseppedanise.jpg/)


Nació en Nápoles en 1883 y estudió en el Conservatorio local. Debutó en 1906 en el Teatro Bellini de la ciudad, interpretando Alfio en “Cavalleria Rusticana” Hasta 1912 su carrera transcurrió en compañías de provincias, y después en Rusia, siguiendo los pasos de Battistini durante tres años. Varias actuaciones posteriores en Palermo y Turín llaman la atención, y en 1913 interpreta el papel de Amonasro en la primera “Aida” que se representa en la Arena de Verona. Tras una gira por Uruguay, Argentina y Brasil, es acogido triunfalmente en La Scala con “La battaglia di Legnano”.

En 1921 debuta en el Met y allí canta ininterrumpidamente durante once años papeles verdianos, belcantistas y veristas, como “Andrea Chénier” o “Loreley” (ambas con Muzio y Gigli), e “I gioelli della Madonna”.

Vuelve a su patria para la temporada 1932-33 y, si bien el retorno se inicia con los mejores auspicios (éxitos clamorosos con su Lohengrin turinés y la Tosca scalígera), su Conte di Luna es extrañamente protestado por el público milanés. Tras algunos recitales en el San Carlo de Nápoles y en el Carlo Felice de Génova, decide dejar la escena, regresando a Nueva York en 1935, donde abre una escuela de canto que le permite vivir cómodamente. Tras un sonado divorcio de la bailarina Ines Rognoni, se casa con la soprano brasileña Bidú Sayao en 1946. Muere el 9 de enero de 1963.

Danise fue un ejemplo emblemático del cantante de transición entre la vieja y la nueva escuela, ya iniciada con la generación precedente de los Ancona, Scotti, Sammarco, pero que todavía hallaba en los años próximos a la I Guerra Mundial a los últimos depositarios del estilo decimonónico. Danise había asumido indudablemente los principios fundamentales de la escuela decimonónica, pero, al igual que todos sus colegas de la época, tuvo que confrontarlos con las óperas de la Giovane Scuola. De todas formas, el cambio desde el belcantismo romántico a la visceralidad verista fue menos traumático en los barítonos que en otros registros vocales, y si en lo tocante a tenores y sopranos Caruso y Burzio habían trazado una nítida línea de separación entre el cantante del pasado y el moderno, la cuerda baritonal tuvo su transformador en Titta Ruffo, pero de manera mucho más gradual y algo más tardía.

La voz de Danise, de barítono dramático verdiano, amplia y extensa, poseía una igualdad entre registros absoluta, y una enorme rotundidad tanto en el grave como el agudo. "Voz de resonancias claustrales", que dijo Lauri-Volpi al escribir acerca de la "austera solemnidad" de su canto, el timbre era más oscuro y robusto que el de un Stracciari o un de Luca, pero también menos pulido y rico en matices.

Como cantante decimonónico, Danise fue un valedor de la emisión relajada, el canto ligado, los contrastes piano-forte para recrear el soliloquio, el respeto a la melodía aliado a la dicción nitidísima. Estas líneas maestras las aplicó no sólo al repertorio romántico, sino también al verista, en particular a Scarpia y Gerard. De esta forma se convirtió en baluarte de la escuela clásica frente a los envites de la nueva, más visceral y musculada.

La grabación acústica de Rigoletto realizada por HMV en 1917, que por problemas técnicos nos ha llegado con el papel del bufón repartido entre Danise y Ernesto Badini (Borghi-Zerni fue Gilda y Broccardi el Duque) se considera como la mejor interpretación del barítono napolitano y según Celletti “el Rigoletto más completo que se puede escuchar en disco” (Le grande voci).

Aquí lo tenemos, en "Cortigiani, vil razza"


http://www.youtube.com/watch?v=yvPsJGrGduI


Y en un par de papeles veristas:

Buona Zazà, de “Zazà”


http://www.youtube.com/watch?v=jJpkMiwB_LU


Nemico della patria, de “Andrea Chénier”


http://www.youtube.com/watch?v=D8kvNrycMBI



En 1923 firmó un contrato con Brunswick Records, y en esos registros eléctricos se percibe un oscurecimiento de la voz, que adquiere un toque gutural. Un ejemplo de esos años:


http://www.youtube.com/watch?v=LQm-AfEBIXg

Schigolch
May 10th, 2013, 11:55 AM
Efectivamente, Danise, partía de un buen instrumento, como también hacía De Luca, aunque de distintas características ambos. Sin embargo, ninguno tenía la extraordinaria dotación natural de un Stracciari. O de un Ruffo.

Gran estilista, y de austero canto, como indica Lauri-Volpi, podemos considerarlo uno de los mejores barítonos italianos de esas extraordinarias generaciones.

Loge
May 17th, 2013, 10:35 AM
IL GRILLO DEL FOCOLARE
de Riccardo Zandonai

En 1908, el animador cultural de la sociedad milanesa Arrigo Boito, presentó al joven Riccardo Zandonai al editor Ricordi, que fue quien le encargó la ópera. El libreto es de Cesare Hanau, quien se basó en un cuento de Navidad de Charles Dickens, y, salvo por el hecho de que algunos personajes conversan con un grillo, el argumento es auténticamente verista. Y además, verismo urbano, del que no abunda. Sin embargo, la música no tiene nada que ver con el estilo de Mascagni o Leoncavallo; con una especie de arioso constante y mucha declamación, se asemeja más a lo que pocos años después presentará Pizzetti con su “Fedra”. Bueno, la verdad es que a Zandonai ya lo conocemos; no vamos a descubrir ahora cómo era su estilo.

