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View Full Version : Fichas de Operas



Schigolch
January 27th, 2012, 04:44 PM
MESSIAEN: SAN FRANCISCO DE ASIS

Sobre el autor:

Autor: Oliver Messiaen (Avignon, Francia, 10 de Diciembre de 1908 – Clichy, Francia, 27 de Abril de 1992) Hijo de un profesor de literatura y una poetisa, Messiaen entró en el conservatorio a los 11 años. Allí pasó una década, estudiando órgano y composición. A los 22 años de edad, obtuvo el puesto de organista en la iglesia de La Trinité, donde estuvo más de cuarenta años. A partir de 1947 enseñó también música en París, donde fue maestro de Boulez y Stockhausen, entre otros. Era un hombre de profundas creencias, católicas en su caso, que también se traducen en su obra, con gran presencia de temática religiosa. En 1944 publica una obra teórica de gran interés, "Technique de mon langage musical", de inexcusable lectura para todo el que esté interesado en su arte. En esta obra Messiaen, un gran admirador de Debussy, identifica su propio estilo basado en lo que denomina “modos de transposición limitada”. Usa la escala cromática dividiendo las 12 notas en grupos simétricos. Por transposiciones ( subir o bajar un semitono ) van variando los modos, hasta volver al modo inicial. Los modos se pueden aplicar a la armonía, la melodía,…El primer modo identificado por Messiaen, con 6 grupos de 2 notas, surge directamente de su admiración por Debussy, en cuya música se encuentra a menudo. Este sistema permitió a Messiaen prescindir del sistema tonal tradicional, sin necesidad de emplear por ello las técnicas dodecafonistas. Otro concepto fundamental para él son los “ritmos no retrogradables”, que el propio Messiaen define como: “imaginemos un ritmo a nuestra izquierda y a nuestra derecha, una imagen especular exacta. En el centro, la combinación de ambos ritmos produce un ritmo constante”. Además Messiaen integra muchas más influencias en su amplia obra: el canto de los pájaros, la música hindú, el gamelán indonesio, el canto gregoriano,… Incluso experimentó con el serialismo durante una breve etapa. Estaba muy interesado en los aspectos rítmicos y tímbricos, por ejemplo, con el famoso instrumento conocido como Ondas Martenot.

Época del autor: siglo XX

Otras óperas del compositor: ninguna

Sobre la ópera:

Estreno: París, 28 de Noviembre de 1983

Características de la Obra: Ópera en tres actos

Génesis de la obra: Messiaen completó su única ópera cuando ya contaba con 76 años de edad y se le había considerado siempre como totalmente indiferente al género operístico. Sin embargo, San Francisco de Asís representa la culminación de la obra de Messiaen y a la vez su testamento espiritual. El progreso dramático, el sentido teatral, se sacrifican en favor de una exposición casi ritual que se va desplegando en escenas de un gran estatismo y serenidad. La Opera de París encargó la ópera a Messiaen; su duración y los enormes recursos orquestales y corales que necesita han restringido su difusión.


Libreto: Olivier Messiaen

Argumento:

San Francisco y el Hermano León debaten la importancia del sufrimiento para la Fe. San Francisco confiesa su miedo a la fealdad y en especial a la lepra, que combate con la oración. Se encuentra con un leproso, a quien predica resignación. Un ángel canta el Amor de Dios, San Francisco abraza al leproso que se cura milagrosamente.

Un visitante llega al convento y es tratado con indiferencia hasta que el Hermano Bernardo se da cuenta que es un ángel enviado a hablar con San Francisco. Cuando el santo encuentra al angel tiene una visión celestial y cae desmayado. San Francisco predica a sus pequeños hermanos los pájaros sobre la Bondad de Dios y el Abandono a Su Voluntad.

San Francisco está en las puertas de la muerte y se ha recluido en una cueva viviendo la vida de un anacoreta. Reza suplicando la Bendición del Señor y recibe los Santos Estigmas. Se despide de la congregación y muere. El escenario se ve inundado por una luz blanca, purísima.

Momentos Destacados:

- Interludios orquestales
- Acto I: J'ai peur, sur la route
- Acto II: L'Ange Musicien
- Acto III: Seigneur, accorde-moi deux grâces

Grabaciones recomendadas:

Saint François d'Assise: van Dam, Upshaw, Merritt, Aler - Hallé Orquesta, Coro Schönberg - Dir.: Kent Nagano - Deutsche Gramophon

Qué esperar de la obra: No se trata de una ópera al uso. Su falta de progresión dramática y su estatismo la hacen difícil de abordar. Sin embargo, se cuenta una hermosa historia: el viaje espiritual de San Francisco hacia la Gracia. La obra se estructura en 3 actos y 8 escenas cerradas, cada una aspirando (en palabras de Messiaen) a representar partes de un tapiz renacentista; tienen sentido en sí mismas, pero juntas adquieren un nuevo, y más profundo, significado. La música es de calidad excepcional, combinando todos los recursos que tanto adoraba su autor. Requiere una orquesta de 120 músicos y un coro de 150 cantantes. La melodía, tal y como la entendía Messiaen, domina la obra y especialmente los pasajes de San Francisco. Los dos interludios orquestales: la danza del leproso y el canto de los pájaros,están entre las páginas instrumentales más bellas de la historia de la ópera.

Una obra para la eternidad.



http://www.youtube.com/watch?v=E5qtk-yvHvc

Schigolch
January 27th, 2012, 09:03 PM
BERG: LULÚ


Sobre el autor:

Autor: (Viena, 9 de Febrero de 1885 – Viena, 24 de Diciembre de 1935) Berg era miembro de una acomodada familia de Viena. Empezó a componer a la edad de 15 años, aprendiendo música de forma autodidacta. En 1904 comenzó sus estudios con Arnold Schönberg; en los siguientes siete años aprendió contrapunto, armonía y composición. Una de sus primeras composiciones, las Sieben frühe Lieder, fueron su presentación como músico. La influencia de Schönberg sobre Berg fue muy grande, siendo grandes amigos hasta la muerte del compositor. Además, junto a Webern y el propio Schönberg, forma la llamada Segunda Escuela de Viena, origen del atonalismo y el dodecafonismo. Berg formaba parte de la élite cultural de Viena, alternando en su círculo con músicos como Zemlinsky y Schrecker, el pintor Klimt, el arquitecto Loos,... En 1911 contrae matrimonio con la joven heredera Helene Nahowski. De 1915 a 1918 sirvió en el ejército austríaco durante la Gran Guerra y empezó a trabajar en su ópera Wozzeck. La representación de tres fragmentos de Wozzeck en 1924 fue el primer éxito de Berg, la ópera completa se estrenó en Berlin en 1925. Además de Wozzeck y Lulú, la pieza más conocida de su repertorio es el Concierto para Viloín, “ A la memoria de un ángel”, compuesto en honor de Manon, la hija de Walter Gropius y Alma Schindler, fallecida en su infancia. Berg murió en 1935 de una septicemia causada por una picadura de insecto. La consideración crítica sobre su obra no deja de crecer, siendo considerado uno de los más importantes compositores del siglo XX.


