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View Full Version : Opera contemporánea



Schigolch
December 6th, 2011, 10:58 AM
En este hilo debatiremos sobre ópera contemporánea, la ópera que se compone en nuestros días.

Naturalmente, la pregunta es: "¿cuál es el límite temporal para "nuestros días"?.

Propongo que consideremos el año de 1980 como frontera. Esto nos da más de treinta años, y es un tiempo razonable para un género que tiende más bien a pensar en siglos.

Algunos aficionados no siguen las últimas novedades. O incluso piensan que sólo se compone ópera 'atonal', 'vanguardista',... Veremos que esto no es así, ni mucho menos. Hay suficientes nuevas óperas para que casi todo el mundo encuentre alguna con la que disfrutar, sea cual sea su gusto personal.

http://www.acanthes.com/images/manoury.jpg

Philippe Manoury, (Tulle, 1952) es un compositor francés que vive en Estados Unidos, y ha obtenido bastante éxito en su carrera. Ha trabajado tanto con música electrónica, como con orquestas acústicas de gran tamaño.

En Opera, su obra más conocida es K, estrenada el año 2001 en París. Se trata de una ópera de corta duración, que ha ganado varios premios en Francia. Está basada en la novela de Kafka, El Proceso, y su escucha es realmente interesante:



http://www.youtube.com/watch?v=fAN8321MMKY

Este año de 2011, Manoury ha estrenado su cuerta ópera, La Nuit de Gutenberg, en Estrasburgo:

http://www.webthea.com/local/cache-vignettes/L299xH450/A_NUIT_DE_GUTENBERG_photo_Alain_Kaiser_0069-2-d0345-eaad0.jpg

La escritura instrumental resulta atractiva, pero en este caso el tratamiento vocal no pasa del ya manido 'sprechgesang' para los cantantes masculinos, y la soprano de coloratura con agudos en la estratosfera, para las señoras.

http://www.dailymotion.com/video/xlc...-annonce_music

Luiz Gazzola (Almaviva)
December 6th, 2011, 09:00 PM
Por supuesto, hay óperas contemporáneas con mucho impacto melódico. L'Amour de Loin es un ejemplo, así como Ainadamar.

Schigolch
January 18th, 2012, 04:02 PM
Bernard Herrmann, compositor que conoció un enorme éxito en sus bandas sonoras para el cine, tenía un afecto especial por una de sus obras, que él consideraba la mejor, "the closest to my heart". Se trata de la ópera Wuthering Heights.

Basada en la novela de Emily Brontë, y con libreto de la guionista Lucille Fletcher, a la sazón esposa de Herrmann, la ópera nunca pudo representarse en vida del compositor. El propio Herrmann pagó de su bolsillo una grabación completa, en 1966, pero los empresarios teatrales le exigían cortes en la partitura, y un nuevo final, a lo que Herrmann se negaba rotundamente.

Tras el fallecimiento de Herrmann, tuvo lugar el estreno escénico de Wuthering Heights, pero, irónicamente, lo hizo en una versión mutilada en más de cuarenta minutos, y con un final cambiado.

Por fin, en Abril del 2011, en la Minnesota Opera, se ha representado la ópera tal y como la concibió su autor. Sin duda, para Herrmann éste hubiera sido el auténtico estreno, el que tanto le hubiera gustado ver en vida.


http://www.youtube.com/watch?v=OQHFwLslTTk


http://www.youtube.com/watch?v=AmkqRkHndYQ

La obra en sí, amerita sin duda una audición. Y varias, también. ¿Lo mejor de Herrmann?. Probablemente.

Schigolch
March 8th, 2012, 02:13 PM
http://www.bruceduffie.com/pmds.jpg

Roger Sessions nació en Nueva York en 1896. Fue un niño prodigio, ingresando en la Universidad de Harvard a los 14 años y graduándose a los 18. Toda su actividad estuvo dirigida a la música, siendo por muchos años crítico y profesor. Para completar su formación musical residió en Europa desde 1925 hasta 1933, trabando amistad con músicos como Otto Kemplerer y Alban Berg. A la vuelta a USA se estableció en Princeton, donde, salvo un breve periodo en Berkeley, permaneció como profesor durante casi 50 años. Ya en las postrimerías de su vida, recibió el premio Pulitzer en 1982 por su última composición, Concerto for Orchestra. Tres años después, Sessions fallecía en Princeton.

Las composiciones de Sessions fueron evolucionando a lo largo de su vida: en su primera etapa eran claramente tonales, pero pronto empezaron a cambiar a un estilo muchas veces clasificado como “Neo-clásico”. Sin embargo su periodo más interesante empieza a partir de 1951, cuando adoptó el serialismo y es al que pertenecen las dos piezas operísticas elegidas para la viñeta.

Algunas frases de Sessions:

But communication is two-sided - vital and profound communication makes demands also on those who are to receive it... demands in the sense of concentration, of genuine effort to receive what is being communicated.

Este es el principal problema de la música contemporánea….

What we ask of music, first and last, is that it communicate experience - experience of all kinds, vital and profound at its greatest, amusing or entertaining at another level.

I have sometimes been told that my music is 'difficult' for the listener.

