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View Full Version : Los olvidados



Schigolch
March 25th, 2012, 07:17 PM
Aunque en los países de habla española, a principios del siglo XXI, Franz Schreker no es muy conocido, hubo una época en que se le tenía en gran consideración como operista en Alemania y Austria, por detrás solamente de Richard Strauss. A finales de los años 20 perdió buena parte de su prestigio por los cambios en el gusto musical que trajó el expresionismo, pero su olvido se debe también a la represión que sufrió su memoria por parte de los nazis, a causa de su origen judío. En los últimos años una recuperación de la obra de Schreker está teniendo lugar en Alemania.


La vida de Franz Schrecker ( 1878 – 1934 )


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Hijo de padre judío y madre aristócrata alemana, pierde a su progenitor a los 10 años de edad, lo que le obliga a contribuir, siendo el mayor de cuatro hermanos, desde muy joven al sustento de su familia.

Sus cualidades musicales son evidentes desde su infancia y consigue entrar con una beca en el Conservatorio de Viena en 1892, donde con el tiempo se graduará como violinista y compositor.

Aunque intentó hacer carrera como director de orquesta, especialmente de ópera, no tuvo suerte en este empeño y cada vez se orientó más hacia la composición. Su primera obra de éxito fue “Der Geburtstag der Infantin” ( El cumpleaños de la Infanta ) que le abrió las puertas para un contrato con Universal Edition y a escribir sus primeras óperas. Contrae matrimonio con la soprano Maria Schreker ( née Mergel ).

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En 1912 tiene lugar la première de Der Ferne Klang en Frankfurt, su segunda ópera y la primera de interés, en la que llevaba trabajando desde 1904, tanto en la parte musical como en el libreto. En parte como consecuencia de su éxito, obtuvo la cátedra de Composición en Viena, donde se labró un gran prestigio como profesor. Formó parte de la agitada vida cultural y musical del momento, entre sus amigos se contaban Schönberg y Alban Berg.

El año siguiente estrena simultáneamente en Viena y Frankfurt, “Das Spielwerk und die Prinzessin“ ( La caja de música y la Princesa ), que divide a la crítica pero la llegada de la Gran Guerra provoca un paréntesis en su carrera.


Los primeros años 20’s contemplan la etapa más exitosa para Schrecker. Sus dos siguientes óperas obtienen un gran éxito de crítica y público. Se trata de "Die Gezeichneten"( Los condenados ) donde se le llegó a comparar con Wagner y “Der Schatzgräber“ ( El buscador de tesoros ). Obtiene la dirección de la Academia de Berlín.

Sin embargo, a partir de 1924 con el estreno de Irrelohe su estrella va declinando y a comienzos de los años 30’s se considera que su carrera como compositor está prácticamente acabada. Los nazis impiden en 1931 el estreno de su ópera Christophorus y en 1932 provocan con enormes abucheos el fracaso de Der Schmied von Gent ( El herrero de Gante ). La llegada de Hitler al poder supone su despido de la Academia. Ante estos reveses, la salud de Schrecker se resiente y muere de un infarto en 1934.


Obra operística

Operas: Estreno

Flammen ; Viena 1902
Der ferne Klang ; Frankfurt 1912
Das Spielwerk und die Prinzessin ; Frankfurt/Viena 1913
Die Gezeichneten ; Frankfurt 1918
Der Schatzgräber ; Frankfurt 1920
Irrelohe ; Colonia 1924
Der singende Teufel ; Berlín 1928
Christophorus ; Friburgo 1978
Der Schmied von Gent ; Berlín 1932


Sus tres mejores obras, en mi opinión, son:


La música de Der Ferne Klang es distinta a la de las obras posteriores. Más experimental, asumiendo más riesgos. A veces da la sensación que Schrecker echa en la marmita todos los ingredientes que marcaba la moda en 1912: un poco de pimienta Schönberg, experimentos armónicos, disonancias parecidas aunque no tan extremas como las de Strauss en Elektra, lujuriosa orquestación, uso frecuente del arioso… La mezcla es sabrosa, aunque el plato no es una chef d’ouvre.


http://www.youtube.com/watch?v=pm2gMUX84i8

En Gezeichneten, la referencia absoluta es Strauss: las armonías, la opulenta instrumentación, la orquesta como principal protagonista de la obra, el cromatismo.... El preludio es realmente una preciosidad. Se trata de una obra casi redonda.


http://www.youtube.com/watch?v=_IMU4rfCUtE

Schatzgräber abunda en el mismo estilo, aunque más ornamentada, a veces se tiena una sensación de pesadez, de excesiva ornamentación que supuran algunos acordes, sin llegar a la inspiración de Gezeichneten.


http://www.youtube.com/watch?v=_hP7kEKC7pA

Schigolch
March 26th, 2012, 09:25 AM
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Ildebrando Pizzetti es uno de esos músicos que, sin llegar a niveles de excelencia, merecería una mayor difusión de su obra. Al menos, no tiene mucho que envidiar a compositores como Giordano o Leoncavallo, entre los veristas, o Respighi y Zandonai, entre los de su generación.

Nacido en Parma (buena tierra para la ópera) en 1880, Pizzetti estudió en el Conservatorio de su ciudad bajo la supervisión de Giovanni Tebaldini, uno de los mejores musicólogos italianos. Desde el principio mostró una fuerte atracción hacia el teatro, pensando incluso en dedicarse profesionalmente a la dramaturgia.

A sus 25 años entabló una gran amistad con Gabriel D’Annunzio, con quien colaboró en su primera ópera: Fedra, en 1912. Además, fue contratado como profesor de armonía y contrapunto en Florencia. Allí se convirtió en un activo miembro de la élite cultural de la ciudad, escribiendo crítica musical en "La voce", famoso periódico florentino.

En 1924 consiguió un puesto en el Conservatorio de Milán y, más adelante, fue profesor y presidente de la Accademia di Santa Cecilia, en Roma. Cada vez más conservador en sus gustos, se unió a Respighi y Zandonai en un famoso manifiesto contra las vanguardias. Más adelante, rectificó en parte esta actitud.

En sus últimos años, Pizzetti se dedicó a la dirección orquestal, y a la crítica en el "Corriere della sera", hasta su muerte en 1968.


Su obra

Pizzetti escribió mucha música instrumental, y también vocal no operística, pero vamos a centrarnos en sus óperas. Cronológicamente son:


Fedra
Debora e Jaele
Fra Gherardo
Lo Straniero
Orseolo
L'Oro
Vanna Lupa
Cagliostro
La Figlia di Jorio
Povera gente
Assassinio nella cattedrale
Il calzare d'argento
Clitemnestra

De ellas, hablaremos en más profundidad de Fedra, Debora e Jaele, Lo Straniero y Assassinio nella cattedrale.