Época del autor: expresionismo alemán

Otras óperas del compositor: Wozzeck

Sobre la ópera:

Estreno: Stadttheater de Zürich, 2 de Junio de 1937 Versión en 2 actos.
Opera Garnier de Paris, 24 de Febrero de 1979 Versión en 3 actos

Características de la Obra: Ópera en un prólogo y tres actos

Génesis de la obra: El escritor alemán Franz Wedekind creó dos obras de teatro con el personaje de Lulú, femme fatale por excelencia. Berg hizo una adaptación bastante fiel del texto de Wedekind, manejando perfectamente la dificultad de utilizar muchos personajes distintos en la ópera. En la composición se utiliza una amplia panoplia de recursos musicales, tanto estructurales como en el empleo de leitmotifs. Pasajes con una orquestación densa suceden a otros que parecen sacados del cabaret.Todo ello, empleando técnicas dodecafónicas, que sólo en una escucha atenta se revelan. La primera impresión del tapiz orquestal de Lulú es de una riqueza infinita, un universo de sonido que envuelve y arropa al oyente.A la muerte de Berg, faltaba casi toda la orquestación del último acto. Tanto Schönberg como Weber se negaron a terminarlo y, a la muerte de la viuda de Berg, Friedich Cerha completó la obra.



Libreto: Alban Berg, basada en obras teatrales de Franz Wedekind


Argumento:

El domador presenta varios animales; Lulú es una serpiente.El pintor retrata a Lulú e intenta seducirla. El marido de Lulú entra y sufre un infarto al verlos, muriendo en el suelo. El pintor posee a Lulú.El amante de Lulú, el Dr. Schön, la obliga a casarse con el pintor, al que compra varios cuadros para que no pasen problemas económicos. Un vagabundo con quien pasó la niñez, Schigolch, habla con Lulú. El Dr. Schön entra y quiere romper su relación con Lulú. Ella se niega. Schön confiesa la situación al pintor, que se suicida. Lulú quiere casarse con Schön, pero este se niega.Lulú trabaja como actriz y confiesa a Schön que va a casarse con un príncipe; al enterarse, Schön rompe su compromiso con una rica heredera y contrae matrimonio con Lulú.

La condesa Geschwitz, enamorada de Lulú, entra en la casa del nuevo matrimonio e invita a un baile a Lulú, pero el Dr. Schön la expulsa. Tras salir Schön, varios admiradores de Lulú la visitan: Schigolch, la condesa, un estudiante y Alwa, el hijo de Schön. Alwa confiesa su amor por Lulú. Schön vuelve, con una pistola, y pide a Lulú que se suicide. Lulú mata al Dr. Schön.

En una película muda, se muestra el arresto y juicio de Lulú. En prisión, consigue escapar con la ayuda de la condesa, contrayendo voluntariamente el cólera. Lulú y Alwa declaran su amor.

Un casino en París. Alwa se ha arruinado por la caída de la Bolsa. Un marqués predice a Lulú que se dedicará a la prostitución.En Londres, Lulú es una prostituta, y vive con Alwa, la condesa y Schigolch.. Un cliente no tiene dinero y Lulú no quiere cobrarle. La condesa entra con el retrato de Lulú pintado en el primer acto. Otro cliente asesina a Alwa, por una disputa sobre el dinero que cobra Lulú.Finalmente, Lulú llega con un tercer cliente. Es Jack el Destripador. Jack asesina a Lulú y a la condesa, que muere declarando su amor por Lulú.

Momentos Destacados:

- Prólogo
- Acto I: Escena 2: Eva!-Befehlen?/Duettino - Lulú, Pintor
- Acto I: Escena 3: Interlude - Requiem
- Acto I: Escena 4: Sie glauben nicht, wie ich mich darauf freue/Kavatine - Schön, Lulú, Condesa
- Acto II: Escena 1: Lied der Lulu - Varios
- Acto II: Escena 1: Ostinato: Interlude Música film mudo
- Acto III: Escena 1: II. Ensemble: Brilliant! Es geht brilliant - Lulú, Condesa
- Acto III: Escena 1: Vars I-IV: Interlude
- Act III: Escena 2: (Nocturno): Das ist der letze Abend/Lulu! Mein Engel! - Lulú, Schön, Condesa

Grabaciones recomendadas:


Lulú: Anja Silja, Hans Hotter, Martha Modl, Gerd Nienstedt, Manfred Jungwirth - Orquesta y Coro de la Vienna State Opera - Dir.: Karl Böhm - Andante (Versión en 2 actos)

Lulú: Teresa Stratas, Franz Mazura, Kenneth Riegel, Yvonne Minton, Robert Tear - Orquesta de la Opera de París. Dir.: Pierre Boulez - (Version en 3 actos)


Qué esperar de la obra: Lulú es una de las más bellas óperas de todos los tiempos. Es obsesivamente romántica, pero trasciende el Romanticismo. El mundo real, la crueldad y banalidad más absolutas, transpiran a través del tejido de la obra. Aunque su técnica de composición es fundamentalmente dodecafónica, la combinación con estructuras musicales muy conocidas conforman una música que puede ser muy agradable a oídos poco afines a este tipo de repertorio. Es una ópera cuyo conocimiento es inexcusable para todo buen aficionado al género



http://www.youtube.com/watch?v=SqSdG5VLD-A

Schigolch
January 27th, 2012, 09:07 PM
POULENC: DIALOGUES DES CARMELITES


Sobre el autor:


Autor: (París, Francia 7 de Enero de 1899 – París, Francia, 30 de Enero de 1963) Poulenc se inicia en la música con el gran pianista español Ricardo Viñes. A principios de los años 1920’s estudia composición y entabla amistad con buena parte de los intelectuales parisinos del momento. Forma parte del famoso grupo de músicos llamado “Los Seis”.Sus primeras obras son de pequeño formato y música de baile. A mediados de los años 30, se convierte al catolicismo y empieza su etapa más interesante como compositor con las extraordinarias “Litanies á la Vierge Noire”. Famoso también como pianista, acompañando al barítono francés Pierre Bernac. La vanguardia francesa de postguerra despreciaba sus composiciones y su estilo musical, al que siguió fiel hasta su muerte. En los años 50 atraviesa su mejor momento creativo. Muere en París, de un infarto, en 1963 y es enterrado en el cementerio del Père Lachaîse. Eligió su propio epitafio: ‘Ma musique est mon portrait” ( Mi música es mi retrato ).

Época del autor: siglo XX, francés.

Otras óperas del compositor: Les Mamelles de Tirésias, La Voix Humaine

Sobre la ópera:

Estreno: Teatro alla Scala, Milán, Italia, 26 de Enero de 1957 ( versión en italiano ); Opera de París, Francia, 21 de Junio de 1957 ( versión en francés )

Características de la Obra: Ópera en tres actos (doce escenas y cinco interludios)

Génesis de la obra: En 1953 la Scala solicitó a Poulenc la composición de un ballet. En esos momentos, Poulenc se inclinaba más bien por una obra lírica. En una visita a Milán, tras una discusión sobre el tema, recibió la propuesta de adaptar para la ópera “Diálogos de Carmelitas”. Al principio la propuesta asustó al compositor, pero pronto se entusiasmó con el proyecto. Se dedicó a la composición en cuerpo y alma, avanzando lentamente en lo que sería su obra maestra. Pronto la intensidad del trabajo y las emociones que le provocaba, junto a problemas de índole personal, fueron minando la salud de Poulenc que sufrió una depresión y tuvo que interrumpir su labor durante casi un año. Finalmente recuperado, cerró la ópera con la escena de la muerte de las monjas en la guillotina, para la que compuso su mejor música.


Libreto: Francis Poulenc, basado en la obra homónima de George Bernanos

Argumento: Francia, durante la época del Terror. La joven novicia y aristócrata Blanche de la Force ha buscado refugio en el Carmelo, recluyéndose para huir del temor a la muerte que asola su vida desde la infancia, contra los deseos del Marquis de la Force, su padre, y el Chevalier de la Force, su hermano. Allí entabla amistad con otra novicia, Constance, joven campesina alegre y vital. También asisté a la terrible muerte de su protectora, la priora Mme de Croissy que muere blasfemando contra un Dios en El que ha dejado de creer. La Madre Marie, una carmelita rígida e inexorable, se hace cargo de la situación hasta que una nueva priora, Mme Lidoine, es elegida.