Montezuma (1963) Opera en tres actos.

http://www.lib.odu.edu/musiclib/exhibits/FromPentoPage/16th18thImages/Montezumasmx.jpg

The Idyll of Theocritus (1954) Opera en un acto.

http://ec1.images-amazon.com/images/I/41VN724JNHL._AA240_.jpg

Schigolch
March 12th, 2012, 07:54 PM
http://www.weingarten-neue-musik.de/gallery/images/5/9_1_rihm.jpg

Wolfgang Rihm (nacido en Karlsruhe, en 1952) es uno de los más importantes compositores de la actualidad. Completó sus estudios bajo la dirección de Stockhausen y fue uno de los fundadores durante los años 70 del movimiento “die neue Einfachheit”, reacción contra el maximalismo de las vanguardias de postguerra. Además de Stockhausen, se reclama influido por la obra de Nono y Lachenmann.

El principal problema de Rihm es su excesiva productividad, que se traduce en un número importante de obras, en algunas de las cuales se resiente la calidad, y su constante revisitar de antiguas composiciones. Además de su obra operística, merece la pena destacar su integral de Cuartetos de Cuerda, la composición para orquesta de cámara Jagden und Formen y la versión para piano de Sphère.

En el plano operístico resaltan tres composiciones:

Jakob Lenz, ópera en un acto estrenada en 1979 sobre el poeta alemán del mismo nombre y basada en el drama de Georg Büchner.


http://www.youtube.com/watch?v=Pn5ov6dyF78

Algunas críticas:

Rihm's musical expression is evocative and captivating, not far removed from a dream-like world, with some very discrete references to German Romanticism. Talented performers and effective musical direction back this powerful and fascinating production

Une musique à l'écriture savante, libre et raffinée, qui trente ans plus tard, réaffirme sa force intrinsèque et son pouvoir d'émotion

En el punto de partida de esta ópera no sólo está la tradición expresionista sino también la más antigua tradición de las pasiones. Las piadosas líneas de Oberlin y del pequeño coro (4 mujeres y 2 hombres, más dos niños) parecen inspiradas en Bach; y en el relato en off que narra la deriva de Lenz (una especie de vía crucis en negativo, sin Dios) hay un eco del Evangelista.

El poderoso filtro de Rihm funciona incluso en la concepción instrumental, que se cierra sobre el grave: tres voces masculinas (bajo, barítono y tenor) y una pequeña orquesta de tres violonchelos, clarinete, oboe, fagot y contrafagot, trompeta, trombón, corno inglés, clave y percusión.


Die Hamletmaschine, 1986, ópera en un acto basada en la obra homónima de Heiner Müller, tal vez la obra más desoladora de esta era de desolación, ni siquiera redimida por la belleza, totalmente ausente de las ocho páginas que constituyen el libreto.

Die Eroberung von Mexico, 1991, ópera en cuatro actos sobre textos de Antonin Artaud dedicados a la conquista de Mexico y la relación entre la cultura nativa, representada por Moctezuma, y la europea, representada por Cortés.

http://operacritiques.free.fr/css/images/eroberung.jpg

Given the powerful elements of the drama, Rihm's music is strangely subdued, even enervating. The lead roles of Cortez and Montezuma are given periodically moving passages (Montezuma's role is sung by a soprano and an alto, as he embodies the female principle), culminating in the work's best moment at the very end as they sing a tragic duet, but the orchestral accompaniment is uniformly uninvolving

From the opening drum fugue, interspersed with shattering bursts from the chorus, to the beautiful duet at the conclusion, the music is dazzling

Schigolch
March 17th, 2012, 10:58 PM
http://www.musicweb-international.com/SandH/2000/june00/Nixon.jpg

En 1987, John Adams estrena Nixon in China, una de las mejores óperas escritas en la segunda mitad del siglo XX.

La visita del presidente Nixon a China para estrechar relaciones con el gigante asiático y formar un frente común contra Rusia, fue una memorable jugada diplomática y uno de los momentos álgidos de la Guerra Fría.


Los principales papeles son:


Richard Nixon --> Barítono
Pat Nixon --> Soprano
Zhou Enlai --> Barítono
Mao Zedong --> Tenor
Henry Kissinger --> Bajo
Jiang Qing (esposa de Mao) --> Soprano

La ópera, sin embargo, presenta los hechos (a través de un magnífico libreto de la poetisa Alice Goodman, basado en una idea original de Peter Sellars) como poco más que una visita social, sin mayores consecuencias, y se centra en la evolución de los personajes a lo largo de la semana que los americanos pasaron en conversaciones con los líderes chinos, y visitando algunas ciudades del país.

Así, Mao es un hombre frío, calculador. Zhou, un profeta, un hombre de complejo mundo interior. Nixon, una persona dubitativa, intentando aparentar una seguridad que no posee. Pat Nixon, es una típica esposa americana, Henry Kissinger, un ser sin escrúpulos y la esposa de Mao, una figura de hielo perdida en ensoñaciones de poder absoluto.

La combinación del libreto y la música de Adams, consigue una sensación casi de documental, de estar viendo algo mucho más remoto en el tiempo que 1972.

En el acto I destaca el aria de Nixon, "News has a kind of mistery". El acto II incluye una representación teatral dentro de la ópera, el ballet chino Destacamento rojo de mujeres, espléndidamente retratado por Adams y Goodman como una especie de pesadilla totalitaria, en una estética kistch. En el Acto III, los personajes meditan sobre sí mismos y su pasado, mientras en la mente del espectador se afirma la falta de contacto con la realidad, la sensación de sueño tenebroso e inútil que desprende toda la ópera.