Pizzetti trata de evitar el melodismo de Puccini, buscando una nueva vía para la ópera italiana; su escritura vocal consiste básicamente de un arioso casi continuo (excepto en pasajes corales donde da rienda suelta a su imaginación), siguiendo con precisión los ritmos de la lengua italiana. A su estilo se le llamó en Italia “la declamazione Pizzettiana”, y fue objeto de un animado debate en su momento. Las fuentes de inspiración principal son, sin duda, Pélleas et Mélisande y los recitativos de Monteverdi. Naturalmente, el riesgo de caer en la monotonía siempre está presente, y en algunos momentos se manifiesta de forma despiadada. Sus dos primeras obras están claramente por encima del resto, aunque Assassinio es una pieza frecuentemente representada en Italia, y hasta tiene una versión en alemán dirigida por Karajan.

Fedra


Es una ópera en tres actos con libreto de Gabriele D’Annunzio, estrenada en la Scala en 1915. La trama bebe en Eurípides y Séneca, pero contiene muchos detalles introducidos por D’Annunzio. Los versos italianos son terriblemente arcaicos, llenos de frases rimbombantes. Todo gira alrededor de la pasión de Fedra (mezzo) por su hijastro Ippolito (tenor), hijo de su marido Teseo (barítono). Fedra llega a asesinar a una bella esclava que Teseo ha regalado a su hijo y, mientras el joven duerme, intenta seducirlo. Al despertar, Ippolito la rechaza y, despechada, convence a Teseo de que ha sido violada por su hijastro. Teseo invoca a Poseidón en venganza y el joven Ipolito muere pisoteado por su caballo, Fedra confiesa su culpa e ingiere un poderoso veneno, mientras se mantiene desafiante hasta el último suspiro.

Dos fragmentos suelen representarse en las salas de conciertos italianas: el preludio orquestal del Acto I y la pieza coral “Trenodia per Ippolito morto”. La ópera, en su conjunto, contiene momentos de gran interés, apuntando a una espléndida madurez artística que, desgraciadamente, nunca llegó. Pero realmente merece la pena escucharla, aunque fuera de Italia ha tenido una limitada difusión.


http://www.youtube.com/watch?v=qeqSInu0xI8

Debora e Jaele


Con libreto del propio Pizzetti, se estrenó en la Scala en 1922.

Se trata de una adaptación del Antiguo Testamento, pero interpretada por Pizzetti de manera un tanto atrabilaria. Mientras que Debora (mezzo) es presentada como la encarnación de las leyes judías, el rey de Canaan, Sisera (tenor), es un personaje de mucho más calado dramático. Tras volver de una visita a Grecia, se siente cada vez más atraído por la cultura helena y separado de su propio pueblo. Jaele (soprano), también siente que la ley judaica está ahogando a su propia gente, a Israel. Cuando Debora le envía para engañar a Sisera y hacer caer a su ejército en una trampa, ambos jóvenes se enamoran. Tras caer derrotado, Sisera se oculta en la tienda de Jaele; al acercarse los isrealitas para matar a Sisera, la propia Jaele asesina a su amante, e impide la venganza final de sus enemigos.

El argumento es realmente endeble, y la calidad literaria del libreto más que discutible, pero la música es lo mejor que Pizzetti compuso jamás, y una de las más destacadas de todo el siglo XX en Italia. El coro tiene un papel principal, que a veces empequeñece a los solistas, sobre todo en el comienzo de la ópera, que nos recuerda en su estructura al Boris Godunov. La obra se recibió con gran entusiasmo en Italia, incluso en 1956 una encuesta entre críticos italianos colocaba Debora en el tercer puesto de las mejores óperas del siglo XX tras Pélleas y Wozzeck. Sin embargo, en los años 80 había caído ya en un olvido del que todavía no ha conseguido salir.


http://www.youtube.com/watch?v=a3uhGPzd7MU

Lo Straniero

Estrenado en 1925, con libreto del compositor (que no estaba dotado como libretista, era víctima de esa enfermedad de origen desconocido que afecta a muchos músicos, y les hace pensar que si no escriben sus propios textos no son “artistas totales”), es absolutamente infumable, renuncio siquiera a intentar dar una sinopsis. Para foreros interesados, en el siguiente link hay la suficiente información:

http://www.operamanager.com/cgi-bin/process.cgi?azione=ricerca&tipo=OP&id=10706

Lo peor es que, musicalmente, se trata de un paso atrás. Todos los logros de las óperas anteriores, así como las buenas intenciones que se apuntaban, quedan aquí sepultadas por los defectos: monotonía, divorcio entre escenas corales y solistas, seguimiento estricto de textos totalmente antimusicales,… He aquí un ejemplo, el final de la ópera:


http://www.youtube.com/watch?v=G4Q_IhLcxQA

Assassinio nella cattedrale

http://ecx.images-amazon.com/images/I/51EXG9ZGB0L._AA240_.jpg

Los críticos italianos habían dado la espalda a Pizzetti, y parecían considerarlo un caso perdido, alguien que compuso dos primeras óperas de calidad y no encontraba su lugar desde entonces. En ese momento, apareció Assasinio nella cattedrale, que fue el último éxito del compositor, y tal vez su obra más presente en los escenarios hoy en día.

Esta ópera en dos actos y un intermezzo cuenta con libreto de, cómo no, el propio Pizzetti, una adaptación de una obra de T. S. Elliot. Se estrenó en la Scala en 1958. Los puntos fuertes: un personaje central atormentado, interesantes páginas corales, los habituales diálogos excesivamente literarios, pero en este caso mejor logrados al partir de un texto original de mayor calidad…

La ópera cuenta el regreso de Tomas Becket (barítono) a su arzobispado en Canterbury, tras ser exiliado por el rey Enrique II. Es recibido alegremente pero unos demonios, representados por un tenor y tres barítonos, le someten a terribles tentaciones. Becket las vence y termina el primer acto con un hermoso arioso. El intermezzo que sigue es una pieza sin el menor interés musical o dramático. La obra culmina en el asesinato de Becket por cuatro caballeros, de forma apresurada y con poca definición desde un punto de vista puramente musical. Realmente, sólo el primer acto está a la altura de las primeras obras de Pizzetti, aunque la orquestación tampoco llega nunca a remontar el vuelo.


http://www.youtube.com/watch?v=WSjW4wa_fK0

Schigolch
March 28th, 2012, 08:58 PM
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Ernst Krenek (Viena, 1900 – Palm Springs, 1991) fue uno de los músicos más destacados del siglo XX. A la edad de 16 años se convirtió en discípulo de Schreker en Viena y le siguió a Berlín, continuando sus estudios hasta el año 1923.

Influido por su maestro empezó su producción operística bajo el estilo expresionista de boga en Alemania, con dos obras de desigual inspiración: Der Sprung über den Schatten y Orpheus und Eurydike (ópera en tres actos). Esta última se basa en un drama homónimo de Oskar Kokoschka y se estrenó en Kassel en 1926. Los enamorados Orpheus (tenor) y Eurydike (soprano) se ven separados por los dioses y ella queda preñada por el espíritu de Hades (que aparece como varios personajes: loco, borracho, soldado y marinero, cada uno con distinta vocalidad) en el inframundo. Los celos de Orpheus provocan la pérdida definitiva de Eurydike y le hacen perder sus capacidades creativas. La redención no llega a través del amor, sino de la locura.