Entre tanto, las autoridades revolucionarias deciden ilegalizar las órdenes religiosas. El convento es desmantelado y las carmelitas hacen voto de martirio, en ausencia de Mme Lidoine, influidas por la Madre Marie. Blanche escapa del convento y se refugia en casa de su padre, asesinado por los jacobinos. Las carmelitas son arrestadas y condenadas a muerte en una farsa de juicio. Sólo Blanche y la Madre Marie, gestionando ayudas económicas en París, escapan a la sentencia. La Madre Marie no ha sido arrestada y quiere unirse a sus hermanas; piensa que su honor así lo exige. Sin embargo, el capellán del Carmelo hace que acepte su destino y se salve del martirio, como parte de la voluntad de Dios.

Las carmelitas van a ser ejecutadas el 17 de Julio de 1794. Se las pasea en carreta hasta el cadalso, situado en la Plaza de la Revolución. Una tras otra, suben al cadalso cantando, en latín, el Salve Regina. La guillotina, implacable, va haciendo su labor. La última monja en morir es Constance; entre la multitud, ve a Blanche que se aproxima. Finalmente, ha vencido su miedo. Ambas afrontan juntas su muerte

Momentos Destacados:

- Escena primera del primer acto (Marquis de la Force, Chevalier de la Force, Blanche)
- N'allez pas croire que ce fauteuil soit un privilège de ma charge (Mme de Croissy)
- Je suis seule, ma Mère (Mme de Croissy)
- Requiem (Blanche Constance)
- Ave Maria (coro de monjas)
- Ave Verum (coro de monjas)
- Mes filles, voilà que s'achève (Mme Lidoine)
- Escena cuarta del tercer acto (coro de monjas, Constance y Blanche)


Grabaciones recomendadas:

Dialogo de Carmelitas: Denise Duval, Régine Crespin, Denise Scharley, Liliane Berton, Rita Gorr, Xavier Depraz, Paul Finel - Coro y Orquesta de la Opera Nacional de París. Dir.: Pierre Dervaux - EMI - 1958

Dialogo de Carmelitas: Catherine Dubosc, Rachel Yakar, Rita Gorr, Brigitte Fournier, Martine Dupuy, José Van Dam, Jean-Luc Viala - Coro y Orquesta de la Opera de Lyon. Dir.: Kent Nagano - Virgin classic – 1990

Dialogo de Carmelitas: Anne-Sophie Schmidt, Valérie Millot, Nadine Denize, Patricia Petibon, Hedwig Fassbender, Didier Henry, Laurence Dale
- Dir.: Jan Latham-Koenig - CDV Arthaus Musik - 1998

Qué esperar de la obra: Se trata de una de las óperas más emocionantes de todo el repertorio. La intensidad dramática, culminada en la terrible escena de la guillotina, hace de su visión en el teatro una experiencia inolvidable. Además, la intención explícita de Poulenc de convertir la prosodia en protagonista absoluta hace que el texto debe ser totalmente inteligible y para ello, utiliza una orquestación que nunca tapa la voz. Pero la música es también de una calidad extraordinaria, combinando partes de un lirismo exaltado con momentos de una intensidad casi dolorosa. Recomendable para todos los amantes de la Opera.



http://www.youtube.com/watch?v=e2ubBODy4N0

Schigolch
March 18th, 2012, 10:25 AM
http://ecx.images-amazon.com/images/I/412iqsAgF9L._SL500_AA240_.jpg

Shadowtime

Opera en siete escenas

Música de Brian Ferneyhough / Libreto de Charles Bernstein


1.- New Angels/Transient Failure (Prologue)
2.- Les Froissements d'Ailes de Gabriel (First Barrier)
3.- The Doctrine of Similarity
4.- Opus Contra Naturam
5.- Pools of Darkness (11 Interrogations)
6.- Seven Tableaux Vivants Representing the Angel of History as Melancholia (Second Barrier)
7.- Stelae for Failed Time

Papeles solistas:

Recitador (bajo)
Walter Benjamin (bajo)

Papeles extraídos del coro

Posadero
Henny Gurland
Dora Kellner-Benjamin
El joven Walter Benjamin
4 niños
El Médico
Gershom Sholem
Hölderlin
Pío XII
Karl Marx
Groucho Marx
Juana de Arco
Baal Shem Tov
Adolf Hitler
Guardia fronterizo
El Golem

Coro:

3 sopranos, 3 altos, 3 tenores, 3 bajos

Instrumentación

Flauta, Piccolo
Oboe
3 clarinetes
2 fagots
1 saxofón
3 trompetas, 2 trompas, 3 trombones
2 violines, 1 viola, 1 violonchelo, 1 contrabajo
Arpa
Guitarra
Piano
Percusión (tambores, 3 botellas, castañuelas, 7 vasijas de barro, crótalos, címbalo, glockenspiel, marimba, maraca, 5 campanas, gongs, vibráfono, xilofón)
Otros instrumentos a elegir por los intérpretes
Sónidos pregrabados


Shawdotime se estrenó en Munich, el 25 de Mayo del 2004. Desde entonces, ha habido funciones en Londres, Nueva York y Bochum.

Ferneyhough compara la obra a un Auto Sacramental del siglo XXI, una especie de Requiem no cristiano. La estructura de la ópera, con cuatro secciones que se pueden extraer como piezas aparte (segunda, tercera, sexta y séptima), y una evidente ausencia de progresión dramática en buena parte de sus dos horas de duración, supone un reto para cualquier director teatral. Momentos como el interrogatorio que sufre Benjamin por parte de Karl Marx, Adolf Hitler, Juana de Arco.... pueden ser de una gran espectacularidad, pero la preferencia del compositor se inclina hacia una puesta en escena "low-key", apostando por sugerir y subrayar, más que por centrar la atención en movimientos de actores, o la escenografía.

El espectador/oyente ocasional puede sentirse un tanto intimidado ante la complejidad conceptual y musical de la ópera. En mi opinión, la mejor manera de afrontar por primera vez su escucha es prescindir de todas las capas que rodean su núcleo, y concentrarse en la belleza de la música de Ferneyhough.

La única grabación existente, disponible en el sello NCR, es realmente notable. La ejecución del Nieuw Ensemble Amsterdam y el Neue Vocalsolisten Stuttgart, bajo la dirección de Jurjen Hempel es limpia y precisa. Tal vez se podría desear que el Recitador de Nicolas Hodges fuera un pelín más animado.


http://www.youtube.com/watch?v=wl5-9GIDYos

Schigolch
March 19th, 2012, 08:07 PM
Vanessa - Samuel Barber.

Esta obra, una de las más importantes compuestas en la segunda mitad del siglo XX, se estrenó en el MET, en 1958. El reparto:

Vanessa (soprano): Eleanor Steber
Erika, su sobrina (mezzo): Rosalind Elias
Su madre, la baronesa (contralto): Regina Resnik
Anatol (tenor): Nicolai Gedda
El medico (baritono): Giorgio Tozzi

El libreto, escrito por Gian Carlo Menotti, nos situa en un pais sin concretar del Norte de Europa, a principios del siglo XX. Vanessa, Erika y la baronesa aguardan la llegada de Anatol, el antiguo amante de Vanessa, que lleva esperando veinte años su regreso. En su lugar, llega un joven que dice ser el hijo de Anatol, y les informa que su padre ha muerto.