Algunos fragmentos en youtube:

http://www.youtube.com/watch?v=5Tv3hrZmcEk

http://www.youtube.com/watch?v=6TcOAMmY8yY

http://www.youtube.com/watch?v=7i9OYdBXIuk

http://www.youtube.com/watch?v=LpMQeJmKK2w

http://www.youtube.com/watch?v=5jr0i_4jW9w

Schigolch
April 25th, 2012, 01:53 PM
Robert Ashley

http://electro-music.com/images/300/ashley01.jpg

Autor de una música electrónica en su mayoría, a ratos sorprendentemente melódica, a ratos repetitiva, con una exploración de las posibilidades de la voz hablada -casi diría mejor del recitado- realmente notable.

La amplia obra operística de Ashley es muy interesante, pero tal vez su obra más lograda sea Atalanta (Acts of God) (1982-1991):

http://images.borders.com.au/images/bau/MI000099/MI0000990869/0/0/plain/robert-ashley-atalanta-acts-of-god.jpg

es la primera parte de una trilogía y mezcla personajes de la mitología con tres personajes contemopráneos: el pintor Max Ernst, un cuentacuentos americano llamado Willard Reynolds que es real (y pariente de Ashley) y el pianista de jazz Bud Powell. O sea, la escena, el texto y la música: los tres componentes de un espectáculo operístico.

El final de la ópera:

Ashley - Atalanta (http://www.box.net/shared/ybhrg9hu9e)

Schigolch
April 29th, 2012, 04:48 PM
Lost Highway, de Olga Neuwirth (http://www.olganeuwirth.com/). Estrenada el 2003 en Graz, con el diseño de sonido y los live-electronics realizados en el IEM (http://www.iem.at/) (Institut für Elektronische Musik und Akustik), y con la ganadora del premio Nobel 2004 Elfriede Jelinek (http://ourworld.compuserve.com/homepages/elfriede/) (escritora, entre otros, del libro La Profesora de Piano, texto en el que se basaría Haneke para realizar su película La Pianista) como libretista.

Lost Highway ópera, como muchos sabrán, es una adaptación de la película que realizó David Lynch en 1997. Y, como la película, es también una pieza bastante complicada de analizar en profundidad, más que nada por la ambigüedad narrativa y los abundantes elementos de lenguaje musical/cinematográfico que son utilizados de una manera muy poco convencional.

A nivel musical la obra se ha construido partiendo de la base que no hay espacios delimitados, sino que todos ellos se mezclan: espacio interior (mente), espacio exterior (cuerpo), espacio temporal, etc. Para tratar precisamente esta falta de limitaciones, Neuwirth trabaja con unidades musicales muy concretas y con una significación muy clara, pero que se pueden mezclar entre sí, dando lugar a una nueva construcción musical. Así utiliza estas piezas y construcciones a modo casi de leitmotif, aunque más que repetición de un determinado fragmento lo que hace es repetir un tipo de sonido, de modo casi serialista. Resumiendo: dibuja los cuadros con elementos muy concretos, con un tratamiento minimalista, pero sin dejar de ser musicalmente muy expresiva.

En lo que refiere al planteamiento de las escenas Neuwirth abusa un tanto del material filmado de la película de Lynch, buscando casi siempre un análogo musical a la banda sonora o imagen de la película, llegando a transformar el Deranged de David Bowie que sale al inicio de la película en uno de esos concepto-serie mencionados, o utilizando un pequeño fragmento de la canción This Magic Moment de Lou Reed, o incluso apropiàndose de la estética industrial de la banda Rammstein y de Marilyn Manson para componer algunos fragmentos de la ópera.

Así, Lost Highway ópera constituye una obra muy similar a la película de Lynch, pero más abstracta a nivel linguística que ésta. Quizá es ahí donde radica la diferencia sustancial entre ambas, y donde Lynch consigue mejores resultados que Neuwirth. Tanto por dentro como por fuera, la película utiliza los elementos que la componen para transmitir una sensación, una idea, un concepto al espectador. En el caso de la ópera, por otro lado, Neuwirth se olvida a veces de buscar este significado, y se concentra sólo en la construcción de la escena.

Sea como sea, Lost Highway, tanto la película como la ópera, son logros muy interesantes.


http://www.youtube.com/watch?v=TF08H-uvBDc

Schigolch
May 5th, 2012, 05:21 PM
http://www.hmdt.org.uk/assets/icansing/jd_140_001.jpg

Jonathan Dove es un músico británico que ha compuesto ya varias óperas, además de bandas sonoras, piezas de cámara, otras formas de teatro musical... La pieza más conocida es tal vez su ópera Flight, estrenada en Glynderbourne, sobre un refugiado que vive en un aeropuerto (el mismo argumento que luego utilizó Spielberg en uno de sus últimos films). Tiene CD publicado:

http://ecx.images-amazon.com/images/I/51P64VQ4QTL._SS500_.jpg

Dove es un músico que privilegia la melodía, sus óperas tienen narrativa, busca la complicidad del espectador... Muchos aficionados de gustos "tradicionales" encontrarían de su gusto la obra.