Conozcamos a los personajes de esta historia, que tiene lugar en 1830, en los suburbios de Londres:

.......... http://img191.imageshack.us/img191/3096/johnfc.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/191/johnfc.jpg/) .....

John Peerybingle (barítono): Cochero londinense, de los que nunca faltan en las novelas de Dickens, Conan Doyle, etc. Es un buen hombre, un pedazo de pan entrado en años. Expresión esta última que, semánticamente, no dice nada pero con la que todos nos imaginamos a una persona que ya no es joven. Echémosle unos cincuenta años. Como todo buen marido, no se entera de qué va el asunto hasta el final. (Un detalle de auténtico verismo)
.......... http://img39.imageshack.us/img39/3626/dotkx.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/39/dotkx.jpg/) ..

Dot (soprano): Joven esposa de John. Digamos, veintipocos años. Inteligente y de buen corazón, es la verdadera protagonista, el personaje en el que confluyen las dos tramas de la historia: por ayudar a casarse a Edward y May, ve peligrar su propio matrimonio. Ella y John tienen un niño de diez meses y tres días. "Vacunado", como dice Dot para que quede constancia..
.

.......... http://img841.imageshack.us/img841/8748/grillob.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/841/grillob.jpg/) ..

El grillo (personaje mudo): Insecto que Dot y John tienen en una jaula, sobre el hogar (el focolare). Lo tratan como si fuera un perro o un gato doméstico, hablan con él y respetan mucho sus opiniones, que el animal expresa a través de la orquesta. En realidad, no tiene la menor incidencia ni en la gestación del problema ni en su solución, por lo que darle título a la ópera me parece desproporcionado, aunque, eso sí, es original y respeta el título de la novela.

.......... http://img835.imageshack.us/img835/6485/tackleton.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/835/tackleton.jpg/) .....

Tackleton (bajo): El malo de la película es dueño de una juguetería, y todo el problema surge cuando anuncia su intención de casarse con May, pese a que, como John, él también está “entrado en años”. Además, hace creer a John que su mujer le engaña. Pero no es ni mucho menos un Yago: él cree realmente que Dot engaña a su amigo y se limita a meter cizaña. Por otra parte, él no conoce el compromiso previo de May, por lo que no es consciente del daño que le hace.

.......... http://img836.imageshack.us/img836/2136/calebr.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/836/calebr.jpg/) .....

Caleb Plummer (barítono): Anciano que trabaja en la juguetería de Tackleton y se pasa toda la ópera lamentándose. Aunque motivos tiene: en primer lugar, es viudo y pobre dickensiano. O sea, de solemnidad. Pese a ello, la comida de Navidad se celebra en su mísera casa. En segundo lugar, tiene una hija ciega: Berta. Y para terminar, tenía un hijo, Edward, que se fue a América seis años ha, buscando fortuna y al que da por muerto al no recibir noticias suyas.

.......... http://img542.imageshack.us/img542/1239/berta.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/542/berta.jpg/) .....

Berta Plummer (mezzosoprano): Hija de Caleb. Es ciega y ayuda a su padre en la fabricación de muñecas. (En el cuento les cose los ojos de cristal, pero al libretista le debió de parecer una paradoja truculenta, y en la ópera simplemente las viste) Para paliar su sufrimiento, Caleb la engaña haciéndole creer que viven desahogadamente. Para colmo, Berta se enamora de Tackleton, el jefe de su padre..

.......... http://img854.imageshack.us/img854/8966/edwardk.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/854/edwardk.jpg/) .....

El viejo vagabundo (tenor): Es raro que un tenor haga el papel de viejo, ¿verdad? Tiene su explicación: el viejo resulta ser Edward, el hijo perdido de Caleb que se hace pasar por pordiosero para averiguar si May, su antigua novia, le sigue siendo fiel después de seis años de ausencia..
.
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.......... http://img59.imageshack.us/img59/3140/mayik.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/59/mayik.jpg/) .....

May Fiedling (soprano): Novia de Edward que, aunque le ha sido fiel durante más de un lustro, al final se ve obligada a casarse con Tackleton por imposición de su madre..
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.......... http://img19.imageshack.us/img19/9496/lamadre.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/19/lamadre.jpg/) .....

La madre de May. Ni canta ni aparece en escena en ningún momento, pero es la causante del drama. De una intervención de Edward se deduce que no le dejaba casarse con May por ser pobre, y por otra de May nos enteramos de que obliga a su hija a contraer matrimonio con Tackleton, al que no ama.
.


El relato, al final, hace pensar en si merece la pena engañar a otros para hacerlos más felices, si guardar secretos en pareja es bueno para la salud conyugal, y en las malas interpretaciones y el daño que puede hacerse actuando por impulso en vez de razonando las cosas con serenidad.