Erika confiesa a Vanessa que ha sido seducida por el joven Anatol. Pero Vanessa se ha enamorado del hijo de su amante. Erika decide rechazar a Anatol, tras quedarse de piedra al enterarse durante un baile del affaire entre Vanessa y Anatol.

Cuando Erika descubre que se ha quedado preñada tras su relación con Anatol, intenta suicidarse y pierde el bebe. Mientras, Anatol y Vanessa se casan y se van de viaje de novios a Paris. Erika decide esperar la vuelta de Anatol, tal como Vanessa hizo con su padre veinte años antes.


Aunque el libreto no acaba de concretar con exito la figura de Vanessa, una mujer obsesionada con un amor patológico que trata de encontrar de nuevo en la persona del hijo de su amante, la musica de Barber sí es capaz de hacer creíble la trama, incluso con el giro de continuar la historia, a la manera de un ciclo cerrado, con el personaje de Erika. Melodismo postromántico y una compleja textura orquestal cierran el círculo de la ópera.

Merece mucho la pena escuchar Vanessa. La función del MET se grabo, y es fácil de conseguir.

Algunos highlights:

http://www.youtube.com/watch?v=8Ir_pT-GUpM

http://www.youtube.com/watch?v=Qa4N9Xe_Nx0

http://www.youtube.com/watch?v=-4n4Lx2RlG0

http://www.youtube.com/watch?v=qGTEGudP4HA

Schigolch
March 21st, 2012, 01:03 PM
DIE SOLDATEN



INTRODUCCIÓN

“¿Cuáles son las exigencias de una ópera moderna?: ópera significa teatro total: ése el camino para afrontar hoy la ópera (o incluso, el propio teatro), para lo que se requiere una concentración de todos los medios dramáticos disponibles para lograr la comunicación en un espacio creado especialmente para tal fin. En otras palabras: arquitectura, escultura, pintura, teatro musical, teatro hablado, ballet, cine, micrófonos, magnetófonos y técnicas sonoras, televisión, música electrónica, música concreta, circo, el musical y todas las formas del movimiento teatral combinadas para articular el fenómeno de la ópera pluralística.”

Bernd Alois Zimmermann.

Estas palabras que escribió el mismo Zimmermann a inicio de los cincuentas, expresan con claridad su percepción acerca del futuro del género y las potencialidades existentes al converger todos los medios dramáticos en la ópera y así, producir un festival sensorial que llevará al espectador a una auténtica embriaguez de los sentidos; teatro total.

Zimmermann logró plasmar sus ideas en su obra maestra, hecho que no disminuye en modo alguno la importancia de una obra como "Requiem für einen jungen Dichter" (http://malamemoriacolectiva.blogspot.com/2009/03/zimmermann-requiem-for-young-poet.html), y "única" ópera (si dejamos a un lado una ópera radiofónica, basada en Calderón, que nunca llegó a escuchar), Die Soldaten, que está basada en una obra de 1775 del visionario escritor Jakob Michael Lenz (http://es.wikipedia.org/wiki/Jakob_Michael_Reinhold_Lenz), uno de los incomprendidos del Sturm und Drang (http://es.wikipedia.org/wiki/Sturm_und_Drang) alemán. Cuyo trágico destino quedó inmortalizado en la pluma de Georg Büchner; fue un hombre itinerante, perdido y que encontró la muerte al cumplir los 41 años, en los linderos de la locura, fuera del éxito y del reconocimiento de su propio tiempo (según parece a Zimmermann le impresionó las condiciones como fue escrita -¡Y a quién no!-). La obra original de J.M.R. Lenz (recuperada hasta los días del expresionismo Alemán) fue una dura crítica política que usó como transfondo el celibato forzoso de la profesión militar. Los soldados de los ejércitos alemanes en ese tiempo tenían prohibido casarse para que su lealtad no se dividiera entre la esposa y el rey; ante semejante yugo, su deporte fue la seducción de las niñas y las mujeres de otros hombres. Encontramos ahí la semilla de la ópera: al militarismo como culpable de los males que azotan a la sociedad, ¿o será culpa de la contaminación sexual de las jóvenes locales?

Lo interesante del texto de Lenz no sólo está en la rapidez y variabilidad de la acción (inherente al tema del celibato forzado y las consecuencias que conlleva), la escritura de concisión, la prosa ruda y punzante -cualidades meramente "fílmicas"- si no en la línea "profética" del mismo, en ver a la guerra como parte del tejido de la sociedad. A Zimmermann le interesó aquello que no se manifiesta a primera vista en el fenotipo de la obra, esas ideas latentes que empiezan a burbujear después de varias lecturas (donde puso en prácticas sus propios conceptos); ahí donde Lenz nos muestra de una forma descarnada al sistema social en efectos del militarismo, donde vemos a esa maquinaria implacable, la sociedad, que destruye inexorablemente a las personas.

Como se verá en los siguientes días, compositor y escritor compartieron esta visión apocalíptica del mundo, así como una imposibilidad para vivir en él; Lenz murió en medio de ataques de insania en Moscú y Zimmermann se suicidó sólo cinco años después de haber concluido su ópera -10 de Agosto de 1970-, un acto que según su diario, había contemplado desde 1945.

ORIGEN

La ópera que nos compete, Die Soldaten, se produjo como resultado de un encargo de la Ópera de Colonia a Zimmermann que empezó a trabajar desde 1957. Desarrolló las ideas potenciales presentes en la obra de Lenz y las convirtió en realidades escénicas correspondientes a las nociones de sus propios escritos teóricos (estaba licenciado en filosofía y literatura alemana además de música; Michael Gielen decía que era el único músico que podía hacer todo) relacionadas con la naturaleza del tiempo, su esfericidad y su naturaleza expansiva (así ciertas escenas de la obra se desarrollan en una sincronía en que pasado, presente y futuro convergen; causa y efecto se ofrecen como simultáneos). A partir de sus propias ideas del teatro del futuro, la ópera fue imaginada como una desmesurada estructura que contiene doce etapas, en donde la acción presente estuviera ambientada en tiempos distintos (pasado, presente y futuro) el resultado de ésta, es la supresión de las unidades dramáticas tradicionales de tiempo y espacio. Ante tal complejidad (ni hablar de las fuerzas masivas que exige: más de cien instrumentistas, proyecciones cinematográficas, 16 cantantes solistas, 10 actores con personajes hablados ...) los funcionarios de la Ópera de Colonia, en la oficina Oscar Fritz Schuh y el director musical Wolfgang Sawallisch, rechazaron la obra y la tacharon como inejecutable, estigma que desafortunadamente aún preserva, por lo que Zimmermann se vio obligado a reducirla. Con todo, la versión definitivamente estrenada el 15 de febrero de 1965 (no sin suscitar controversia debido a su visionaria estructura), requiere no menos de tres pantallas cinematográficas y cinco planos de acción, tres de ellos ocasionalmente simultáneos.

Aún en nuestros días, Die Soldaten es muy difícil de llevar a cabo; una tarea hercúlea que está fuera del alcance de las pequeñas empresas.

ARGUMENTO

Zimmermann, sintetizó hábilmente la obra de Lenz a 15 escenas de las 35 originales y eliminó la referencia temporal, convirtiendo la historia en un eterno drama de deshumanización del hombre por el hombre, donde todos son culpables y víctimas, implicadas en un destino único, irresoluble y trágico. A través de una técnica complejísima de interrelación de acciones escénicas-musicales nos lleva contemplar el “infierno”, el caos y la violencia que se agazapan tras el pulso bien ordenado de la vida. Esta desolación y visión apocalíptica del mundo está relacionada con la angustia de su propia vida: se vio rodeado de una condición severa de la piel, problemas oculares debilitantes y ataques de depresión; es probable que encontrara alivio transmutando sus sentimientos a su música.