Man on the Moon es una "television opera", la tercera de Dove. En los países anglosajones, desde los tiempos de Menotti y "Amdhal and the Night Visitors", ofrecer por Navidad el estreno de una ópera escrita para la televisión es una práctica consagrada. El 26 de Diciembre del 2006 Dove estrenó en Channel 4, Man on the Moon. Basada en el pograma Apollo, asistimos a los preparativos, el viaje y el aterrizaje del módulo lunar, junto a la intimidad familiar del astronauta Buzz Aldrin y su esposa Joan.


http://www.youtube.com/watch?v=mf5vRee3uSE

Buzz Aldrin: Nathan Gunn
Joan Aldrin: Patricia Racette
Jeannie Bassett: Ann Taylor
Audrey Moon: Lillian Watson
TV Host: Robert Tear
Dean Woodruff: Alan Oke
Mike Collins: Leigh Melrose
Neil Armstrong: Nicholas Ransley
Eugen Kranz: Mark Stone
Dee O'Hara: Mary Hegarty

Orchestra Pro Arte of London
Music Director: Brad Cohen

Schigolch
May 6th, 2012, 12:03 PM
http://img131.imageshack.us/img131/9356/philipglassbacktq3.jpg

Philip Glass (Baltimore, 1937) es uno de los compositores más conocidos de nuestro tiempo. Además de uno de los más prolíficos, habiendo frecuentado a lo largo de su carrera prácticamente todos los géneros y cruzando la barrera entre música "culta" y "popular".

En el plano operístico, la primera composición de Glass fue una colaboracion con el dramaturgo Robert Wilson titulada Einstein on the Beach, terminada el año 1975. Obra de grandes y fallidas ambiciones, de desmedida duración, contiene no obstante pequeñas gemas que merece la pena descubrir.


http://www.youtube.com/watch?v=ezOI3sPqWPU

Satyagraha, compuesta en 1979, está basada en la juventud de Mahatma Gandhi, y es probablemente la mejor ópera de toda la carrera de Glass. Con una orquesta reducida a cuerdas y maderas, 9 solistas y coro, cantada en sánscrito y una partitura mucho más expansiva de lo común en Glass, se trata de una obra clave para la ópera del siglo XX. Escuchamos el comienzo:


http://www.youtube.com/watch?v=wU7HcvfpMzQ

La siguiente aventura operística de Glass, constituye tal vez el punto de inflexión en su carrera hacia desempeños cada vez menos originales, más autoreferenciales y abiertamente rutinarios. Se trata de Akhnaten, finalizada en 1983, a la mayor gloria de la música "chillout".


http://www.youtube.com/watch?v=pHXgbJEMJAo

El resto de la nutrida carrera de Glass tiene cada vez menor interés....

Schigolch
May 8th, 2012, 10:17 AM
http://musicassociatesofamerica.com/madamina/encounters/images/matthus.jpg

Siegfried Matthus es un compositor alemán, originalmente de la República Democrática Alemana, nacido en 1934 y uno de los más prolíficos autores de nuestros días. Estudió con Hans Eisler, Bertolt Brecht y Walter Felsenstein. Su música empezó siendo atonal, prestando mucha atención a los aspectos rítmicos y armónicos. Con el tiempo, ha ido introduciendo pasajes escritos en un sistema de su invención, que recuerda bastante en ciertos momentos a la tonalidad.

Sólo en el apartado operístico ha escrito 13 óperas, las más importantes son:


Lazarillo von Tormes, de 1963
Die Weise von Liebe und Tod des Cornets Christoph Rilke, basada en la obra de Rainer Maria Rilke, de 1983
Judith, basada en el drama de Friedrich Hebbel, de 1984
Graf Mirabeau, de 1988
Die unendliche Geschichte, basada en la novela de Michael Ende, de 2004

Aparte del impacto mediático que tuvo en Alemania el estreno de Die unendliche Geschicthe, la ópera más conocida y celebrada de Matthus es sin duda Judith, que se ha estrenado también en Inglaterra, Holanda y Estados Unidos. Es una obra de gran interés, existe CD:

http://cover6.cduniverse.com/MuzeAudioArt/280/281753.jpg

Su más reciente creación, Cosima, estrenada el año 2007, trata sobre los últimos momentos de Friedrich Niestzche, que conversa en su imaginación con Cosima Wagner sobre su vida y su obra. Los duetos entre ambos protagonistas tienen una escritura vocal francamente buena. Hace citas musicales de las óperas de Wagner, alguna muy curiosa.


Un fragmento:


http://www.youtube.com/watch?v=j2qXs6XQqy8

Schigolch
May 9th, 2012, 09:03 AM
http://www.cirm-manca.org/images/artistes/faustoRomitelli.jpg

Fausto Romitelli (Gorizia, 1963 - Milán, 2004), ha sido uno de los músicos más originales de las últimas décadas. Fue admirador de Ligeti y Scelsi, y del espectralismo francés, especialmente de Grisey y Dufourt, que también influyeron notablemente en la música de Saariaho, cuya obra hemos comentado en este mismo hilo. En la base del 'estilo' Romitelli se encuentra pues la realidad física del sonido, la intención de proponer nuevas experiencias tímbricas y utilizar todo el espacio audible como un continuo. Apoyándose, claro, en técnicas electroacústicas. Además fue permeable a las influencias de la música popular, como es el caso del rock.