En el estreno, que tuvo lugar en el Politeama Chiarella de Turín el 28 de noviembre de 1908, estos roles fueron interpretados por:
Albertina Baldi (Dot)
Edmondo Grandini (John Peerybingle)
Francesco Federici (Caleb Plummer)
Angelo Pintucci (El viejo vagabundo – Edward Plummer)
Ugo Canetti (Tackleton)
Ernestina Bertinetti (May)
No me consta quién cantó el rol de Berta.
La orquesta la dirigía Pietro Cimini.


Aquí está la partitura, aunque incompleta. Faltan unas 8 ó 10 páginas:
http://www.piano.ru/scores/zandonai/zand-grillo.pdf

Los audios que ilustrarán la exposición proceden de una representación en Pésaro, en 1984, con una calidad bastante deficiente. Pido disculpas de antemano por ello. Los intérpretes son:
Heui Youn Chung (Dot)
Roberto Magri (John)
Jai Hwan Lee (Caleb)
Antonio Carangelo (El viejo vagabundo – Edward)
Maurizio Picconi (Tackleton)
Yeal Seon Kang (Berta)
Guadalupe Gonzales (May)
Director: Ottavio Ziino



ACTO I

Mientras se ocupa de las tareas de la casa, Dot le canta al grillo una canción infantil. La llegada de John provoca una breve y tierna escena de amor conyugal. Al cabo de un rato, el cochero se acuerda de que ha dejado esperando en la calle a un viejo al que se ha encontrado sentado en la nieve, y que ha traído para que se caliente. Sale corriendo y vuelve enseguida con un viejo andrajoso. Poco después llega Caleb, amigo del matrimonio. En la conversación que tiene con ellos salen a relucir los dos puntales de la existencia del hombre: Berta, su hija ciega y Edward, su hijo desaparecido en América. Caleb y John pasan a la habitación donde duerme el niño.

Cuando se encuentra a solas con Dot, el viejo se quita la peluca y las gafas, y descubre que se trata de Edward, el hijo ausente de Caleb. A Dot no le da un soponcio de milagro. Edward vuelve rico de América, pero cuando estaba a pocas millas de Londres ha oído que su novia, May Fiedling, va a casarse con otro, y se ha disfrazado para averiguar, sin ser reconocido, qué hay de cierto en ello. Dot le asegura que May le sigue esperando. Suenan unos golpes en la puerta. Edward vuelve a ponerse el disfraz. John y Caleb regresan a la sala. El recién llegado es Tackleton, amigo de John y jefe de Caleb, que viene a anunciar su matrimonio con May Fiedling y a invitar a todos a la boda. Aunque, de momento, lo que hace es invitarse a sí mismo, junto con May, a la comida que sabe que todos los años celebran la víspera de Navidad Dot, John, Caleb y Berta en casa de estos últimos.

Vuelven a quedarse solos Dot y Edward. Para comprobar si es verdad que May ha traicionado a Edward, Dot traza un plan: en algún momento de la comida en casa de Caleb, se las ingeniará para quedarse a solas con May. Entonces avisará a Edward, que estará montando guardia por los alrededores, para que entre a la casa y escuche a su exnovia. Edward queda alojado en casa de Dot y John, y el el acto termina con una escena sumamente enternecedora, con ese matrimonio sencillo, amante y feliz, recordando en la intimidad de su casa cómo se conocieron, cómo se enamoraron y cómo se casaron. Y mientras cae la noche, Dot se adormece y su amoroso marido le pide al grillo que cante para acunarla.

Dúo de Dot y John (http://www.divshare.com/download/21484728-b12)

JOHN
Vedo... Vedo laggiù...
Laggiù lontano, delle piccole Dot correre,
correre tenendosi per mano.
I prati sono in fiore.
Il sole è fulgido,
è il dolce aprile!
Allora eri una piccola bambinetta gentile.

DOT
Allor tu non mi amavi!
In quelle nuvole vedo salir,
confondersi tanti sogni soavi!

JOHN
I sogni nostri. Eccola passar
modesta e bella per la via,
è Dot fanciulla,
quale apparve al trepido desìo
dell’amorosa anima mia.

DOT
È allor che ti guardai la prima volta,
dritto negli occhi, fiso,
da un senso arcano
mi sentìa sconvolta
e fiamme di rossor salirmi al viso.

JOHN
Era il Maggio odoroso.
Strappai da un cespo,
e ti ho gettato un fiore.

DOT
Ma qual’è questa musica
che mi par di sentir?
La chiesa è piena di lumi e canti.
E chi è quella pallida donna,
che al fianco tuo si regge appena?

JOHN
È Dot, la sposa mia.
Ma guarda, eccola:
in nuova veste,
fra le spire appare.
È china su una culla,
un bimbo dondola e ancor più bella pare.
E poi la vedo, nel lontan
crepuscolo, vecchietta ormai,
sull’uscio riguardare...
Oh, quant’ani passarono,
quant’anni per amare!

DOT
(Sottovoce, quasi addormentata)
Quant’anni passarono, per amare...

JOHN
Oh, Grillo consapevole, tu canti?
Canta ancora! Grillo gentile,
guardala dormir, la tua signora...
Sì, canta, canta ancora.
Dormi... Dormi, mio amore!
Dormi... Dormi...
JOHN
Veo... Veo allí abajo
a lo lejos, pequeñas Dot corriendo,
corren cogidas de la mano.
Los prados están floridos.
El sol es fúlgido,
¡Es el dulce abril!
Por entonces eras una niña gentil.