Die Soldaten nos habla acerca de la degradación de una mujer, Marie, en manos de una serie de soldados; un descenso paso a paso en la escala social, desde su frívola inocencia cuando es novia de Stolzius -a inicio de la obra-, hasta convertirse en una “puta” de soldados y por último en una mendiga que ni su propio padre –el Sr. Wesener- logra reconocer; sin embargo hay más temas que son tratados con pericia, los celos, las relaciones padre-hijo, indiferencia, engaño, explotación, relaciones de género, codicia, necesidades y expectativas de clase, entre otros.

La vida de Marie se entremezcla a través de la ópera con escenas caóticas presentadas en el café de Armentières, donde los soldados se dedican a solazar (socializan con los demás, miran bailarinas eróticas, beben y conversan sobre el papel de la mujer en sus vidas y sobre la importancia de la religión).

ASPECTOS MUSICALES

En el plano musical encontamos concomitancias con la segunda escuela de Viena, hay que recordar que la estructura de la ópera tiende puentes con el Wozzeck Bergiano; en la adopción de formas clásicas en cada escena: chacona, toccata, nocturno, coral. También encontramos una posición a favor de las vanguardias sin adscribirse a ninguna en concreto y múltiples citas y referencias a otras músicas: un coral de Bach, el jazz, el singspiel, la música de cabaret, entre otros. Estos amplios préstamos de estilo, técnica de "collage" sonoro, va más allá de un simple adorno por su eficacia al transmitir cadenas dramáticas independientes. Se puede decir que la misma simultaneidad presente en el libreto, Zimmermann la explotó en el aspecto musical por medio del pluralismo de la composición.

RECOMENDACIONES

Sólo falta mencionar que lo más importante es acercarse sin miedo a esta obra tan interesante, tan expresiva y dramática. Pocas nos han mostrado con esa intensidad, la destrucción del hombre por el hombre y la naturaleza misma de la vida militar que lleva a cometer actos de brutalidad que destruye la “santidad” del hogar, la ruina del orden social y la pérdida de cualquier intención a la felicidad; nos lleva a ver la muerte como única respuesta a la felicidad deseada. De la misma forma que pasa con Wozzeck, uno termina la ópera sin esperanzas. Die Soldaten resulta ser un verdadero golpe al plexo solar del espectador debido a la resonancia que tiene, porque en el mundo aún perdura: la explotación, la brutalidad, la guerra, la codicia, la lujuria(...) del más alto nivel. Por lo que puede llegar a ser "abrasiva" y no apta para todo momento. Pero cuando uno se sienta en el momento indicado, cada quien sabrá ¿cuál es? Déjense llevar por la inmensa experiencia del teatro total, es difícil que se pueda olvidar algo así.

Die Soldaten se convierte entonces, en un relato alegórico y una profunda exploración personal e íntima del papel de la política -plano militar- en la vida de las personas.

Me parece que cualquier oyente que tenga afinidad, gusto o conexión con las inclitas óperas de Alban Berg, tanto Wozzeck como Lulú, puede encontrar gran interés en el trabajo de Bernard Zimmermann; aunque esto no es un principio excluyente. A pesar de complejidad de la partitura es perfectamente cantable, tomando sus raíces del extraordinario trabajo que hizo Berg con su Lulú.


http://www.youtube.com/watch?v=OOGZeuhCSEI

Schigolch
March 22nd, 2012, 08:44 PM
http://www.zeitgenoessische-oper.de/Blume/Rosza_und_Paz.jpg

Luci mie traditrici - Salvatore Sciarrino

Año 1590. Carlo Gesualdo, príncipe de Venosa y afamado compositor, sorprende a su esposa en flagrante adulterio y asesina a ambos amantes. Esta historia es la base del drama publicado en el siglo XVII por Giacinto Andrea Cicognini, Il tradimento per l'onore, y que adaptará Sciarrino para su ópera.

Argumento


Acto I: El Duque y la Duquesa de Malaspina pasean por su jardín y admiran las rosas. La Duquesa se pincha inadvertidamente y el Duque, al ver su sangre derramada, se desmaya. Al volver en sí, ambos esposos se juran amor eterno, mientras un sirviente, enamorado despechado de la Duquesa, contempla la escena. Esa misma tarde, un huesped del palacio y la Duquesa sufren un coup de foudre. Se entregan a su pasión a sabiendas que puede tener efectos funestos. El sirviente ha sido testigo y decide vengarse de la Duquesa informando al Duque. A pesar del amor que profesa por su esposa, el Duque comprende que debe vengar su honor y decide matar a la Duquesa.

Acto II: Al anochecer, el Duque y la Duquesa se encuentran solos, y el Duque habla a su esposa lleno de amor y rabia. Mientras la Duquesa borda un cojín, la situación va haciéndose más tensa, y el Duque pide a la Duquesa que se acerque al lecho conyugal. Allí se encuentra el cadáver del huesped. La Duquesa comprende que su marido conoce su infidelidad y, como una víctima propicia, se somete sin resistencia al sacrificio.


Reparto vocal:

La Malaspina: Soprano
Il Malaspina: Barítono
l'Ospite: Contratenor
Servo: Barítono
Voce dietro il sipario: Soprano

Orquesta:

2 flautas, 1 flauta en Sol
2 fagots, 1 clarinete bajo
2 saxofones
2 trompas, 2 trombones
4 violines, 2 violas, 1 violoncello, 1 contrabajo
2 percusionistas

Dos grabaciones recomendadas de la ópera:

http://ecx.images-amazon.com/images/I/41STC0GCHYL._AA240_.jpg

La más conocida, dirigida por el también excelente compositor Beat Furrer, y otra versión, muy interesante, dirigida por el especialista en Sciarrino, Tito Ceccherini:

http://www.diverdi.com/files/ag/11284/STR-33645_b.jpg

Schigolch
March 23rd, 2012, 04:39 PM
http://www.musicweb-international.com/SandH/2009/Jul-Dec09/Lamour_de_Loin011.jpg

L'amour de loin - Kaija Saariaho

Opera en cinco actos

Música de Kaija Saariaho
Libreto de Amin Maalouf

Personajes

Clémence, condesa de Tripoli --> Soprano
Jaufré Rudel, trovador --> Barítono
Le Pèlerin, peregrino --> Mezzo
Coro de compañeros de Jaufré (8 bajos, 8 tenores) y Clémence (8 mezzos, 8 sopranos)

Orquesta

2 flautas, 2 piccolos
3 óboes
3 clarinetes
3 fagot
4 trompas
2 trompetas
3 trombones
1 tuba
1 arpa
1 piano
Percusión: tímpanos, xilófono, campanas, tambores, marimba, vibráfono
Cuerdas: 14 primeros violines, 12 segundos violines, 10 violas, 8 violonchelos, 6 contrabajos
Electrónica

Saariaho hace un buen uso de esta orquesta de tamaño relativamente grande, con la que es capaz de crear sonidos fascinantes, mezclando la parte acústica con el coro y la electrónica.

Argumento

La acción transcurre en el siglo XII, en Aquitania, el mar Mediterráneo y Tripoli.

Acto I

Jaufré Rudel, príncipe de Blaye, rechaza seguir viviendo los placeres propios de su edad y condición. Aspira a una clase diferente de amor, un amor más elevado, más puro. Un amor distante, que tal vez nunca encontrará. Un coro de sus antiguos compañeros de diversiones se burla de su pretensión. Jaufré reconoce que la mujer que busca, tal vez no exista. Sin embargo, un Peregrino recién llegado de Tierra Santa, le confirma que existe, y que él la conoce. Jaufré se obsesiona con la idea de amar a esa mujer.