La obra más importante de Romitelli es, sin duda, Professor Bad Trip. Una de las experiencias sonoras más impactantes que he podido escuchar. Pero aquí nos concentraremos en su única ópera, que fue a la vez su testamento artístico: An Index of Metals, estrenada en 2003 y que ha viajado ya por media Europa, que une a la música una experiencia visual a la manera de Philip Glass en Koyaanisqatsi (aunque más abstracta y con mucho mejores resultados). El libreto no contiene una narración al uso, es más bien una sucesión de varios episodios dedicados a la transformación de los metales, en paralelo con las sensaciones que nos describe la soprano, y única vocalista. El universo interior, las alucinaciones, esas texturas de los metales que casi se pueden tocar mientras se escucha la obra, constituyen los verdaderos protagonistas.

Existe DVD (y CD), publicado:

http://www.diverdi.com/files/ag/16810/CYP5622._B.jpg

Escuchemos la música de Fausto Romitelli:


http://www.youtube.com/watch?v=0jkixcd0uE8

Schigolch
May 11th, 2012, 10:34 AM
Thomas Adès

http://www.classiquenews.com/images/articles/NsPASLamCA_Thomas_ades_05012007.jpg

THE TEMPEST (http://www.kultureflash.net/archive/195/images/tempest4_600x275.jpg) (2004)

Considerado como uno de los compositores jóvenes más prometedores, el compositor/pianista/director Thomas Adès (Londres, 1971) se ha labrado una reputación de prestigio internacional.

Uniendo influencias tan dispares como la música house y Brahms, Adès crea una gama de sonidos, texturas y ritmos que pretenden ser sofisticados, elegantes e interesantes. Así, el compositor británico, con el apoyo de la discográfica EMI y numerosos artistas del panorama musical británico (como Ian Bostridge, Simon Keenlyside, o Philip Langridge) ha ido presentando sus piezas por todo el mundo, ganando varios premios. La obra que hoy por hoy refleja mejor el peculiar universo compositivo del músico es la ópera The Tempest, dónde se unen la peculiar visión de Adès y muchos de los elementos que han ido marcando "su estilo".

Coproducida por la Copenhagen Opera House y la Opéra National du Rhin de Estrasburgo, The Tempest fue presentada mundialmente en la Royal Opera House de Londres el 10 de febrero del 2004. El 2005 fue presentada en Estrasburgo y Copenhagen, y un año más tarde (26/07/2006) en la Santa Fe Opera. El cast original (y que parte repetiría en algunas de las funciones posteriores) fue:

Prospero: Simon Keenlyside
Miranda: Christine Rice
Ferdinand: Toby Spence
Caliban: Ian Bostridge
Ariel: Cyndia Sieden
King of Naples: Philip Langridge
Antonio: John Daszak
Sebastian: Christopher Maltman
Trinculo: Lawrence Zazzo
Stefano: Stephen Richardson
Gonzalo: Gwynne Howell
Royal Opera House Orchestra and Chorus
Director: Thomas Adès

El libretto, de Meredith Oakes, está basado en la obra The Tempest de William Shakespeare. Queriendo reducir la extensión del texto para resaltar la esencia de la obra, la escritora construyó versos y rimas a partir del escrito original, pero sin eliminar completamente el texto de Shakespeare. Así, el fragmento

Full fathom five thy father lies
Of his bones are coral made;
Those are pearls that were his eyes

pasaría a ser

Five fathoms deep
Your father lies
Those are pearls
That were his eyes

Aparte de esto, hay algunas otras diferencias estructurales, tanto a nivel formal como a nivel de historia, entre las dos obras.


http://www.youtube.com/watch?v=hnMbYHm-WkU

Schigolch
May 13th, 2012, 10:22 AM
http://www.festivaldeubeda.com/portal/images/festival2007/14_golijov.jpg

Osvaldo Golijov es un compositor argentino, afincado en Estados Unidos, que ha recibido varios premios por su primera ópera: Ainadamar.

http://cover.universal-music.de/classics/graphics/200/028947761655.jpg

Ainadamar (2003) Fuente de lágrimas. Una ópera en tres imágenes

Libreto de David Henry Hwang

Ópera en un acto.

El estreno mundial tuvo lugar en el Festival de Música Contemporánea de Tanglewood el 10 de Agosto de 2003. El uso de diferentes estilos musicales es una característica de la obra de Golijov. En Ainadamar, la referencia más importante es al flamenco, en el uso de la guitarra y en algunos aspectos de las partes cantadas, especialmente en el personaje de Ramón Ruiz Alonso. La escena “Mariana, tu cuello” está compuesta a partir de una larga y lenta rumba, parecida al Bolero de Ravel. Los madrigales de Gesualdo se evocan en la escena de la detención, y la escena final está inspirada en parte por la música de la ópera Daphne de Strauss.

Estructuralmente Ainadamar es orgánica, todos los distintos hilos de tiempo y lugar se entrelazan fuertemente, cada escena es una continuación directa de la anterior. La balada que abre Mariana Pineda articula las tres secciones de la ópera. Esta repetición de la balada permite distinguir entre el tiempo real y el tiempo psicológico.