Krenek experimenta con el atonalismo, al mismo tiempo que hace uso de motivos relacionados con ideas y acontecimientos del drama de Kokoschka, y otros elementos típicos de la época (disonancias, dinámicas extremas,…). La obra no salió del círculo de entendidos de la 'avant-garde' alemana.


Un viaje a París y la influencia de Milhaud, cambian el rumbo de Krenek. Su nueva ópera en dos actos, Jonny spielt auf (1927), constituyó el mayor éxito de taquilla de toda la época de Weimar. La historia de amor a tres entre el compositor Max (tenor), la cantante Anita (soprano) y el malvado violinista Daniello (barítono), en la que interviene como salvador el músico negro de jazz Jonny (barítono), cautivó a las audiencias de toda Centroeuropa, desde Lemberg y Könisberg hasta Zürich y Amberes, y tenía ya más de 400 representaciones un año después de su estreno. Aunque se la encuadra como una “jazz opera”, en realidad esos elementos de jazz aparecen superpuestos, en ningún momento forman parte de la estructura de la obra, que está cercana a modelos de Milhaud o Stravinsky.

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http://www.youtube.com/watch?v=3cwH9V_Ff0E

En la cumbre del mundo operístico, Krenel produce a continuación tres piezas satíricas en un acto, encuadradas también junto a Jonny como “Zeitopern”, que tuvieron un éxito efímero. Sus dos siguientes obras: Leben des Orest y Kehraus und St Stephan constituyeron sendos fracasos. Pensando seriamente si debía abandonar su carrera como compositor, Krenek recibe el encargo de Clemens Krauss, director de la Opera de Viena, para escribir la que será su obra maestra: Karl V.

En esta obra, en la superficie una revisión de la figura del Emperador Carlos, Krenek alude también a la situación política en Austria durante los años 30. Y propone la universalidad del catolicismo como contrapunto a las tendencias nacionalistas y xenófobas procedentes del nazismo. La obra no se pudo estrenar en Viena y acabó representándose en Praga, el año 1938. Krenek adopta para esta obra el sistema dodecafónico y presenta a Carlos (barítono), hablando con Dios y un joven monje en sprechstimme, mientras repasa los acontecimientos de su vida con personajes como su madre Juana (contralto), su hermana Leonora (soprano), su hermano Fernando (bajo), su mujer Isabel (soprano), Lutero (barítono), el sultán Solimán (barítono), Francisco I (tenor),el papa Clemente (sprechstimme)….

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http://www.youtube.com/watch?v=952qQoly480

Enfrentado al nazismo, Krenek emigró a los Estados Unidos donde pasará el resto de su vida, y se nacionalizará norteamericano. Experimentador tenaz, produce obras en casi todos los estilos que aparecen en el siglo, siendo muy criticado por su eclecticismo. La calidad de su producción americana, muy alta en su vertiente instrumental, no lo es tanto en su faceta lírica, donde sólo cabe destacar la ópera de cámara Sardakai y The Bell Tower.


http://www.youtube.com/watch?v=GOuKJAEoZwM

En cualquier caso, el éxito le abandonó y, en sus propias palabras, se convirtió en un hombre "tragically forgotten". Su obra está empezando a recuperarse, y adquiriendo cada vez más importancia, como corresponde a su extraordinaria carrera.

Schigolch
March 29th, 2012, 02:07 PM
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Compositor checo de origen judío y lengua alemana, Erwin Schulhoff nació en Praga el 8 de junio de 1894 en el seno de una próspera y culta familia. Papel destacado en su educación musical jugó su madre Louise, inseparable compañera de sus primeros viajes de estudio y promotora de su presentación a Dvorak en 1901, quién lo tildó de niño prodigio y le auguró un gran futuro musical.

Sus comienzos formativos tuvieron lugar en el Conservatorio de Praga, estudiando piano con Von Albert entre 1902 y 1904, desde donde se trasladó a Viena entre 1904 y 1908 estudiando con Willy Tern. En el año 1908 se instaló en Leipzig perfeccionando su técnica pianística con Teichmüller e interesándose seriamente en la composición con Max Reger quien le introdujo en la obra de Bach, Beethoven y Brahms, llegando a ser uno de sus más importantes maestros. A partir de 1910 y hasta 1914 prosigue sus estudios en el Conservatorio de Colonia, y comienza a escribir sus primeras obras maduras como la Sonata para violín y piano op 7. En el verano de 1913 se desplaza a Paris para estudiar con su admirado Debussy, cuya obra le había impactado grandemente.

Tras el paréntesis de la Primera Gran Guerra, vuelve del frente más radicalizado en su estética artística. Abraza con entusiasmo las nuevas vanguardias como el Dadaísmo, de la mano de su amigo George Grosz, que pronto abandona pero que le lleva a descubrir y adentrarse en terrenos jazzísticos, y se abre a diversas tendencias que van desde el atonalismo de Schoenberg y Alban Berg, estética por la que nunca se sintió especialmente atraído, hasta el neoclasicismo de Hindemith y Stravinsky, pasando por influencias profundas del expresionismo musical.

Durante los años veinte desarrolla una intensa labor como virtuoso pianista de extraordinaria y luminosa técnica. Muy influido por el piano de Chopin, Liszt y Scriabin, llegó a presentar un estilo propio denominado por él mismo como tridimensional. Siempre a la búsqueda de una más amplia paleta de colores y efectos tonales desarrolló una técnica de pedal que le permitía una amplia variedad de ataques y articulaciones de notas, suaves y precisas, de grandes contrastes dinámicos, cercana a la escuela impresionista francesa.


A partir de los años treinta se compromete con el realismo socialista, influyendo en su labor compositiva que se vuelve más austera, didáctica y comprometida. A este patrón corresponden sus últimas cuatro Sinfonías, e incluso se atreve a componer una Cantata para cuatro solistas sobre el Manifiesto Comunista. Se convierte en ciudadano soviético en 1939, y mientras esperaba escapar a la Unión Soviética es detenido en 1941 e internado en el campo de Wulzburg donde muere, de tuberculosis o tifus el 19 de agosto de 1942.

ÓPERAS:


DIE MITSCHULDIGEN: Ópera bufa inacabada.

FLAMMEN

Su única ópera completa, compuesta en 1929 y estrenada en el Teatro Nacional Checo de Brno el 27 de enero de 1932, sobre un libreto de Karel Josef Benes traducido al alemán por Max Brod. Dicho estreno tuvo lugar en lengua checa con el título Plameny, y su posterior traducción alemana tenía previsto su estreno en Berlín dirigida por Erich Kleiber, pero la irresistible ascensión nazi frustró el plan.