Acto II

El Peregrino retorna a Tierra Santa, y allí se encuentra con Clémence, la Condesa de Tripoli, la dama "bella, sin la arrogancia de la beldad; noble, sin la arrogancia de la nobleza; piadosa, sin la arrogancia de la piedad" soñada por Rudel. El Peregrino relata a la Condesa que en el Oeste, un trovador, un joven príncipe, la celebra en sus canciones, la llama su amor lejano. Al principio Clémence se ofende, pero enseguida empieza a soñar sobre este extraño, este hombre que ama en la distancia, y se pregunta si será digna de semejante amor.

Acto III

El Peregrino, de vuelta a Blaye, informa a Jaufré que la Condesa está enterada de su devoción hacia ella. Rudel decide cruzar el mar y conocer a Clémence. La Condesa, sin embargo, prefiere que la separación se mantenga, que su amor lejano no llegue a ser causa de ansiedad, de dolor, de sufrimiento.

Acto IV

Jaufré se ha embarcado rumbo a las costas de Oriente, y está impaciente por encontrarse con su amor lejano, pero al mismo tiempo teme esa reunión, esa intromisión de la realidad en una relación perfecta. Lamenta haber partido, y enferma. Cada vez se siente peor, hasta que llega ya moribundo a las playas de Tripoli.

Acto V

Al tocar tierra, el Peregrino busca a Clémence para informarle de la llegada de Jaufré, y de su estado. En parihuelas, el trovador es llevado junto a la Condesa. La presencia de su amada, revive a Rudel, y le declara apasionadamente sus sentimientos. La pareja hace votos de amor eterno... Cuando Jaufré muere en sus brazos, Clémence se indigna contra el Cielo y, finalmente, considerándose culpable de lo sucedido, decide ingresar en un convento. En la escena final, la Condesa reza una oración a su Amor lejano... ¿o era a su amor lejano?.


http://www.youtube.com/watch?v=JpkFJZDkqAI


http://www.youtube.com/watch?v=gHuO2JjT7UY

Schigolch
April 23rd, 2012, 01:40 PM
The Consul - Giancarlo Menotti

Esta opera de Gian Carlo Menotti se estreno en 1950 en Nueva York, y goza de una merecida popularidad en USA.

El libreto, escrito por el propio Menotti, es uno de los puntos fuertes de la obra.



Magda Sorel (soprano)
Secretaria (mezzo)
John Sorel (baritono)
La madre de John (contralto)
Agente de policia (bajo)
Mago (tenor)



En un pais sin identificar, el disidente John Sorel huye de la policia politica. Se esconde en la azotea de su edificio, donde vive con su esposa, Magda, su madre y su hijo. Un agente de policia interroga a Magda, que se niega a contestar. John planea huir del pais con su familia, pero necesita un visado para Magda. La joven se presenta en el consulado para obtener ese visado, y en la sala de espera observa ansiosa como la secretaria del Consul se complace en humillar a todos los que aguardan cita.

Magda tiene una terrible pesadilla en la que John y la secretaria son hermanos, y su hijo muere. Agobiada, vuelve al Consulado. Mientras espera alli, el niño y su suegra fallecen, tras una nana que canta la abuela al nieto. Un mago intenta ver al Consul hipnotizando a todos los solicitantes, pero fracasa. La secretaria informa a Magda que podra entrar a la oficina del Consul cuando termine de atender a una persona muy importante, que resulta ser el agente de policia. Al volver a casa, Magda encuentra los cadaveres de su suegra y su hijo.

Aunque los papeles de Magda acaban por estar listos, John, enterado de la muerte de su hijo y su madre, vuelve a casa y es capturado por la policia. La secretaria llama por telefono a Magda para avisarla de la captura de John, pero Magda ha decidido suicidarse e introduce su cabeza en el horno de gas, abre la llave y se cubre con un chal, mientras el telefono no cesa de sonar.

La musica de The Consul sorprendera a muchos que no la conozcan, por sus numeros llenos de un intenso melodismo, mientras se va desarrollando la historia en un resulton recitativo. Una opera excelente, que merece ser mejor conocida por todos los aficionados.

Una buena version:

http://ecx.images-amazon.com/images/I/51vWILIcvqL._SL500_AA300_.jpg

Highlights:

La gran aria de Magda:

http://www.youtube.com/watch?v=AIB9cGlLkm0

Aria de la secretaria:

http://www.youtube.com/watch?v=5jxMZ8lNL9M

La nana:

http://www.youtube.com/watch?v=yzZrEup76Ow

Schigolch
April 27th, 2012, 03:56 PM
Le Grand Macabre - György Ligeti

Opera en dos actos o cuatro escenas (1974-1977)
Música de György Ligeti
Estreno: Estocolmo, Opera Real, 12 Abril 1978 (en sueco)
Estreno de la versión revisada : Festival de Salzburgo, 28 Julio 1997 (en inglés)
Libreto de Michael Meschke y György Ligeti, adaptación de La Balade du Grand Macabre de Michel de Ghelderode

Personajes:

Chief of the Secret Police (Gepopo) - Soprano
Venus – Soprano
Amanda – Soprano
Amando – Mezzo
Prince Go-Go – Voz blanca o Contratenor
Mescalina – Mezzo
Piet the Pot – Tenor
Nekrotzar – Barítono
Astradamors – Bajo
The White Minister – Tenor
The Black Minister – Baritono

COMPOSICION DE LA ORQUESTA

1 piccolo
2 flautas
2 oboes
1 corno inglés
2 clarinetes en sib
1 clarinete bajo en sib
2 fagots
1 contrafagot
4 trompas en fa
4 trompetas en do
1 trompeta baja en do
3 trombones
1 tuba
3 percusionistas (claxones, cajas de música, sirenas de barco, campanillas,...)
3 armónicas
1 celesta
1 clavecín
1 piano
1 órgano electrónico
1 mandolina
1 arpa
3 violínes
2 violas
6 violoncelos
4 contrabajos


El libreto de Le Grand Macabre, versión inglesa de 1997, se encuentra traducido al español en Kareol:

http://www.geocities.com/ubeda2007/macabro/macabro.htm

Una pequeña sinopsis de la obra:

Acto I

En el país de Breughelland, Piet the Pot canta las alabanzas de la tierra natal. Una pareja de amantes, Amanda y Amando, van en busca de hacer el amor continuamente, y se unen a Piet. Se abre una tumba y aparece Nekrotzar, “El Gran Macabro”, que anuncia su intención de destruir el mundo, y obliga a Piet a ser su asistente. Amando y Amanda se meten en la tumba vacía para continuar con sus actividades amatorias.

Mientras tanto, el astrónomo Astradamors se encuentra sometido por su esposa Mescalina. Astradamors descubre mirando el cielo en su telescopio, que un cometa se está acercando a la Tierra y puede destruirla; Mescalina sueña con la diosa Venus, a quien implora un buen amante, pues todos sus maridos han sido incapaces de satisfacerla. Entonces, aparece Nekrotzar que copula con Mescalina, y acaba matándola de un mordisco en el cuello. Nekrotzar, Piet y un jubiloso Astradamors se dirigen al palacio del Príncipe Go-Go.