DOT
¡Entonces aún no me amabas!
¡En aquellas nubes veo acumularse,
confundirse tantos sueños suaves!

JOHN
Nuestros sueños. Y ahora, mírala pasar
modesta y bella por la calle.
Es Dot jovencita,
que se muestra al ansioso deseo
de mi alma amorosa.

DOT
Y al mirarte por primera vez
directamente a los ojos,
un sentimiento desconocido
se apoderó de mi
y se me encendió la cara.

JOHN
Era el mayo oloroso.
Arranqué una flor del césped
y te la lancé.

DOT
Pero... ¿qué música es ésa
que me parece estar oyendo?
La iglesia está llena de luces y cánticos.
¿Y quién esa aquella pálida mujer
que apenas se sostiene junto a ti?

JOHN
Es Dot, mi esposa.
Pero mira, ahí está:
con un vestido nuevo
aparece entre las espigas.
Está inclinada sobre una cuna,
mece a un bebé, y aún parece más bella.
Y después la veo, en el lejano
crepúsculo, viejecita ya,
recordar bajo el umbral...
¡Oh, cuántos años han pasado,
cuántos años para amar!

DOT
(En voz baja, medio adormilada)
Cuántos años han pasado para amar...

JOHN
Oh, grillo inteligente, ¿cantas?
¡Sigue cantando! Grillo gentil,
mira cómo duerme tu señora...
Sí, sigue cantando.
Duerme, amor mío.
Duerme, duerme...



ACTO II

La víspera de Navidad. En una habitación humildísima, Berta está vistiendo muñecas y cantando melancólicamente a un amor que, por el momento queda desconocido para nosotros. Más tarde sabremos que se trata de Tackleton.

Berta. Comienzo del Acto II (http://www.divshare.com/download/21484737-4e8)

BERTA
Lungi! Ah, lungi, sul l’ali del vento
un mio sogno gentil s’involò
nel mio cuore. Ora più non lo sento,
forse a un altro lontan lo portò.
Ma sul’ali del vento, un messaggio
misterioso al mio cuore arrivò,
circonfuso d’un dolce miraggio
che una dolce speranza avvivò...
Ohimè, come turbata mi sento!
Se è il mio sogno che torna non so,
o se è quello che il perfido vento
in un giorno di Maggio portò!

(Con grande sentimento)

Chi sei mai tu, ch’io penso in quest’ora?
Chi sei tu, che mi pensi laggiù?
Oh, mio ignoto,
il mio cor non t’ignora!
Il mio cuore lo sa, che sei Tu!
Che sei Tu!
BERTA
¡Lejos, lejos, en las alas del viento
un gentil sueño se introdujo
en mi corazón. Ahora ya no lo siento,
quizá a otro, lejos, lo llevó.
Pero en las alas del viento, un mensaje
misterioso llegó a mi corazón,
revestido de una dulce ilusión
que una dulce esperanza avivò...
¡Oh, qué turbada me siento!
No sé si es mi sueño que vuelve,
o si es aquello que el pérfido viento
se llevó un día de mayo!

(Con gran sentimiento)

¿Quién eres tú, que pienso en ti ahora?
¿Quién eres, que me acuerdo de ti?
¡Oh, mi desconocido,
mi corazón no te ignora!
¡Mi corazón sabe quién eres!
¡Sabe quién eres!

La habitación está junto al almacén de Tackleton, que se vislumbra a través de una puerta vidriada. A ruegos de su hija ciega, Caleb le vuelve a describir la casa como si fuera amplia y acogedora. La joven se imagina las cosas que no puede ver, y es hasta feliz: “e benedico il ciel che ha fatto tante cose belle, e voi, si buono, che obliar mi fate di non poter vederle!”

Empiezan a llegar los comensales, y cuando ya están todos, Tackleton comenta su boda con May, lo que pilla desprevenida a Berta, que no sabía nada. Todos se sientan a comer. Con las viandas y los brindis empieza a enrarecerse el ambiente. Dot lanza una pulla a May. Tackleton se la devuelve brindando por los ausentes y, en concreto, por el viejo vagabundo, mientras ríe torvamente. Dot detiene la estocada y reacciona diciendo que bebe por los que se fueron a buscar fortuna, pero no por los demás. Y ya cuesta abajo y sin frenos, ante la estupefacción de los demás, lanza a May una serie de indirectas que la novia no puede ignorar. Oigamos esa escena:

Brindis (http://www.divshare.com/download/21484750-dc6)

JOHN
Ed ora, ai vostri posti!

(Tutti prendono posto attorno alla tavola)

Prima il pudding!

(Egli da fuoco al pudding)

Questa fiamma gioconda
È un presagio ridente!
Ogni cor lo asseconda col suo voto
più ardente!

CALEB
Bravo, John! Viva John!

TACKLETON
Viva John!

DOT
(Fissando May)
Questa fiamma gioconda
altre fiamme ridesta,
se nell’ombra profonda
la scintilla ne resta!

(Passando un platto col pudding fiammante a May,
e con ironia)

Per May Fiedling la fiamma
e quest’altra allo sposo

(passando altro platto a Tackleton)

dell’ardor che li infiamma
sia l’augurio amoroso!