Tragicomedia en dos actos sobre la leyenda de Don Juan, con grandes influencias freudianas y fuerte carga erótica: el libertino es condenado a no poder morir, al igual que otro personaje legendario, el holandés errante. Resulta ser el único protagonista real de la obra, pues aparte de La Muerte, el resto de personajes son meras figuraciones de su mente. Dramáticamente sus dos actos se dividen en diez escenas, correspondiendo las siete primeras al acto I (Nocturno, Canto del fuego, Misa de medianoche, Quimera, Galería, Diálogo, Tempestad-diálogo con el mar) y las tres restantes al acto II (Noche de Carnaval, Banquete, Nocturno)

Personajes:

Don Juan……………. Tenor heroico
Doña Ana…………... Soprano
Sor Margarita……… Soprano
La Muerte............ Mezzo
Comendador........ Bajo
Arlequín…………….... Barítono
Seis Sombras……… 3 sopranos y 3 contraltos


Sinopsis:

Acto I: Las Sombras femeninas se cuentan entre ellas las gestas amorosas de Don Juan, quien está seduciendo a otra mujer en una casa abandonada. Durante la Misa de medianoche, Don Juan desea cambiar de vida, pero una mujer vestida de monja intenta hacerle cambiar de idea, mientras La Muerte interpreta al órgano un Gloria que va siendo silenciado por las notas de un foxtrot proveniente del exterior. En la siguiente escena Don Juan escala la cumbre de un monte formado por cuerpos femeninos desnudos. Allí se encuentra en una Galería de esculturas masculinas que son de los cadáveres de sus antepasados que finalmente han conseguido encontrar la felicidad. Posteriormente se establece un diálogo entre él y una mujer, Margarita, que ser la que previamente se presentó en hábitos de monja. Durante una tempestad, Don Juan y Margarita se aman, pero aparece La Muerte y le quita la vida a la joven. Frente al mar Don Juan piensa en morir.



Acto II: Don Juan está bailando un foxtrot con Doña Ana y en un clima de comedia del arte aparece Arlequín anunciando grandes horrores para esta medianoche. Don Juan asesina al esposo de Doña Ana disfrazado de Comendador, y ésta se suicida. En la siguiente escena intenta revivirla, pero aparece un grupo de bailarinas desnudas e intenta en vano cogerlas. Don Juan jura fidelidad eterna a La Muerte quien le recuerda que él le estará más cercano vivo que muerto. La estatua del Comendador lo condena a la vida eterna, él se avalanza sobre ella pero en vez de morir se convierte en un joven.
En la escena final La Muerte y las Sombras siguen persiguiendo al desesperado libertino siempre dispuesto a satisfacerse con nuevas víctimas de su irrefrenable pasión erótica.



Sobre estos cimientos simbólico-surrealistas, Schulhoff compuso una música de base neoclásica pero de un estilo ecléctico, donde el jazz se funde con la atonalidad, el grito expresionista con el canto piano, y la canción popular con el coral; resultando una obra exóticamente rica y extravagante, plena de sugestivos interludios y clímax orgásmicos sobre un continuo de ensoñación, ya desde el mismo comienzo cuando un solo de flauta conduce la entrada de las Sombras cual clásico coro griego.

Obra más cercana al cine surrealista y a la pintura de vanguardia en su conseguido nexo entre colores, música y su propia dramaturgia, se convierte en un exitoso reciclado, mezclado no agitado, de Wagner, Debussy, la Segunda Escuela vienesa y el Jazz.



http://www.youtube.com/watch?v=SrjzqQpN7O4

Schigolch
March 30th, 2012, 02:57 PM
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VIKTOR ULLMANN (1898 – 1944)


BIOGRAFÍA: Compositor, pianista, director, profesor y crítico musical nacido el 1 de enero de 1898 en Teschen, ciudad fronteriza entre la República Checa y Polonia, en aquellos tiempos perteneciente al todavía incólume Imperio Autro-Húngaro. Ambos progenitores provenían de antiguas familias judías, aunque ya convertidos al catolicismo, entre otras causas por mor de una mayor promoción militar de su padre, Maximiliam Ullmann.

En 1909 se trasladan a Viena, donde completa sus estudios elementales, y cumple su servicio militar durante la I Gran Guerra en el frente italiano. En 1916 regresa a la vida civil iniciando los estudios de leyes, enrolándose en los seminarios de composición de Arnold Schoenberg, y cursando estudios de piano con Steuermann. Recomendado por el padre del atonalismo, se traslada en 1918 a Praga como asistente de Zemlinsky en el Neues Deutches Theater de la capital checa, donde sucesivamente se convierte en maestro de coro, maestro repetidor y director musical.

Durante el año 1927 dirige una temporada de ópera en Usti nad Labem, programando óperas de Mozart, Wagner, Strauss y también Krenek. Entre 1929 y 1931 trabaja como director invitado y compositor de música incidental en la Zurich Schauspielhaus. Por esta época se siente muy atraído por la Antroposofía, escuela fundada por Rudolf Steiner y se une con fervor al movimiento filosófico, llegando a abrir en Stuttgart la librería “Novalis” para la difusión de estas ideas.

En 1933, tras el fracaso y bancarrota de la librería, vuelve a Praga donde vive como un auténtico “freelance” musical, compositor ocasional, crítico y profesor musical. Estudia con Alois Haba la técnica microtonal del cuarto de tono. Completa la versión orquestal de sus Variaciones Schoenberg, obra con la que gana el prestigioso Premio Hertzka 1934. Dos años más tarde vuelve a obtener dicho premio por su antroposófica ópera Der Sturz des Antichrist.

El día 8 de septiembre de 1942 es trasladado al campo de concentración de Terezin, donde lidera la vida musical y cultural junto con otros ilustres como Gideon Klein, Rafael Schächter y Karel Ancern. Convertido en escaparate de propaganda nazi, las autoridades del campo permitieron un gran desarrollo de actividades culturales, utilizadas como ejemplo ante el mundo. Aquí vivió su más prolífica etapa musical durante los 25 meses que estuvo internado, llegando a componer más de veinte obras, entre las que destacan su Tercer Cuarteto de cuerda, las Sonatas para piano y su ópera Der Kaiser von Atlantis.

El 16 de octubre de 1944, entre otras causas, debido a la sátira que representaba el libreto de su última ópera, él y otros miembros del elenco son trasladados a Auschwitz, donde es asesinado dos días más tarde en una cámara de gas.

ESTÉTICA MUSICAL: Definido como una equidistancia entre Schoenberg y Zemlinsky, en su trayectoria compositiva de distinguen tres períodos delimitados.

El primero abarca desde los años 20 hasta comienzos de los 30, siendo su influencia predominante el atonalismo de Schoenberg, y a partir de mediados de la década de los 20, también Alban Berg, sobre todo a través de su ópera Wozzeck, obra que le impresionó grandemente y de lo que ha dejado fehaciente constancia escrita.

El segundo período, a partir de 1933, se caracteriza por una toma de postura intermedia en una búsqueda de rellenar el vacío existente entre la estética del romanticismo y la armonía atonal, muy en la línea también de Berg. Siempre al borde mismo de la tonalidad, enfatiza el uso de la disonancia pero en relación siempre estrecha con la forma tonal e incluso con el uso de la polifonía, como podemos observar en su ópera de este período Der Sturz des Antichrist.