SINOPSIS:

PRIMERA IMAGEN: MARIANA

Teatro Solís, Montevideo, Uruguay, Abril de 1969. Voces de niñas pequeñas cantan la balada inicial de la obra de Lorca Mariana Pineda. La actriz Margarita Xirgu recuerda el pasado, hace 40 años que estrenó esta atrevida obra escrita por un prometedor joven autor. En los últimos minutos del último día de su vida intenta transmitir a su brillante pupila, Nuria, el fuego, la pasión y la esperanza de su generación que dio nacimiento a la República Española. Recuerda su primer encuentro con Lorca en un bar en Madrid.

Lorca le dice que la libertad de su obra no es sólo libertad política, y canta un aria rapsódica que abre el mundo de la imaginación, un mundo inspirado por la vista de la estatua de Mariana Pineda que vio cuando era un niño en Granada. Mariana fue como mártir en 1831 por coser una bandera revolucionaria y negarse a revelar los nombres de los líderes revolucionarios, incluído su amante. Su amante la abandonó, y ella escribió una serena carta de despedida a sus hijos explicándoles su necesidad de morir con dignidad.

Margarita reflexiona sobre los destinos paralelos de Mariana y Federico. El sueño desaparece por la llamada de Ramón Ruiz Alonso, el falangista que arrestó y ejecutó a Lorca en Agosto de 1936.

SEGUNDA IMAGEN: FEDERICO

La balada de Mariana Pineda suena de nuevo, recordándole a Margarita el verano de 1936, la última vez que vio a Federico. La joven República Española está siendo atacada: el levantamiento de generales de derechas ha comenzado, hay ataques y masacres a diario. La compañía de teatro de Margarita se va de gira a Cuba. Le suplica a Federico que vaya con ellos. Él decide regresar a Granada, para trabajar en nuevas obras y poesías.

Nadie conoce los detalles del asesinato de Lorca. Margarita tiene una visión de su hora final: el oportunista Ruiz Alonso arresta a Lorca en Granada y lo conduce al solitario lugar de la ejecución, Ainadamar, la fuente de lágrimas, con un torero y un profesor. Obliga a los tres a confesar sus pecados. Luego los fusila. 2137 personas fueron asesinadas en Granada entre el 26 de Julio de 1936 y el 1 de Marzo de 1939. La muerte de Lorca fue una señal para el mundo.


TERCERA IMAGEN: MARGARITA

Por tercera vez escuchamos la balada de Mariana Pineda. Una vez más la obra está a punto de comenzar, para contar la historia a los estudiantes latinoamericanos de Margarita. Margarita sabe que se muere. No puede hacer su entrada, otros deben continuar. Mientras muere, le cuenta a Nuria que un actor vive por un momento, que la voz individual del actor es silenciada, pero la esperanza de la gente no morirá. Los fascistas han gobernado España durante más de treinta años. Franco jamás permitió que Margarita Xirgu, la imagen de la libertad, pusiese el pie en suelo español. Margarita ha mantenido las obras de Lorca vivas en Latinoamérica mientras estaban prohibidas en España.

El espíritu de Lorca entra en la habitación. Toma la manos de Margarita y Nuria. Juntos entran en un ocaso de delirante y visionaria transformación. Margarita muere, pronunciando como últimas palabras las líneas finales de Mariana Pineda: Yo soy la libertad. Su coraje, su claridad y su humanidad se transmiten a Nuria, a sus estudiantes, a las generaciones posteriores. Canta “Yo soy la fuente de la que bebes”.



La obra alterna, pasajes instrumentales, corales, arias y recitativos; incorpora, a propósito del libreto, música de inspiración mora, gitana flamenca y latinoamericana; utiliza instrumentación clásica y moderna, incluyendo instrumentos electrónicos y "efectos especiales"; tiene pasajes festivos y momentos dramáticos.

Estructurada en torno a la repetición cíclica de la Balada de Margarita Pineda, que actúa como una especie de coro de tragedia griega, la obra enlaza una historia que se mueve en el tiempo y el espacio, en forma no lineal, acercándose al lenguaje cinematográfico de narración. De esta misma forma, hace uso de recursos musicales muy explícitos, para ambientar hechos y lugares geográficos... el sonido del agua, el galope de los caballos, los balazos, las transmisiones radiales. Así mismo conviven, en armonía, la heterogeneidad de las raíces culturales a las que alude... la morisca, la gitana, la cristiana...

Dawn Upshaw, y Kelley O’Connor (a pesar del acento, que no favorece al rol), sacan adelante su cometido, y también Jesús Montoya, en el flamenco, que es lo suyo...


Escuchamos el final de la ópera y el aria "Desde mi ventana":

Final (http://www.youtube.com/watch?v=sDJ0JOuSWts)

Desde mi ventana (http://www.youtube.com/watch?v=6Z7-k8O8lc8)

Schigolch
May 19th, 2012, 02:09 PM
No es ninguna sorpresa que Vincent Van Gogh sea uno de los artistas mas presentes en las artes dramaticas. Prescindiendo del valor de su pintura (ya suficientemente debatido en el Foro), las vicisitudes de su biografia hacen que sea objeto del interes de novelistas, dramaturgos, musicos,...