JOHN
(Sottovoce)
Dot, che dici?

MAY
(Turbata)
Che intendo?

TACKLETON
Or sturiam le bottiglie.

(Sturando e versando prima a Dot, poi a May,
indi agli altri)

Prima a voi!
Per voi questa, o mia dolce compagna!

(Rivolgendosi a Dot con finta, maligna bonarietà)

Ed or, Madama, se lo permettete,
un brindisi portar voglio agli assenti.
È un ghiribizzo che mi salta!
Bevo ai vecchi amici, e bevo...
Ai vecchi viaggiatori!

(Sghignazzando)

Ah, ah, ah, ah!

JOHN
Che intendete dir?

TACKLETON
Nulla so io!
Ah, ah, ah, ah!

DOT
Il brindisi mi garba.
E bevo anch’io,
bevo agli assenti,
a color che un dì partirono
lieto di speme il cor,
pieno d’amore, lungi, lungi,
a cercar la lor fortuna!
E bevo ai cor fedeli
che non sanno obliare
e che liattesero fidenti
e saldi al sacro giuramento.

(Deponendo con forza il bicchiere)

Ed agli altri non bevo!

(May, molto commosa, si asciuga
furtivamente le lagrime)

JOHN
Dot, te ne prego!

CALEB
Male scelta è quest’ora...

TACKLETON
(Furioso, fra sè)
Chi per ultimo ride, ride bene.
Attendi un po’ colomba mia!

DOT
(A John e a Caleb)
Oh, lasciate mi dir!
Molti son morti di color che partirono,
ma forse qualcun vive e rammenta.

(Alzandosi e guardando sempre May)

Forse qualcun sospinto
al desiato ostel
dall’amore non vinto
del suo cuore fedel,
forse qualcun sul mare
ora la vela tende
verso le spiaggie care,
verso chi non l’attende!
Oh, ma il vento non freme
come freme il suo ardor!
Su la vela non preme,
come preme al suo cor!
E forse è giunto,
forse in questo stesso istante
alla sua casa accorse
questo fedele amante
e vuota la trovò!

MAY, BERTA, JOHN Y CALEB
Dot! Dot!

DOT
No, Il brindisi è finito
e depongo il bicchier.
Tregua alle vane lusinghe.
JOHN
¡Y ahora, todo el mundo a su sitio!

(Todos se sientan a la mesa)

¡Primero el pudding!

(Pone el pudding al fuego)

¡Esta alegre llama
es un sonriente presagio!
¡Que todos los corazones lo secunden
con su más ardiente deseo!

CALEB
¡Bravo, John! ¡Viva John!

TACKLETON
¡Viva John!

DOT
(Mirando fijamente a May)
¡Esta alegre llama
puede despertar otra antigua llama,
con tal que en la profunda sombra
la chispa permanezca!

(Pasando un plato con el pudding llameante a May,
y con ironia)

Para May Fiedling la llama,
y esta otra para el esposo.

(Pasando otro plato a Tackleton)

¡Que sea augurio amoroso
del ardor que les inflama!

JOHN
(En voz baja)
Dot, ¿qué dices?

MAY
(Turbada)
¿Qué oigo?

TACKLETON
Y ahora, abramos las botellas.

(Abre y sirve primero a Dot, luego a May,
y después a los demás)

¡Primero a usted!
¡Y luego a ti, oh dulce compañía!

(Volviéndose hacia Dot con finginda y maligna bondad)

Y ahora, señora, si lo permitís,
quiero brindar por los ausentes.
¡Es un capricho que se me ha ocurrido!
Bebo por los viejos amigos, y bebo...
¡por los viejos vagabundos!

(Ríe sarcásticamente)

¡Ja, ja, ja, ja!

JOHN
¿Qué queréis decir?

TACKLETON
¡Yo no sé nada!
¡Ja, ja, ja, ja!

DOT
Me gusta el brindis.
Y yo también bebo,
bebo por los ausentes,
¡por aquellos que un día partieron
lleno de esperanza el corazón,
lleno de amor, lejos, lejos,
en busca de fortuna!
Y bebo por los corazones fieles
que no saben olvidar
a quienes prometieron fidelidad
y confían en el sacro juramento.

(Bajando con fuerza el vaso)

¡Y por los demás no bebo!

(May, muy emocionada, se enjuga furtivamente
las lágrimas)

JOHN
¡Dot, por favor!

CALEB
Mal momento ha elegido...

TACKLETON
(Furioso, para sí)
Quien ríe el último, ríe mejor.
¡Espera un poco, paloma!

DOT
(A John y a Caleb)
¡Oh, dejad que me explique!
Muchos de los que partieron han muerto,
pero alguno quizá aún vive y recuerda.

(Se levanta y mira a May)

¡Quizá alguno fue empujado
al deseado lugar
del amor nunca vencido
de su corazón fiel,
quizá alguno hincha las velas
sobre el mar
hacia las queridas costas,
hacia quien no le espera!
¡Oh, no se estremece el viento
como se estremece su ardor!
¡La vela no se oprime
como se oprime su corazón!
¡Y quizá esté cerca,
quizá en este mismo instante
este fiel amante
acuda corriendo a su casa
y la encuentre vacía!