En sus últimos años, bajo la influencia del confinamiento en Terezin, se decanta por una estética más formal y expresiva, incluso caquética obviamente, con mayor influencia tardo-romántica de un Zemlinsky, un Mahler o un R. Strauss. Hasta podríamos convenir que se hace más melódica.

ÓPERAS:


PEER GYNT op 6: basada en la obra de Henryk Ibsen. Actualmente perdida.


DER STURZ DES ANTICHRIST op 9: (La Caída del Anticristo). 1935

Ópera en tres actos escrita sobre un libreto de Albert Steffen, de claras influencias antroposóficas: un soberano hambriento de poder desea el dominio del mundo. Sólo técnicos, sacerdotes y poetas, como personificación de la ciencia, la religión y el arte, se le resisten. Finalmente sólo el artista no sucumbe y es capaz de provocar su caída. El Arte como salvación del mal y vital en el desarrollo humano. Musicalmente escrita bajo el influjo del Wozzeck bergiano, todo un modelo para él, Ullmann elabora un música de gran densidad basada en armonías disonantes, con gran carga expresionista pero manteniendo siempre el dominio de la estructura formal.


DIE HEIMKEHR DES ODYSSEUS op 33: 1941, actualmente perdida.


DER ZERBROCHENE KRUG op 36: ( El Cántaro quebrado ) 1942

Ópera comedia en un acto sobre un libreto de H. von Kleist plagado de humor negro (judío). Publicada por el autor durante la ocupación nazi de Praga, se perdió durante la Segunda Guerra Mundial. Fue descubierta una copia en la Librería Universitaria de Praga por el director Israel Yinon quien dirigió su estreno en 1996. Escrita para diez voces solistas y acompañamiento orquestal de 63 músicos. Tras una amplia y proteica obertura, muy atmosférica, la obra está dominada por las escenas cómicas y burlescas, sobre una hiperinflación de disonancias.


http://www.youtube.com/watch?v=Y4888ETFEfU

DER KAISER VON ATLANTIS oder DIE TODVERWEIGERUNG op.49: ( El Emperador de Atlantis ó La Muerte abdica ) 1943


Esta ópera en un acto, satírica, potente, implacable, es su obra maestra operística. Compuesta sobre un libreto del joven poeta Petr Kien (1919-1944), está estructura en un Prólogo y cuatro escenas y desarrollada sobre siete personajes:

Emperador Überall, tirano de Atlantis (barítono)
Altavoz, narrador (bajo)
La Muerte, el héroe de la historia (bajo)
Arlequín, la vida (tenor)
Soldado (tenor)
Bubikopf, soldado femenina (soprano)
Tambor, portavoz del Emperador (mezzo)

La ciudad de Atlantis está regida por el tirano Emperador Überall quien, aislado en su palacio, gobierna a su pueblo con extrema crueldad. Arlequín y La Muerte discuten sobre el sinsentido de la situación. Cuando el Portavoz imperial anuncia la orden de provocar una guerra total de todos contra todos, sin supervivientes, La Muerte se rebela y anuncia que deja de cumplir sus deberes. Nadie más muere en todo el reino, el Emperador está horrorizado, e inicialmente reacciona con una campaña de propaganda ofreciendo a sus súbditos el regalo de la vida eterna. En la escena tercera, en el campo de batalla, dos soldados enemigos, ante la imposibilidad de matarse, acaban enamorándose pese a la insistencia del Portavoz en que se aniquilen. Con todo su reino en un limbo entre la vida y la muerte, el Emperador descubre ante el espejo el reflejo de La Muerte que le ofrece retomar sus funciones si Él es el primero en morir; Überall finalmente lo acepta como única esperanza para la humanidad. El coro final agradece y reverencia a La Muerte al grito de “… no tomarás el nombre de la muerte en vano, ahora y nunca …” ( Hitler, Goebbels o la misma Eva Braun en la vitrina )

Musicalmente compuesta para los recursos disponibles en el campo, siete voces solistas y trece instrumentistas, incluyendo banjo, saxo alto, piccolo, flauta, oboe, clarinete, trompeta, percusión, violín, viola, violoncello, contrabajo y teclados, piano, armonium y clave, que añade un tono punzante a los recitativos.

Con unos roles vocales de estatura wagneriana, la música está plagada de disonancias extremas, líneas melódicas angulosas y amplios saltos vocales, amalgamado todo por una fuerte pasión romántica ( Berg, otra vez). Una maestra mezcla de polifonía, tardo-romanticismo, cabaret y aromas jazzísticas.

Temáticamente ofrece unos guiños culturales enormemente expresivos e intencionados:

- El tema de la muerte, presentado por el narrador ( "Hallo, hallo !" ) motivo basado en dos tritonos, extraído de la Sinfonía Asraël de Josef Suk en referencia al Ángel de la Muerte, a su vez inspirado en un motivo del Réquiem de Dvorak.

- Tema de la alegría del 5º movimiento "Der Trunkene im Frühling" del Das Lied von der Erde de Mahler, en el aria de Arlequín.

- El uso del himno nacional alemán “Deutschland, Deutschland, Über alles” (compárese con el nombre del Emperador), en versión macabra durante el aria del Tambor.

- La utilización del coral luterano "Ein feste Burg" de la Cantata BWV80 de Bach, al final de la obra para dar de nuevo la bienvenida a La Muerte, usado como guiño a las raíces musicales alemanas.


http://www.youtube.com/watch?v=c86An_GY8vU


DER 30. MAI 1431: 1944

Proyecto de ópera en dos actos y seis escenas sobre Juana de Arco. Sólo el libreto llegó a completarse. Referente a la música sólo nos quedan dos fechas: el fin del prólogo y dedicatoria, Ullmann anota 16 de mayo de 1944, y el final de la escena 2 del acto II, 23 de mayo de 1944.

Schigolch
March 31st, 2012, 10:07 AM
http://editionsilvertrust.com/images/Busoni.JPGhttp://www.mynetcologne.de/~nc-waltergu3/wal_cd_klassik/Busoni.jpg


Ferruccio Busoni (1866 – 1924) fue un compositor a caballo entre el final del siglo XIX y las primeras décadas del XX. Dotado de gran talento, tanto su padre como su madre eran músicos profesionales. Nació en Empoli, pero la mayor parte de su carrera profesional transcurrió en Alemania. Allí, además de cómo compositor, fue reconocido como uno de los mejores pianistas de su generación. Destacó también como teórico, con una obra de gran importancia publicada en 1907: Entwurf einer neuen Ästhetik der Tonkunst (Ensayo sobre una nueva estética de la música). En esta obra se convierte en el primer músico en proponer el microtonalismo y la música electrónica.

Sin embargo, en su obra no se reflejan estas inquietudes. El mismo reconocía que no practicaba su prédica y medio en broma llamaba a su estilo “Clasicismo Joven“, en referencia a su fuente de inspiración básica, que identificaba en el siglo XVIII. En realidad, sobre todo en el terreno operístico, sus composiciones tienen un componente que hunde sus raíces en la tradición romántica que reclama desechar.