Acto II

En el palacio del joven príncipe el Ministro Negro y el Ministro Blanco están discutiendo, y amenazan a Go-Go, que se encuentra hambriento. Los ministros quieren que el príncipe firme un decreto para aumentar los impuestos, pero termina por firmar el despido de ambos políticos y se pone a comer sin mesura. El jefe de la Policía Secreta, la Gepopo, entra y advierte al príncipe de una catástrofe inminente; Go-Go se esconde bajo la mesa. En ese momento, llega Nekrotzar que provoca un pánico colectivo. Piet y Astradamors intentan emborrachar a Nekrotzar, quien montado sobre el balancín del Príncipe pronuncia las palabras que desencadenarán la destrucción del mundo, y se desmaya.

Todos los personajes van lentamente reapareciendo, sin saber si están vivos, muertos o borrachos. Se preguntan si habrá tenido lugar el fin del mundo. De repente, aparece Mescalina, que no estaba realmente muerta, y empieza a perseguir a Nekrotzar, en quien cree reconocer a su primer marido. Entran Amando y Amanda, y un sentimiento de felicidad se extiende por toda la escena…. excepto para Nekrotzar, que desaparece impotente en la nada.

Fear not to die, good people all!
No one knows when his hour will fall!
And when it comes, then let it be…
Farewell, till then in cheerfulness!


http://ecx.images-amazon.com/images/I/51p3k2-rquL._SL500_AA280_.jpg

1998
Dirección: E. -P. Salonen - Orquesta Philharmonia
Nekrotzar: W. White
Amanda: L. Claycomb
Amando: C. Hellekant
Piet the Pot: G. Clark
Mescalina: J. van Nes
prince Go-Go: D. Lee Ragin
Astradamors: F. Olsen
Gepopo, Venus: S. Ehlert
White Minister: S. Cole
Black Minister: R. Suart

Schigolch
June 11th, 2012, 11:35 AM
FLOTOW: MARTHA

Sobre el autor:

Autor: Frederich von Flotow (Teutendorf, Alemania, 27 de abril de 1812 – Darmstadt, 24 de enero de 1883). Nació en una familia aristocrática. Estudió en el Conservatorio de París con Anton Reicha, donde recibió la influencia de Daniel Auber, Gioacchino Rossini, Giacomo Meyerbeer, Gaetano Donizetti, Jacques Halévy y sus amigos Gounod y Offenbach, que lo animaron para componer óperas. Fue un músico sutil, dotado de auténtico sentido del humor; supo llevar a la ópera cómica alemana el espíritu francés y el del bel canto italiano. Entre 1856 y 1863, fue nombrado intendente del teatro de la corte en Schwerin. Pasó el resto de su vida en París y Vienna. Compuso unas cuarenta óperas de las cuales solo han sobrevivido dos. También es autor de obras instrumentales y canciones. Falleció a la edad de 70 años.

Época del autor: Romanticismo alemán.

Otras óperas del compositor: Alessandro Stradella (1844).-

Sobre la ópera:

Estreno: Teatro di porta Carinzia, Viena, 25 de noviembre de 1847.-

Características de la Obra: Ópera cómica en 4 actos

Génesis de la obra: Se estrenó en Viena, en 1847, y rápidamente llegó a todo el mundo. El éxito que tuvo puede ser atribuído rápidamente a la facilidad de sus melodías, y al luminoso y atractivo tono general del trabajo. Hay mucho ritmo vivo y bien acentuado, las armonías son con frecuencia agradables, y la orquestación es interesante. Martha fue muy elogiada por el número “Die Letzte Rose”, para mortificación del pobre Flotow, cuyo único mérito fue tomar esta popular canción escocesa y ubicarla comodadamente en su ópera.

Libreto: Wilhelm Friedrich, basado en la obra (ballet-pantomima) “Lady Henriette ou La Servante de Greenwich”, de Jules-Henri Vemoy de Saint-Georges.

Argumento: Lady Harriet Durham, dama de honor de la Reina Anne, está cansada de la vida de la Corte, y harta de sus insípidos admiradores, se retira al campo. Pero se aburre tanto que decide asistir a la feria de Richmond donde las chicas se contratan como sirvientes. Para divertirse, ella y su confidente Nancy se disfrazan como mucamas.

Su viejo primo, Sir Tristan, otro de los admiradores que ella denomina aburrido, las acompaña. Harriet se las maneja para perder a su acompañante, y entonces, ella y Nancy se colocan en la línea de jóvenes esperando a ser contratadas. Dos campesinos jóvenes, Lyonel y Plumkett, están buscando una pareja de jóvenes que hagan el trabajo de su casa, y son sorprendidos por la belleza y el encanto de las dos disfrazadas, contratándolas. Lady Harriet se hace llamar Martha. Las muchachas pronto quedan consternadas al descubrir que han quedado legalmente atadas a sus nuevos amos por un año. Sir Tristan no puede hacer nada por liberarlas de su obligación. Rápidamente, los dos campesinos se enamoran de sus dos sirvientas – Lyonel de Harriet y Plumkett de Nancy. Harriet siente que Lyonel es de un estatus superior al que parece. Es un huérfano que ha sido dejado con los padres de Plumkett en su infancia. Las nuevas sirvientas son completamente ineptas en sus tareas, lo que enfurece a Plumkett. Finalmente, las dos mucamas son enviadas a la cama, pero escapan por la ventana, con la ayuda de Sir Tristan. Los jóvenes campesinos están angustiados y enojados por la pérdida de sus mucamas, y el dolor de Lyonel es tan grande que cae en estado de melancolía.

Vagando en el bosque, Lyonel encuentra una fiesta de cacería real y reconoce a Lady Harriet. Le declara su amor, pero ella lo desaira. Lyonel le recuerda el contrato que la une a él para servirlo por un año. Ella dice a los cortesanos que el joven evidentemente está loco, y Sir Tristan apoya su declaración. Es dada la orden de llevar a prisión al joven. Lyonel tiene un anillo que su padre le ha dado, diciendo que si alguna vez estaba en problemas debía enviarlo a la Reina. Le ruega a su amigo que lo lleve a la corte. El anillo salva a Lyonel. La reina lo reconoce como el anillo de un noble desterrado, cuya inocencia parece haber sido probada. Lady Harriet está ahora deseosa de aceptar su cortejo, ya que no hay diferencia de calses entre ellos. Está llena de remordimientos por la forma en que lo ha tratado. Le revela su verdadera identidad y le dice que su posición social le será devuelta, pero él está ciego por la ira contra Harriet por lo injusta que fue con él y se rehusa a aceptar su amor. Para recuperarlo Harriet y Nancy regresan a la feria una vez más vestidas como chicas campesinas. Cuando Plumkett lleva a Lyonel a la feria y señala a las dos jóvenes doncellas, Lyonel se da cuenta que ama realmente a Harriet. Ella lo abraza, y acuerdan casarse, así como también Plumkett y Nancy.

Momentos Destacados: Die letzte Rose (aria Harriet)
Lasst mich euch fragen (canción Plunkett)
Jägerin, schlau im Sinn (aria Nancy)
Ach so fromm, ach so traut (aria Lionel)
Den Theuren zu versöhnen (aria Harriet)
Nimmermehr wird mein Herze (aria Nancy)


Grabaciones recomendadas:

Martha: Victoria de los Angeles, Richard Tucker, Rosalind Elías, Giorgio Tozzi, Lorenzo Alvary, Gerhard Pechner. Coro y Orquesta de la Metropolitan Opera. Dir.: Nino Verchi – 1961

Martha: Annalisse Rothenberger, Brigitte Fassbaender, Nicolai Gedda, Hermann Prey, Dieter Weller, Hans-Georg Knoblich – Coro de la Bayerischen Staatsoper Munchen, Bayerisches Staatsochester. Dir.: Robert Heger – EMI - 1976


Qué esperar de la obra: Flotow no siguió el camino transitado por Wagner en la ópera alemana, en lo que concierne a la creación operística y monumental, filosóficamente concebida, sino más bien tomó caminos más ligeros y festivos, extrayendo sus principios de la tradición mozartiana y de otros compositores en lengua alemana del siglo XVIII. Martha es la ópera más lograda y popular de Flotow. Es un ejemplo de ópera cómica con un estilo ecléctico e influencia franco-italiana.



http://www.youtube.com/watch?v=VMGga-EnvvQ


http://www.youtube.com/watch?v=fPbgSUHBdqs

Schigolch
June 16th, 2012, 12:14 PM
BELLINI: NORMA

Sobre el autor:

Autor: Vincenzo Bellini, (Catania, Italia, 3 de noviembre de 1801 – Puteaux, Francia, 23 de noviembre de 1835).