MAY, BERTA, JOHN Y CALEB
¡Dot! ¡Dot!

DOT
No, he terminado el brindis
y bajo el vaso.
Basta de fingidos halagos.

Las campanas de Devonshire, sonando a lo lejos, interrumpen la escena y rebajan la tensión. Los hombres se van a fumar al almacén, circunstancia que aprovechan Dot y Berta para recriminar a May por haber olvidado a su novio para casarse con un hombre que le dobla la edad. En su defensa, May alega ante Dot que la boda se la ha impuesto su madre. Al oírlo, Dot llama a Edward y los amantes, reconciliados, deciden anticiparse a Tackleton: si la boda de éste está prevista para el día siguiente a las once, Edward y May se casarán a las diez.

Tackleton llama a su prometida desde el almacén. May acude, y Dot queda a solas con Edward. Para agradecer lo que ha hecho por él, abraza a Dot... y Tackleton los ve. Inmediatamente avisa a John, quien llega a tiempo de ver escapar al supuesto viejo vagabundo. Corroído por las insinuaciones de Tackleton, que parecen confirmadas por lo que acaba de ver, John acusa de infiel a su mujer y sale, desesperado, sin que valgan de nada las protestas de inocencia de Dot, Berta y May.



ACTO III

El día de Navidad, un rato antes de las once. Tras un sombrío preludio vemos la misma sala, en la casa de Dot y John, que sirvió de escenario al primer acto. Zandonai regala al personaje de John la intervención solista más amplia e impresionante la ópera. El cochero lamenta la situación a la que ha llegado. En tres partes bien diferenciadas, la música describe los estados de ánimo por los que va pasando: primero, cuando siente el corazón traspasado de dolor por el engaño de su mujer, es lúgubre y apasionada. Después agitada y amenazante, acompañando sus ansias de venganza, que le llevan a descolgar la escopeta de la pared. Está a punto de salir a cometer una locura, cuando el canto del grillo le detiene. Tras un instante de conversación con el animal, la nube que tenía ante los ojos desaparece y deja el arma en el suelo. “Canta y háblame de ella”, le pide. Y ese momento de sosiego trae una melodía lírica y tierna.

John. Comienzo del Acto III (http://www.divshare.com/download/21484773-028)

JOHN
Una prova! Una prova!
E non l’ho forse, ohimè, la prova?
Non l’ho vista forse?
Lei, la mia Dot,
lei sì soave e pura,
chè tale io la credeva
ella mentiva!
Il suo dolce sorriso,
i suoi leggiadri teneri vezzi
e le carezze e il baci,
tutto menzogna!
L’idolo adorato ch’era il cor del mio cor,
l’anima mia, è infranto,
e infranta è insieme la mia vita!

(Cade singhiozzando sulla sedia.
Rialzandosi, accigliato, cupo)

Ma quell’uom, chi sarà?
Stolido, io giaccio qui, singhiozzando
come un bimbo imbelle,
e forse egli sogghigna al pianto mio!
Oh, tregua al vano delirare.
L’ora d’agire è questa.

(Con veemenza, minaccioso)

E tu, straniero infame,
ladro dell’amor mio,
d’ogni mia gioia,
tu, che hai fatto di me
l’uom disperato ch’io sono,
trema! Sí, trema per te!

(Stacca il fucile dalla parete e fa per uscire. Il grillo si mette a cantare, e John, quasi malgrado suo, si ferma)

Che vuole ancor costui?
“Fermati”, sembra ch’ei dica.
E perche far?
Per ascoltar le tue nenie mendaci?
Ah, ti fai beffe dunque di me,
com’ella stessa? Prendi!

(Afferra un oggetto qualunque dal camino
e lo scaglia sul focolare)

Tace! Ch’io l’abbia ucciso?
Oh, che silenzio in questa stanza!
Fredda, fredda mi sembra e vuota
di tutto quanto amai!

(Depone il fucile e si avvicina al camino)

Canta ancor, picciol grillo,
parla ancora di lei, di il suo nome,
sì, dillo se fedel tu le sei!
Fa ch’io senta il tuo canto
di mia angoscia in quest’ora,
in quest’ora di pianto!
Per pietà, canta ancora, canta ancor!

(Il grillo riprende a cantare)

Sì..., sì... T’intendo, oh, canta!
Sì, sì... le vedo passar laggiù lontan,
le Dot dell’altra sera.
Sorridon tutte, e sono tutte belle,
tutte pure e fedeli!
Oh Dot! Oh Dot!
Che mai facesti, oh Dot!
JOHN
¡Una prueba, una prueba!
¿Es que no tengo la prueba?
¿Acaso no la he visto?
¡Ella, mi Dot,
ella, suave y pura,
que así yo la creía,
ella me mentía!
¡Su dulce sonrisa,
sus costumbres graciosas y tiernas,
las caricias y los besos,
todo era mentira!
¡El ídolo adorado de mi corazón,
de mi alma, está roto,
y rota está toda mi vida!

(Cae sollozando sobre la silla.
Luego se levanta, ceñudo y sombrío)

Pero aquel hombre, ¿quién será?
¡Estúpido, yo yazgo aquí, sollozando
como un niño cobarde, cuando ellos
estarán burlándose de mi llanto!
¡Oh, basta de delirar en vano!
Es la hora de actuar.