La obra no operística de Busoni es de gran interés, especialmente la escrita para piano. Es un gran maestro del contrapunto, y posee una extraordinaria inventiva en el terreno de la armonía. No destaca tanto como melodista. Se trata de una música con un fuerte componente intelectual, va dirigida más a la cabeza que al corazón. Esto en sí, no es bueno ni malo, simplemente hay que abordar su escucha con la adecuada predisposición. Aunque muchas veces prescinde de una tonalidad claramente establecida, no se trata de atonalismo ni dodecafonismo.

Aunque Busoni empezó sus andanzas operísticas muy joven, a los 16 años, abandonó después este campo hasta que una representación de Falstaff en 1893 reavivó su interés por el género. En ese momento, empezó a acariciar la idea de una ópera sobre Fausto, que ya le acompañó hasta el final de su vida.

Busoni comusó varias óperas, a saber: Die Brautwahl (1912), Arlecchino (1916), interesante pero claramente inferior a las dos siguientes), Turandot (1917, de la que hablaremos a continuación), y siguiendo una tradición de la época, recordemos a Puccini o Berg, dejó inacabada Doktor Faust a su muerte en 1924.

La Turandot de Busoni, como la de Puccini, parte la pieza teatral de Carlo Gozzi. El origen de la ópera está en una música escrita por Busoni en 1905 para acompañar una representación escenificada por el gran director de teatro austríaco Max Reinhardt. Tuvo gran éxito y Busoni compuso una ópera, con la intención original de representarla junto a Arlecchino bajo el nombre conjunto de "La nueva commedia dell’arte". Así se hizo, por ejemplo, en Lyon bajo la dirección de Nagano, donde además se grabó un CD.

Esta Turandot, con libreto del poprio Busoni, es mucho más fiel a la obra original que la de Adami / Simoni: los tres ministros son Truffaldino, Pantalone y Tartaglia en lugar de Ping, Pong y Pang; el personaje de Liu se desdobla en dos, el criado Barak y la confidente Adelma; y el padre de Calaf no aparece en la obra.

Desde un punto de vista musical, Busoni también dota a su ópera de pasajes inspirados en música china (también arabe e india). Su escucha es muy interesante, no es muy larga y puede ser una buena introducción a Busoni. La distribución de los principales roles:

Calaf: Tenor

Turandot: Soprano

Altoum: Bajo

Barak: Barítono

Adelma: Mezzo



Argumento

El príncipe Calaf, huyendo de la derrota sufrida por su padre, se reúne en Pekin con su criado Barak. Este le habla de la princesa Turandot y sus tres acertijos mortales. Cuando Calaf ve el retrato de Turandot se apresura al palacio real. Allí el emperador Altoum trata inutilmente de disuadirle. Calaf se enfrenta a los acertijos y los resuelve, pero Turandot rehusa al matrimonio. Calaf propone un acertijo propio: Turandot debe adivinar su nombre.

Una antigua enamorada de Calaf, Adelma, revela a Turandot el nombre esperando así recuperar a Calaf. Turandot, sin embargo, se ha enamorado de Calaf y le acepta como consorte. Al final de la ópera se cantan loas a Buda y el amor.


http://www.youtube.com/watch?v=h92J65jZOjk&feature=fvst


Doktor Faust, por su parte, es un título señero de la ópera del siglo XX.

Principales roles

Fausto: Barítono

Wagner: Barítono

Duquesa: Soprano

Mefistófeles: Tenor

Argumento:

El erudito Fausto está trabajando en su estudio. Su sirviente Wagner le anuncia la llegada de tres estudiantes de Cracovia, que le traen un libro mágico.

Usando este libro, Fausto invoca al demonio Mefistófeles, con el que pacta cederle su alma a cambio de inmensos poderes.

Gretchen, una muchacha seducida por Fausto, se ha suicidado. Su hermano jura venganza, pero Mefistófeles organiza su asesinato.

En la boda del duque de Parma, Fausto es presentado como un mago de renombre mundial. Presenta tres números de magia. La duquesa está fascinada por Fausto y parte con él, abandonando a su marido.

Estudiantes católicos y protestantes acuden a Fausto para pedir su mediación en un enfrentamiento entre ambos grupos, pero éste sólo logra avivar el conflicto. Mefistófeles entra con el cadáver del niño que Fausto ha tenido con la duquesa y lo prendé fuego. Entre el humo, Fausto contempla a Helena de Troya. Fascinado por su belleza intenta atraparla, pero no puede sujetarla. Los estudiantes comunican a Fausto que morirá a medianoche.

Wagner ha sido designado como sucesor de Fausto como rector de la Universidad. Fausto, desesperado por salvar su alma, da una limosna a una mendiga que resulta ser la duquesa. Ella le pide que salve a su hijo y Fausto logra transferir su alma al cadáver del niño. A las 12 en punto, Fausto muere y el niño resucita y se aleja en la noche. Mefistófeles ha sido vencido.



Busoni no parte de Goethe, sino de fuentes anteriores alemanas, inspiradas en la tragedia de Marlowe. El Fausto de Busoni es un erudito, convencido de su superioridad intelectual y moral, arrogante. Se puede decir que, en cierto aspecto, Mefistófeles es una expresión de lo peor que anida en el alma de Fausto. Su salvación llega a través del amor por su hijo.

Cada parte de la ópera sigue el esquema de una forma tradicional: así encontramos fugas, sarabandas, polifonía... Las arias y ensembles se acompañan de creaciones contrapuntísticas de compleja trama. Se crea de este modo una tensión entre simplicidad y complejidad que da un enorme juego musical.

Es díficil escuchar esta ópera sin sentirse por momentos embelesado, en otras ocasiones alejado de la música, como en un diferente plano de la realidad, y de vez en cuando una sensación de inquietud rayana en el franco temor.

A la muerte de Busoni, su discípulo Philipp Jarnach completó la obra y se estrenó apenas diez meses después. Recientemente, basado en documentos originales de Busoni, Anthony Beaumont ha publicado una revisión de la partitura. En esta revisión se basa el CD de Nagano. Es una excelente versión de una de las obras más intensas y misteriosas de toda la historia de la ópera.

http://ec2.images-amazon.com/images/P/B00002DFH6.03._SS400_SCLZZZZZZZ_V1133660800_.jpg


http://www.youtube.com/watch?v=XSnoiPmQ8O8

Schigolch
April 3rd, 2012, 02:39 PM
http://img59.imageshack.us/img59/869/braunfels3articleinline.jpg (http://imageshack.us/photo/my-images/59/braunfels3articleinline.jpg/)

A la edad de 50 años Walter Braunfels, a la sazón Director de la Academia de Música de Colonia, fue borrado del mapa por el nacionalsocialismo, no sólo porque por sus venas corriera sangre judía, sino por negarse a realizar un himno para el movimiento nazi iniciada la década de los 20. Esa afrenta no iba a olvidarse fácilmente. Lo peor es que han sido muchos los años de oscurantismo hacia una obra recuperada en los 90 gracias al éxito de la reposición en Berlín, en 1994, de la ópera “Los pájaros” (Die Vögel).