Contemporáneo de Pacini, Mercadante y Donizetti, Bellini ocupó una posición determinante entre la retirada de Rossini en 1829, y el advenimento de Verdi en 1842. En la confluencia entre un arte todavía aristocrático y el empuje del Romanticismo, Bellini realizó en su obra la unión perfecta entre la belleza clásica y el tema romántico de la exaltación del héroe (o más a menudo, de la heroína) condenado por la suerte. Su culto de las formas y técnicas del pasado nos es atestiguado por sus obras de juventud. Pero sus maestros napolitanos formados en el ámbito de la “opera seria” del siglo XVIII, no hubieran podido impedirle que prestara oído favorable a las reformas impuestas por Rossini, más teniendo en cuenta que Nápoles era una ciudad plenamente abierta a las creaciones francesas y alemanas. Fue sensible a las corrientes nuevas y se encontró naturalmente en perfecta comunión espiritual y artística con Chopin. De ahí nace ese estremecimiento, hasta ese momento desconocido, que recorre su escritura melódica expresiva. Finalmente, los cuadernos de bosquejos de Bellini, revelan que el don melódico no era en su caso sino el fruto de una larga labor, y que, con el fin de dejar mayormente a la voz el contenido emotivo del drama, el músico depuraba sin cesar la armonía y la orquestación para no conservar más que el sustrato. Esto le valió cierto desprecio a comienzos del siglo XX, época donde los parámetros estéticos hacían referencia a la armonía wagneriana. Nuestra época ha vuelto a colocar en su verdadero lugar a este compositor, cuyo mundo sonoro ofrece una íntima vinculación con el de Chopin.

Época del autor: Bel Canto

Otras óperas del compositor: Adelson e Salvini, Bianca e Gernando, Il Pirata, Bianca e Fernando, La Straniera, Zaira, I Capuleto e i Montecchi, Beatrice di Tenda

Sobre la ópera:

Estreno: Scala de Milán, 26 de diciembre de 1831.-

Características de la Obra: Tragedia lírica en 2 actos.

Génesis de la obra: Bellini escribió gran parte de la música de Norma en Blevio, sobre el lago de Como, donde Giuditta Pasta, que sería la intérprete de Norma en la primera función, lo había alojado de forma que junto a Romani, el libretista, pudieran incentivar a Bellini en su trabajo. La obra era esperada por el público milanés, como el acontecimiento más importante de la temporada, sin embargo en su primera representación, la noche de Santo Stefano, no entusiasmó. Posiblemente, uno de los motivos fuera el rompimiento de la tradición, suplantando el tradicional concertante de final del primer acto, por un dramático y efectivo terceto. Sin embargo, la obra se afianzó a lo largo de la temporada, a partir de la segunda representación y llegó a tener treinta representaciones seguidas. A partir de aquí, triunfó en toda Italia, pero más aún en el extranjero, y especialmente en Londres, donde fue cantada por la Malibran y dirigida por el propio Bellini, provocando un verdadero delirio en el Covent Garden.

Libreto: Felice Romani, basándose en una tragedia de Alexandre Soumet.-

Argumento: Norma es una sacerdotisa de los Sicambri. Pese a sus votos sacros de castidad, mantiene un idilio secreto con el romano Pollione, al que ha dado dos hijos. Este romance hace que Norma trate por todos los medios en acallar la rebelión contra Roma, o al menos postergar el enfrentamiento lo más posible, esperando que se establezca la paz entre los dos pueblos y así no perder a su amado.

Sin embargo Pollione se ha enamorado de Adalgisa, que sera pronunciada sacerdotisa pronto. Adalgisa confiesa su conflicto a Norma y descubre a Pollione. Al enterarse de la verdad, Adalgisa suplica a Pollione que siga con Norma, pero éste, ante la intención firme de ordenarse sacerdotisa de Adalgisa, promete raptarla aún del altar de los dioses. Norma, vengativa, declara que los dioses determinan que es momento de atacar a Roma. En el momento en que deben sacrificar una víctima en honor de los dioses para garantizarse la victoria, Pollione es descubierto en el templo. Es traído ante Norma, que pide interrogarlo a solas, para descubrir supuestamente, quien es la sacerdotisa que él buscaba allí. Norma le recuerda a sus hijos, pero Pollione se mantiene firme en su amor por Adalgisa, dispuesto a morir por ella. Norma vuelve a llamar a todos, y declara que ya sabe el nombre de la Sacerdotisa que traicionó a los druidas y a sus dioses, y que deberá morir junto al romano: ella misma. Pide a Oroveso, su padre, por sus hijos, y se inmola junto a su esposo.


Momentos Destacados: Meco all’altar di Venere…/ Me protege, me difende (cavatina de Pollione)
Sediziose voci, voci di guerra…/Casta diva che inargenti…/ Ah, bello a me retorna (Recit. y cavatina de Norma)
Sgombra è la sacra selva…/ Deh! Proteggimi (recitativo y arioso de Adalgisa)
Eccola! Va, mi lascia (dúo Pollione-Adalgisa)
Oh, Rimembranza! (dúo Norma-Adalgisa)
Ma di’: l’amato giovane…/ Oh, non tremare, o perfido (terceto Norma, Adalgisa y Pollione)
Dormono entrambi (escena Norma)
Mira oh Norma... / Si, fine all’ore estreme (dúo Adalgisa-Norma)
In mia man alfin tu sei (dúo Norma-Pollione)
Deh! non volerli vittime (Norma)

Grabaciones recomendadas:

Norma: María Callas, Mario Filippeschi, Ebe Stignani, Nicola Rossi-Lemeni. Coro y Orquesta del Teatro alla Scala de Milán. Dir.: Tullio Serafin. – 1954.-

Norma: Joan Sutherland, Carlo Bergonzi, Marilyn Horne, Cesare Siepi. Coro y orquesta de la Metropólitan Opera House. – Dir.: Richard Bonynge. - 1970.-

Norma: Monserrat Caballé, John Vickers, Josephine Veasey, Agostino Ferrin – Orquesta y Coros del Teatro Regio de Turin – Dir.: Giuseppe Patane. – 1974.-

Qué esperar de la obra: La gran oportunidad para comprobar que el bel canto no es necesariamente sólo canto bello, si no que además la tensión dramática es un elemento presente y deseable en este tipo de composiciones. Si bien es real que se trata de una obra que puede resultar excesivamente estática a nivel teatral, los recitativos y las arias poseen una tensión dramática extraordinaria, una autentica tragedia, en la mejor y mas noble acepcion del termino. Es considerada la obra maestra de Bellini, y una de las más importantes en la historia de la ópera, ademas de la apoteosis del canto puro en sus expresiones tanto líricas como trágicas.


http://www.youtube.com/watch?v=O3Cfi0kNgRc


http://www.youtube.com/watch?v=G7ksSmq3y-A


http://www.youtube.com/watch?v=FIQQv39dcNE