(Con vehemencia, amenazante)

Y tú, extranjero infame,
ladrón de mi amor,
de toda mi alegría,
tú, que me has convertido
en un hombre desesperado,
¡teme! ¡Sí, teme por ti!

(Descuelga el fusil de la pared y va a salir. El grillo empieza a cantar, y John, de mala gana, se detiene)

¿Y tú qué quieres?
“Detente”, parece decir.
¿Y para qué?
¿Para oir tus cantos mendaces?
¡Ah! ¿Tú también te ríes de mí,
como ella? ¡Pues toma!

(Agarra un objeto de la chimenea
y lo arroja al hogar)

¡Calla! ¿Yo lo hubiera matado?
¡Oh, qué silenciosa está la sala!
¡Fría, fría me parece, y vacía
de todo cuanto amé!

(Baja el fusil y se acerca a la chimenea)

Sigue cantando, pequeño grillo,
háblame de ella, de su nombre...
¡Sí, dímelo, si eres fiel!
¡Haz que sienta tu canto
de mi angustia en esta hora,
en esta hora de llanto!
¡Por piedad, canta, sigue cantando!

(El grillo vuelve a cantar)

Sí..., sí... ¡Te escucho, oh, canta!
¡Sí, veo pasar allí lejos,
las Dots de la otra noche!
Todas sonríen, y todas son bonitas,
todas puras y fieles!
¡Oh, Dot! ¡Oh, Dot!
¡Qué has hecho, Dot!

Entra Tackleton, vestido de novio. Antes de ir a la iglesia, donde ha de casarse dentro de una hora, ha decidido pasar por casa de John para hurgar en la herida. Le dice que, desde hacía tiempo, ya sospechaba de Dot. Pero John reacciona de manera imprevista: “¡Al que hable mal de Dot lo estrangulo con mis propias manos!”. Tackleton no lo entiende. El buen cochero ha reflexionado y ha llegado a una dolorosa conclusión: Dot merecía a alguien mejor que él. En el colmo de la desolación, John se culpa a sí mismo de todo lo sucedido. Tackleton, a quien no le gusta el sesgo que ha tomado la conversación, recuerda que se tiene que casar dentro de un rato y se va. John le acompaña.

Entra Dot, y casi a continuación Caleb y Berta. Tras un breve intercambio de frases, Dot decide que ya está bien de tener engañada a la joven ciega, y para terror de su padre, le cuenta la verdad sobre su mísero estado. Berta, comprendiendo la buena intención de Caleb, le perdona. Hecha esta buena acción, Dot acomete la siguiente: les anuncia que cuando el reloj dé la hora, llegará un misterioso huésped. Este no es otro que Edward, que viene acompañado de May, ya convertidos en esposos.

Edward se da a conocer a su padre y hermana, y les anuncia que se acabaron las privaciones, pues ha vuelto rico. Cuando John regresa, el propio Edward le cuenta la verdad: no había ningún viejo vagabundo, y todo lo que ha pasado se ha debido a la ayuda que le ha prestado Dot. Avergonzado, John pide perdón a su mujer y la reconciliación es inmediata. En esto regresa Tackleton, sofocado porque ha venido corriendo. ¡Viene a buscar a May, pues ya son las once y llegan tarde a la iglesia! El tunante se queda pasmado cuando se entera por la propia May de que hace una hora que ya es la esposa de otro. Berta, enamorada aún de Tackleton, acude a consolarle. Con todo aclarado y los personajes felices (Tackleton no tanto, pero los cariños de Berta permiten entrever que ahí se cuece algo que también va a llegar a buen puerto), suena un himno procedente de la iglesia y concluye la ópera.

Loge
May 24th, 2013, 05:48 AM
HARICLEA DARCLÉE

http://imageshack.us/a/img31/9923/darclee.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/31/darclee.jpg/)

Nacida en el seno de una familia de alcurnia venida a menos, Hariclea Haricli, más tarde conocida profesionalmente como Hariclea Darclée, (1860 – 1939) se casó con un oficial del ejército, contra la voluntad de sus padres, que aún no habían asumido su decadencia y soñaban para ella con un matrimonio de más altos vuelos. Hariclea acompañó a su marido a los cuarteles y guarniciones a los que iba siendo destinado, pero pronto comprendió que aquella unión no le hacía feliz, y a los 26 años, estando embarazada, lo dejó y se fue a París a vivir por su cuenta. Logró ser aceptada en el conservatorio que dirigía Duvernois, quien la fue preparando para debutar en la Opera Comique.

Aquí intervino la casualidad. La Opéra de París estaba a punto de representar por 200ª vez el “Faust” de Gounod, y quiso lucirse con una producción especial para la ocasión. Un miembro de la Junta Directiva de la Opéra, Pierre Gailhard, fue al conservatorio a ver si había alguna soprano aceptable que pudiera representar el papel de Julieta. Gailhard no quedó satisfecho con ninguna de las cantantes que se le presentaron, pero de repente, oyó la voz de Hariclea dando su clase detrás de una puerta. Gailhard entró y, a la vista y oído de lo que ofrecía aquella joven rumana, le gritó a Duvernois: “¿Es usted tonto? ¡Sabe que estoy desesperado buscando una Julieta y no me presenta esta hermosa voz!”