Nacido en una familia amante de Bach y Beethoven, donde su padre era traductor literario y su madre, que tocaba el piano, contaba entre sus amigas a las hijas de Schumann y List, pronto el joven Braunfels era introducido en el estudio musical. Primero tomando lecciones de piano de su madre, más tarde estudiando con James Kwast, suegro de Hans Pfizner. Sin embargo, Walter se empeñó en estudiar Leyes y Economía en Munich, dejando a un lado una carrera musical que retomaría al quedar extasiado tras una representación operística del Tristán e Isolda. Tras estudiar en Viena y con nuevos tutores, Braunfels da un giro a su carrera cuando conoce a uno de los exponentes del último clasicismo, Adolf von Hildebrand. Compone su primera ópera: “Prinzessin Brambilla”, y se casa con su hija menor.

Influido profundamente por Hildebrand afronta en 1920 un nuevo encargo que se convierte en su primer gran éxito: “Los pájaros”, una ópera consistente en un prólogo y dos actos. El libreto, escrito por el propio compositor, es una libre adaptación de una comedia de Aristófanes estrenada en Atenas el 414 a.C. Obra profundamente antibélica, en ella plasma Braunfels su desesperación durante su servicio en la Primera Guerra Mundial. La obra retrata tres mundos diferentes: el de los hombres, el de los pájaros (el mundo de la imaginación) y el de los dioses. Su argumento versa sobre la historia de dos viajeros (Amigo Fiel y Buena Esperanza) cansados e insatisfechos de la vida en el mundo de los hombres, que deciden fundar una ciudad ideal en el cielo, con los pájaros, terminando ellos mismos convertidos en aves. Obra poética y sensitiva, destaca por una alta variedad en sus secciones corales, por sus declamaciones al unísono alternadas con pasajes homofónicos en cuatro partes y especialmente, por sus timbres de una brillante trasparencia y de una orquestación muy poco convencional.


Su siguiente ópera, Don Gil von der grünen Hosen (1924), coloca a Braunfels, junto a Strauss, Korngold y Schreker, como el más popular compositor de óperas de la Alemania de Weimar. Pero sus trabajos para salas de concierto se convierten también en grandes éxitos.

En 1923, Braunfels entra a formar parte de la Academia Prusiana de las Artes y al año siguiente estrena en Colonia una de sus mejores obras, un Te Deum que obtiene un éxito espectacular y que obliga a Adenauer a solicitar de Braunfels ayuda para crear la nueva Escuela de Música de Colonia.

Su trabajo en la escuela de Colonia será interrumpido brutalmente por las autoridades nazis que le acusan, en 1933, de ser judío, de ayudar a los de su raza y de promover una guerra soterrada e intelectual contra el movimiento nazi. En 1938, su nombre aparece en la exposición de Música degenerada de Düsseldorf. Con 5 óperas a sus espaldas (compondría aún cuatro más hasta 1954), Braunfels se niega a dejar Alemania y se autoexilia en una cabaña cercana al Lago Costanza. A los amigos que le piden que huya contesta Braunfels que prefiere actuar como “una piedra en el camino del diablo”. Tras la guerra, en 1945, es admitido de nuevo en la Academia de Colonia hasta que la abandona en 1948. Un 19 de marzo de 1954 moría en la ciudad de Colonia y su música era olvidada hasta un proceso de recuperación llevado a cabo en fechas recientes.

Braunfels en youtube:

Die Vogel

http://www.youtube.com/watch?v=UvNLIishI4g


Juana de Arco

http://www.youtube.com/watch?v=y54VD3A4WP4

Schigolch
April 5th, 2012, 08:04 AM
http://img195.imageshack.us/img195/9766/krasa.jpg


Nacido en Praga en 1899, en el seno de una próspera familia de habla alemana, Hans Krása pronto evidenció un alto interés por la música. Entre sus profesores figuran los compositores Alexander von Zemlinsky y el francés Albert Roussel. Su mayoría de edad coincide con la proclamación de independencia de Checoslovaquia. El país vive entonces una democracia saludable que es muy bien recibida por el mundo de las artes. Krása pasa la mayoría del tiempo con otros artistas y escritores asociados al periódico Prager Tagblatt, celebrando interminables reuniones en el Café Arco. Uno de los asistentes, el influyente intelectual Max Brod, resulta vital en la carrera del músico. Cuando Krása escribe su sinfonía para pequeña orquesta en 1923, la traducción de un poema de Rimbaud por parte de Brod, "Les Chercheuses de Poux", forma la base de su tercer movimiento. Con este trabajo, la reputación de Krása traspasa las fronteras de Checoslovaquia.

A excepción de un cuarteto de cuerda y de algunas canciones, la producción de Krása desde 1925 a 1930 es prácticamente nula, volcándose en su aprendizaje con Zemlinsky, Roussel (coincidiendo en las clases con otro insigne alumno, Martinü) y acompañando a la actriz Carola Neher en un tour por Rusia. Pero su ambición es escribir un gran proyecto dramático demostrando sus simpatías por la estética avant-gardé y por la efímera naturaleza de las zeitopern populares. Al final, Krása encuentra la historia perfecta, “El Sueño del tío” de Dostoyevsky. Para preparar el libreto acude a dos amigos del Prager, Rudolf Thomas y Rudolf Fuchs, mientras Brod se encarga de algunas líneas del segundo acto. El destino será aún más cruel con sus compañeros que con Krása. Thomas y su mujer se suicidan el día que el ejército alemán marcha sobre Praga y Fuchs, tras huir a Inglaterra, es asesinado en 1942.

Es aproximadamente en 1928 cuando Krása empieza a escribir la música de “Verlobung im Traum”, pasando los sketches de la obra a algunos amigos para conocer sus opiniones. Viktor Ullman se muestra muy sorprendido por el atrevimiento de Krása y en especial por un tema basado en la famosa aria “Casta Diva” de Bellini. Centrado en su ópera, Krása tarda dos años más en terminarla y el 18 de mayo 1933 es estrenada en el Nuevo Teatro Alemán de Praga.