En el mundo de la Opera encontramos varias obras sobre Van Gogh. Sin ir mas lejos, acaba de estrenarse una en Estados Unidos, compuesta por Bernand Rands, como nos explica el propio compositor:

http://www.youtube.com/watch?v=XVq-_-MWzIA

Pero tambien ha habido acercamientos de Grigori Find (The letters of Van Gogh):

http://www.youtube.com/watch?v=j28PZbdGrtQ

o Rautavaara (Vincent)

http://www.youtube.com/watch?v=KowMeWki-iQ

Pero tal vez la mejor opera sobre Van Gogh hasta el momento sea, en mi opinion, la estrenada en Amsterdam en 1990, para celebrar el centenario del pintor, Un malheureux vetu de noir, obra de Jan van Vlijmen. (el titulo tiene una historia alambicada: procede de un poema de Alfred de Musset, cuyos versos recordo Van Gogh al contemplar el retrato de Alfred Bruyas, pintado por Delacroix).

Escuchamos el inicio de la opera:

Un malheureux vetu du noir - van Vlijmen (http://www.goear.com/listen/ccafd6b/opera1-vicn)

Schigolch
May 25th, 2012, 01:47 PM
Ya hemos comentado en otras ocasiones la imperiosa necesidad de renovar el repertorio, de estrenar nuevas composiciones (también de rescatar del pasado piezas injustamente olvidadas) para hacer de la ópera un arte vivo.

En ningún lugar como Estados Unidos se está avanzando tanto en este terreno. En los últimos 20 años se han estrenado más de 300 nuevas óperas en los teatros americanos, la mayoría de autores estadounidenses, pero también de compositores extranjeros. El estreno de una nueva obra es ya una parte integrante del negocio de la ópera en USA.

Muchas de estas nuevas óperas nunca entrarán a formar parte del repertorio, naturalmente. Como tampoco han entrado la inmensa mayoría de las óperas escritas en el siglo XVIII o el XIX. Pero unas cuantas han tenido apreciable éxito, y han sido objeto de reposiciones en Estados Unidos y también en Europa, Australia, Japón,...

Desde 1980 los mayores éxitos de la nueva ópera americana, según Opera America, han sido:

1981: Willie Stark de Carlisle Floyd (Houston Grand Opera)

1983: A Quiet Place de Leonard Bernstein (Houston Grand Opera)

1986: X — The Life and Times of Malcolm X de Anthony Davis
(New York City Opera)

1987: Nixon in China de John Adams (Houston Grand Opera)

1991: The Ghosts of Versailles de John Corigliano (Metropolitan Opera)
Atlas de Meredith Monk (Houston Grand Opera)

1992: The Voyage de Philip Glass (Metropolitan Opera)

1993: Esther de Hugo Weisgall (New York City Opera)

1994: Now Eleanor's Idea de Robert Ashley (Brooklyn Academy of Music)

1997: Jackie O de Michael Daugherty (Houston Grand Opera)
Amistad de Anthony Davis (Lyric Opera of Chicago)

1998: Little Women de Mark Adamo (Houston Grand Opera)
A Streetcar Named Desire de André Previn (San Francisco Opera)

1999: A View from the Bridge de William Bolcom (Lyric Opera of Chicago)
The Great Gatsby de John Harbison (Metropolitan Opera)
The Merchant and the Pauper de Paul Schoenfield (Opera Theatre of St. Louis)

2000: Dead Man Walking de Jake Heggie (San Francisco Opera)

2003: Madame Mao de Bright Sheng (Santa Fe Opera)

2004: A Wedding de William Bolcom (Lyric Opera of Chicago)

2005: Lysistrata de Mark Adamo (Houston Grand Opera)
Margaret Garner de Richard Danielpour (Michigan Opera Theatre)
Doctor Atomic de John Adams (San Francisco Opera)

2007: Appomatox de Philip Glass (San Francisco Opera)

Vamos a comentar la obra de un autor que ha colocado sus dos óperas en esta lista. Se trata de Mark Adamo:

http://i136.photobucket.com/albums/q193/jessandant/adamo_180.jpg

Nacido en 1962, Adamo saltó a la fama en 1998 con el gran triunfo que supuso el estreno de su primera ópera, Little Women, basado en la novela de Louisa May Alcott. Además de su éxito con el público, Adamo fue capaz también de convencer a la mayoría de la crítica. La ópera se ha estrenado, después de su 'prémière' en Houston, en Minneapolis, Nueva York, Philadelphia, Cincinnati, Boston, Sydney, Nagoya... Tiene CD publicado:

http://ecx.images-amazon.com/images/I/51yRh%2BqbN0L._AA240_.jpg


http://www.youtube.com/watch?v=ktQebI1w6f4

En el año 2005, Adamo estrena Lysistrata. Basada en Aristófanes y con libreto del compositor, esta ópera cómica no ha tenido un éxito tan fácil e inmediato como la deliciosa, pero mucho más convencional, Little Women. No obstante, es de notable calidad y trata de aunar todas las referencias musicales que habitan el imaginario de su autor: las óperas de Gian Carlo Menotti (la historia sentimental de Adamo, ligado al también compositor John Corigliano, guarda una asombrosa similitud con la del propio Menotti y Samuel Barber), el vaudeville, el musical estilo Broadway, el jazz,.... tal vez demasiados ingredientes para una sola marmita. Pero tiene momentos realmente muy buenos, sobre todo el papel de Lysistrata.


http://www.youtube.com/watch?v=HEPOucypEDI

Por último, no me resisto a citar algunas opiniones de Adamo, que además de compositor es un apasionado espectador de ópera, acerca del papel que juega el director de escena hoy en día, sobre todo en Europa:

Isn't it time, for example, to entertain the notion that the best way for opera to face today's world is not to impale Violetta Valéry with a dirty syringe and dump her on the Lower East Side or in Brixton — all while Verdi's 19th-century orchestra flails away — but to commission a new Camille from, say, Kaija Saariaho?