Al día siguiente realizó una audición ante Charles Gounod. El viejo maestro lloró después de oirle cantar su música. Aunque apenas tenía experiencia escénica, fue contratada en el acto, lo que desató envidias y celos entre sus colegas. Algunas cantantes conspiraron contra ella y la dirección decidió sustituirla por Adelina Patti en el último momento.

Se frustró, pues, el debut con “Romeo y Julieta”. Pero el paso importante estaba dado: Gounod y los directivos de la Opéra habían oído su voz. Y eso le permitió debutar el 14 de diciembre de 1888 con otra ópera del maestro: “Faust”. En los affiches, su apellido ya no era Haricli, sino Darclée. Además, se tomó su venganza, servida bien fría, cuando Adelina Patti (que había sido recibida con una fuerte oposición por los críticos parisinos) enfermó y el director le pidió a toda prisa que la sustituyera en el “Romeo y Julieta”. Hariclea lo hizo, pero persistía su frustración por habérsele robado la premiére de “Romeo”, y por eso, una vez cumplidas sus obligaciones contractuales, no quiso continuar con la Opéra de París y dejó la compañía.

Con ello, Darclée empezó un periplo de constantes giras y viajes, que no terminó hasta su última aparición, en 1918. En los casi 30 años que hubo enmedio participó en tantos estrenos absolutos (y cuando no eran estrenos mundiales lo eran en el país en que estuviera) que es uno de los cantantes que con más justicia puede llevar el título de “Creadora del verismo”. La lista es impresionante.

Estrenos mundiales:
“Cóndor” (“Odalea”), de Gomes, en 1981
“I Rantzau”, de Mascagni (1892)
“La Wally”, de Cilea (1892)
“Ero e Leandro”, de Mancinelli (1897)
“Iris”, de Mascagni (1898)
“Tosca”, de Puccini (1900)
“Amy Robsart”, de De Lara (1893)
“Enoch Arden”, de Catargi (1906)

Estrenos en determinados países:
“El Cid”, de Massenet (Italia, 1891)
“Manon”, de Massenet (España, 1894)
“Pagliacci”, de Leoncavallo (España)
“La bohème”, de Puccini (Argentina y Uruguay)
“Zazá”, de Leoncavallo (Argentina y Uruguay, 1902)
“Thaïs”, de Massenet (España, 1906)
“Prosperine”, de Saint-Säens (Portugal, 1914)


Además, participó en la primera representación fuera de Rusia de “La vida por el Zar” (1890), en la segunda representación de “L’Amico Fritz”, el importante revival en Italia de “Saffo” de Paccini (1911) y la histórica representación en Italia de “Rosenkavalier” (1911) Su actuación final, en 1918, fue en el segundo acto de la ópera que debería haber supuesto su debut, casi 30 años antes: “Romeo et Juliette”.

Desgraciadamente, parece que Darclée tuvo problemas económicos en sus últimos años. Perdió casi toda su fortuna durante la I Guerra Mundial y gastó lo que le quedaba en la carrera de su hijo Ion Hartulari como compositor de operetas. Supuestamente, trabajó como taquillera en el último año de su su vida.

Desde 1995 se organiza en su ciudad natal un concurso de canto bianual que lleva su nombre.

Hariclea Darclée realizó muy poquitas grabaciones (se cree que alrededor de diez arias) para Fonotipia, cuyo rastro se perdió durante la guerra.

En youbute tenemos este vídeo donde canta “Vai Mindruto” de I Rantzau, de Mascagni. La fecha que da es 1926, pero no sé si es correcta, ya que, por lo poco que he encontrado al respecto, las grabaciones de Fonotipia fueron hechas en 1905.



http://www.youtube.com/watch?v=joubcLWyeys


Ya en la sesentena, grabó dos breves canciones populares:



http://www.youtube.com/watch?v=h4hJ6-wXuwE



http://www.youtube.com/watch?v=yPWODz4Ie6s


Y curiosamente, con tan escasos registros discográficos, hay una película sobre su vida:



http://www.youtube.com/watch?v=obed1ZQtkXU


Se puede ampliar información en la página oficial:
http://www.darclee.com/

Schigolch
June 10th, 2013, 08:33 PM
http://www.peoples.ru/art/theatre/opera/soprano/gemma_bellincioni/bellincioni_1.jpg

Gemma Bellincioni fue una de las divas del verismo, celebrada tanto por su voz, como por sus facultades como actriz (tal vez, incluso un poco más valorada en este segundo apartado). Ella fue la primera Santuzza, junto a su marido, el tenor Roberto Scagno, que cantaba Turiddu. También fue la primera Fedora, en la ópera de Giordano.

Curiosamente, podemos escucharla en ambos roles, en grabaciones del año 1903, cuando la Bellincioni contaba con 39 años de edad.


http://www.youtube.com/watch?v=f9bF-1T4UGs


http://www.youtube.com/watch?v=26Sj_-k7fzc

Schigolch
June 17th, 2013, 09:46 AM
Un youtube del poco usual título de Alfano, Il dottor Antonio, una obra compuesta en 1941, pero que no pudo estrenarse hasta 1949. Esta grabación es desde el Teatro de la Scala, en 1953:


http://www.youtube.com/watch?v=971D9p9DNVk