La historia toma lugar en la pequeña ciudad rusa de Mordasov en 1850. Un archivista espera la visita de Dostoyevsky quien quiere informarse sobre la vida de Zina, una maravillosa muchacha de la aldea. Este cuenta la historia de un príncipe que atravesó una vez el pueblo y cómo Maria Alexandrovna, la madre de Zina, vio en ello la oportunidad de buscarle un buen partido a su hija. Sin embargo, ella está enamorada de otro hombre llamado Fedya. A pesar de las argucias de la madre, Zina se mantiene fiel a su amante y confiesa al príncipe que no le quiere. Éste decide no disputarle su amor y abandona el pueblo. Finalmente, Fedya muere y madre e hija dejan el pueblo. Zina no tiene más remedio que aceptar un nuevo enlace con un viejo gobernador de provincia. Coincidente en el tiempo con otra ópera basada en una obra de Dostoyevski, la de Janacek para “From the House of the Dead”, la obra, sentimentalmente, guarda más puntos en común con “Kat’á Kabanová”, aunque desde el punto de vista musical Krása poco tiene que ver con Jánacek. Su principal influencia es Stravinsky, especialmente en el uso de los ritmos sincopados.

http://ecx.images-amazon.com/images/I/51X35939EHL._SL500_AA300_.jpg


http://www.youtube.com/watch?v=AV8lBq6p0h8&feature=player_embedded

Habría que esperar un lustro para que Krása se adentrara de nuevo en el campo operístico. En esta ocasión se trata de una ópera para niños que compone en 1939 para una competición, “Brundibár”. Lamentablemente, y aunque gana el premio, la invasión de Checoslovaquia por el ejército nazi impide su estreno. Krása había sido declarado degenerado en la exposición del 38 dada sus raíces judías y la tendencia disonante de su música. Entre 1941 y 1942 Krása logra que la obra se represente en el orfanato para niños judíos de Praga, pero en julio de 1943 todos, incluido el compositor, son deportados al campo de concentración de Theresienstadt. Allí consiguen reunir diez instrumentos y Krása reorquesta toda la obra para esa formación. De los 15,000 niños que acabaron en el campo, sólo 100 de ellos sobrevivieron al Holocausto.

http://img843.imageshack.us/img843/1707/brundibar.jpg


http://www.youtube.com/watch?v=pMxYI0t66Lw

En la noche del 16 de octubre de 1944, Hans Krása es introducido en un vagón de tren con destino a Auschwitz-Birkenau. Allí es asesinado de inmediato en la cámara de gas. Con él mueren en ese mismo campo los compositores Viktor Ullman y Pavel Haas.

Schigolch
April 7th, 2012, 08:24 PM
http://claude.torres1.perso.sfr.fr/Goldschmidt/Goldschmidt10.jpg

Perseguido por el régimen nazi e incomprendido por muchos modernistas que criticaban su “anacrónico” lirismo, la obra de Berthold Goldschmidt pasó desapercibida hasta su renacimiento en la última década de su vida. Nació en 1903 en Hamburgo y su carrera musical comenzó durante los años 20 del siglo pasado, en tiempos de la República de Weimar.

Su primer gran éxito es una obra de 1925, la Passacaglia opus nº 4, que le significó el prestigioso Premio Mendelssohn. Con un futuro prometedor, Goldschmidt alcanzaba un inicial clímax en su carrera musical en 1932, con el estreno de su ópera Der gewaltige Hahnrei en Mannheim. Pero el inmediato ascenso de los nazis al poder (en 1933) cortó su trayectoria, condenando su obra como “música degenerada” y siendo incluido en la nómina de compositores judíos que alteraban la pureza musical de Alemania. Esto significó la cancelación de sus actuaciones, la prohibición de su obra en el país y la imposibilidad de realizar conciertos, lo que le abocó a subsistir dando clases de piano.

Goldschmidt tuvo mucha suerte en su relación con las autoridades nazis. Veintidós de sus parientes murieron en Auschwitz y Belsen. Él pudo escapar a Londres en 1935 y salvarse. Según cuenta él mismo, cuando le citaron un día de 1935 a las once de la mañana en el edificio central de la policía secreta nazi, se presentó en el lugar y saludó a dos oficiales: "Buenos días, ¿qué tal están ustedes?". Le respondieron: "Aquí se dice '¡Heil Hitler!". Contestó: "Soy judío". Lo metieron en una sala donde había unas 20 personas, algunas de uniforme. El oficial que le interrogó abrió un amplio informe sobre sus actividades. Le acusó insistentemente de comunista y de judío. Luego le preguntó que cuánto cobraba por sus judías clases de música y el oficial descubrió que Goldschmidt cobraba menos de lo que él pagaba por las clases de piano de su hija. "Me atreví a hacerle una pregunta", recordó Goldschmidt. "¿Su hija toca el piano?" Y comenzamos a hablar de la música que tocaba la niña, de Schumann, Brahms... Y de repente dijo: '¡váyase de este país!'”, cerró el informe y le dejó marchar.

Durante la Segunda Guerra Mundial trabajó para la BBC , mientras componía obras como su Concierto para violín, violonchelo y clarinete, La Chacona Sinfónica o la ópera Beatrice Cenci. A finales de la Segunda Guerra Mundial, Goldschmidt recomendó utilizar música de compositores alemanes como Mendelssohn y Gustav Mahler, y grabaciones de artistas como Kreisler y Schnabel como propaganda antinazi. En 1947 obtiene la nacionalidad británica. Desde finales de los 50 hasta los 80, Goldschmidt dejó prácticamente de componer dada la dificultad para el estreno de sus obras. Durante sus últimos años de vida experimento el auge de los compositores de la llamada “música degenerada”, reactivándose su labor en países como los Estados Unidos o su patria inicial, Alemania, con nuevas grabaciones de sus trabajos. Poco antes de morir escribió su trabajo final, el Deux Nocturnes, a la edad de 93 años.


Óperas de Goldschmidt en YOUTUBE

Der Gewaltige Hahnrei (El Magnífico Cornudo)

http://www.youtube.com/watch?v=fDDMZsmDDck

Beatrice Cenci (1951)

http://www.youtube.com/watch?v=5Sah6oi8bO4

Schigolch
May 29th, 2012, 08:40 AM
http://www.maissau.at/content/images/Einem_Portrait.jpg

Gottfried von Einem (1918 - 1996) fue un compositor austríaco, hijo de un importante militar, que fue represaliado por la Gestapo en su juventud.

Su primera ópera, Dantons Tod, basada en Büchner fue estrenada en Szalburgo en 1947, una importante contribución a la ópera alemana del siglo XX que sigue siendo interpretada con cierta frecuencia en Alemania y Austria. La visión de von Einem (que escribió su propio libreto) nos presenta un gobierno que aterroriza a sus propios ciudadanos, algo que estaba, desgraciadamente, muy cerca de su propia experiencia.

El estreno contó con grandes cantantes como Paul Schöffler, Julius Patzak y Maria Cebotari, dirigido por Ferenc Fricsay.


http://www.youtube.com/watch?v=gOp9zuyesU8

La ópera basada en Kafka, Der Prozess, fue producida en el Festival de Salzburgo de 1953, y podemos escucharla completa en youtube:


http://www.youtube.com/watch?v=wMSkFiTsINU

Tal vez su mejor ópera, encargada por la Opera Estatal de Viena, fue Der Besuch der Alten Dame, basada en la obra de Dürrenmatt, con un libreto adaptado por el mismo escritor. La obra tuvo un éxito inmediato al ser estrenada en 1971, sobre todo por la caracterización dramática de la heroína y el talento con el que las diez escenas son definidas y enlazadas por cortos interludios instrumentales. Posteriores producciones incluyeron una versión en inglés.

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