Commissioning that new piece then frees a director to stage La traviata as written: in the 18th century (or, arguably, in the 19th, as Verdi had planned to set it in his own time but was forbidden by censors to do so). In other words, isn't it time for artists and opera companies to intelligently distinguish between their creative and their curatorial responsibilities?

Isn't it time, as well, to challenge directors to define their art as something more than revisionist set design? Placing Don Giovanni in 1920s Newport may excite the costumer, the program annotator, and the overworked freelance writer looking for a hook on which to hang his preview piece for the Sunday New York Times Arts & Leisure section. But dressing Leporello in Beau Brummels rather than breeches isn't the same as deeply understanding how characters are expressed in music and text, guiding a cast to realize those characters, and designing stage pictures and patterns that arise from, not merely frame, those characters' interplay. This is a more thankless job in opera than in the spoken theater, because the opera composer is really the director. He's made so many non-negotiable choices about the pacing, interpretation, and emotional temperature of any given scene that there's less room for a director to make the decisions that really color the performance of a play. This, however, is not Mozart's problem. Want more interpretive room? Direct plays: they're more flexible documents. Plan to direct opera? First admit that the score (at least from the 18th century onward) has done much of your work.

Schigolch
July 12th, 2012, 09:53 AM
http://www.themodernword.com/gabo/images/catan.jpg

El recientemente fallecido Daniel Catán, se ha convertido en el músico hispano más considerado en el ambiento operístico de Estados Unidos. La música de Catán es francamente neotonal, escrita teniendo como referencia más a Puccini o Strauss, que a todo el lenguaje musical que se ha desarrollado durante los últimos 80 años.

No se le puede negar una interesante vena melódica, y su inventiva tímbrica, pero en conjunto sus obras no acaban de despegar, de encontrar su razón de ser, más allá del placer de su primera escucha, de incierta repetición a partir de la segunda.

Catán estrenó en el 2009 la ópera Il Postino, comisionada por la ópera de Los Angeles y cantada por Plácido Domingo, sobre la relación entre Pablo Neruda y su cartero, ya llevada al cine.


http://www.youtube.com/watch?v=pnXeeEG3GSY

Las andanzas operísticas de Catán comienzan en 1994 con la obra Rapaccini's daughter, sobre textos de Hawthorne y Octavio Paz, y libreto de Juan Tovar. Tal vez su obra musicalmente más lograda, se expresa a través de un neoromanticismo no exento de alguna sorpresa y un notable uso del cromatismo. Nada que no hayamos escuchado antes, pero interesante.

Existe CD:

http://ecx.images-amazon.com/images/I/51TCJ2KP3YL._SL500_AA240_.jpg


http://www.youtube.com/watch?v=1_koSMo0c6g


Su mayor éxito llegó con Florencia en el Amazonas, inspirada en las novelas de García Márquez. Se estrenó en 1996 en Houston, siendo recibida de forma entusiasta por el público y, en menor grado, la crítica. La ópera ha sido estrenada en otros teatros USA. Apostando sin reservas por la melodía y el canto clásico (desde un resultón arioso hasta arias y ensembles de sabor casi decimonónico), olvidado ya cualquier atisbo de contemporaneidad.

También está disponible en CD:

http://ecx.images-amazon.com/images/I/41VFSPYQABL._SL500_AA240_.jpg


http://www.youtube.com/watch?v=nyqY19eKqJ4

El año 2005 se estrena Salsipuedes, una especie de 'slapstick' que a duras penas se levanta por encima de un musical de Carmen Miranda.

Schigolch
July 30th, 2012, 06:26 PM
http://www.compositiontoday.com/articles/harvey.gif

Jonathan Harvey (Warwick, 1939) es un músico británico de reconocido prestigio que ha compuesto hasta el momento tres óperas. La mayor parte de su obra muestra su interés por la música electrónica, y por las enseñanzas de su maestro Stockhausen, pero también ha compuesto obras que se podrían calificar como 'tonales', particularmente sus piezas corales.

En parte, también se encuentra presente en su primera ópera, Passion and Resurrection, escrita como un 'oratorio sacro del siglo XX'. Tiene editado CD:

http://ecx.images-amazon.com/images/I/31E8CXCD2EL._AA240_.jpg

El año 2007 se estrenó en Luxemburgo y Holanda su tercera incursión en el género: Wagner Dream.

Curiosamente, se ha comentado en la ópera del mes la influencia de determinados conceptos budistas en Parsifal. Harvey y su libretista Carrière parten de esas referencias budistas en Wagner y la intención del compositor alemán de escribir una ópera totalmente basada en temas budistas (ignoro si es cierto este punto), concretamente en la historia entre el paria Prakriti y la monja Ananda.

La agonía del compositor (Wagner) le hace delirar y tiene visiones de esa ópera que nunca completó. La ópera va y viene entre la habitación del Wagner moribundo y las vicisitudes de los personajes indios que imagina.

Debo decir que, tras escuchar la obra en dos ocasiones, me parece una de las creaciones más interesantes en lo que llevamos de siglo.


http://www.youtube.com/watch?v=sBY3qJ9UU6U